1. 20世紀以來美國在音樂方面的貢獻
美國音樂囊括了hiphop+rap（嘻哈饒舌說唱） 、R&B+soul（節奏布盧斯和靈魂樂） 、pop（前衛流行） 、rock&roll（搖滾樂） 、 American country music （鄉村音樂）、Latin music （拉丁樂）、Disco jockey （DJ電子混音舞曲 歸在hiphop里）、punk （朋克樂 歸在rock里）、Funk Music（放盪傑克音樂）、CRunk & B（曠課樂）、Gothic（歌特音樂），home（舞曲），jazz（爵士），metal（金屬樂），alternative（另類），raggae（雷鬼），classical（古典）等等多元化美國本土以及歐美混合音樂元素。16-18世紀印第安人的歌唱主要用於勞動、婚喪、准備作戰等場合，以鼓等打擊樂器伴奏，音調簡單，獨具一格。16世紀後，隨著各國移民的到達，也帶來了他們本國的音樂文化。經過激烈的爭奪，英國人終於取得了在北美大陸的優勢。因此，英國音樂對美國音樂的影響最大，它為美國音樂的形成奠定了最初的基石。1619年，第1批非洲黑人奴隸被販運到北美。非洲黑人酷愛音樂，慣於一邊勞動一邊唱歌。黑人音樂的動人曲調和獨特的切分節奏，對美國音樂的發展起了巨大作用。1640年，馬薩諸塞出版了《海灣詩篇歌集》，是北美刊印的第1本書。18世紀初，為提高歌唱水平，許多牧師著書指導唱歌。同時，隨著移民的增加和一些大城市的逐漸繁榮，世俗音樂也變得活躍起來。歐洲樂器如小提琴、吉他、哈普西科德等開始流行，出現了專業音樂家。1731年在波士頓舉行了第1場音樂會。通常的音樂會節目包括愛國歌曲、歌劇詠嘆調、傳統民歌等，有時也有一些標題的或無標題的器樂作品。在此基礎上產生了美國本地出生的第！批作曲家。同歐洲音樂相比，當時美國作曲家的作品被認為不夠成熟。19-20世紀19世紀初，許多歐洲音樂家來到美國，他們帶來了遠比美國先進的音樂水平和技巧。1848年歐洲革命後，又有大批德國音樂家移居美國。他們使原先習慣於贊美歌的美國人的音樂趣味發生明顯變化，也給美國年輕一代作曲家的創作帶來巨大影響。與此同時，音樂教育獲得迅速發展。南北戰爭後美國音樂生活更趨活躍，又有一些重要的音樂團體相繼建立，如大都會歌劇院（1881）、波士頓交響樂團（1881）等。更重要的是，出現了一批具有相當專業技巧的作曲家。他們把美國音樂提高到了歐洲的水平，但作品缺乏獨創性，帶有明顯的模仿傾向。其中成就最高的是E．麥克道爾，他被認為是美國第1個取得國際聲望的作曲家。 當美國作曲家幾乎都在追隨歐洲風格時，歌曲作家S．C．福斯特卻採用美國黑人音樂的曲調進行創作。他的很多歌曲是為當時盛行的「黑人劇團」（由白人化裝扮演黑人，其成員稱為游吟藝人）寫作的；而真正的美國黑人音樂卻末受到重視，它們只在黑人中流傳發展。當時流行的黑人音樂主要類型有靈歌、布魯斯、勞動歌曲等。19世紀末20世紀初，美國出現了擺脫德國音樂控制的新潮流。捷克作曲家A．德沃扎克對此起了很大作用。他於1892-1895年間應邀就任紐約音樂學院院長。他建議美國作曲家把美國印第安人和黑人音樂運用到自己的創作中去。也有的作曲家轉向法國音樂，他們的創作與印象派有著密切聯系。另有一位作曲家C．E．艾夫斯在獨自探索美國化的音樂語言。他在當時並未引起人們的注意，後來才被認為是美國老一輩最著名的作曲家。形成的特點20年代，社會輿論鼓勵美國作曲家創作具有美國風格和特點的作品。一批作曲家在各方面支持下，為美國民族主義音樂的確立作出了貢獻。特別在交響樂領域，他們為美國音樂贏得了與歐洲各國音樂並駕齊驅的地位。曾在巴黎從法國作曲家N．布朗熱學習的A．科普蘭、R．哈里斯、W．辟斯頓、V．湯姆森以及R．塞欣斯（1896-1985）等人，都在一定程度上把美國的音樂語言與西方第一流的作曲技巧結合起來。他們的學生和追隨者如W．舒曼、S．巴伯、L．伯思斯坦等繼承了他們的道路。這些青年作曲家大都是國內培養起來的。20-30年代的美國音樂並不只是朝著一個方向發展。西方音樂在第一次世界大戰後經歷了空前的劇烈變化，出現了新的現代音樂流派；即便是上述作曲家，在他們的某些作品中，也表現出不同程度的實驗的性質。最重要的實驗主義者是1915年定居美國的法國作曲家E．瓦雷茲。同時期，美國的流行音樂空前發展。特別是從黑人音樂布魯斯、拉格泰姆等演變而來的爵士音樂風行全國。具有獨立的美國風格的音樂劇（亦稱百老匯歌舞劇）是在歐洲的輕歌劇和喜歌劇的基礎上逐漸發展起來的，在流行音樂中佔有特殊地位。著名的音樂劇作曲家有R．羅傑斯（1902-1979）、G．格什溫、伯思斯坦等。納粹政權的出現和第二次世界大戰，使許多著名的歐洲作曲家來到美國，如P．欣德米特、B．巴托克、勛伯格、斯特拉文斯基、D．米約等。他們給美國音樂生活帶來了新的巨大影響。美國成為西方音樂文化的一個重要中心。美國音樂創作的民族性不再受到重視，許多美國作曲家的作品與歐洲音樂在風格上的差別幾近消失。多樣化50年代以後，美國音樂更趨多樣化。盡管有的作曲家基本上按照傳統的音樂語言進行創作，但是吸引著新一代作曲家的是層出不窮的各種新音樂流派，代表人物是J．凱奇。在流行音樂領域內，也出現了新的品種。從布魯斯等音樂發展而來的搖滾樂風靡全國，爵士音樂退居次要地位。搖滾樂的代表人物有E．普雷斯利（1935—1977）等，民歌的著名歌手有B．迪倫（1941-）等。MJ．傑克遜的出現70年代以後，搖滾樂的熱潮逐漸衰退，各種流行音樂互相影響，在風格上趨向綜合。最著名的流行音樂歌手是邁克爾·約瑟夫·傑克遜（Michael Joseph Jackson（1958年8月29日-2009年6月25日） 在音樂表演方面，美國往往由於擁有世界第一流的指揮、獨奏家和歌劇演員而達到很高水平。美國的交響樂團占波土頓、芝加哥、克利夫蘭、紐約和費城等交響樂團均享有國際聲譽。 二十世紀的美國音樂美國在1776 年獨立建國。早年殖民地色彩十分濃厚，在文化方面幾乎全是歐洲的移植。民間的音樂，倒是以黑人的靈歌（spiritual），綜合了非洲的傳統與被迫信仰的基督教，發展出很不同的風格。西部開發產生了牛仔，牛仔歌 (cowboy songs) 雖未脫離歐洲 （特別是英國） 民謠風格，但精力旺盛，粗獷又多愁善感，也有特色。西部開發產生了牛仔，牛仔歌 (cowboy songs) 雖未脫離歐洲 （特別是英國） 民謠風格，但精力旺盛，粗獷又多愁善感，也有特色。天才歌曲作者 福斯特 (Stephen Foster,1826-64） ，吸收了這些因素，寫下了幾乎可以稱為美國民謠的歌曲：Negro Spiritual: Joshua fit the battle of Jericho [1.29] Negro Spiritual: Joshua fit the battle of Jericho [1.29] --: Swing low,sweet chariot [2.25] --: Swing low,sweet chariot [2.25] Foster: De Camptown Race [3.06] Foster: De Camptown Race [3.06] Trad. (cowboy song): Carry me back to the lone prairie [3.20] Trad. (cowboy song): Carry me back to the lone prairie [3.20] 十九世紀新英格蘭地區興起了所謂超越論（transcendentalism ， 艾默生、霍桑、梭羅 等人）思想，高揚個人的自主，不依附任何權威。這使美國特色的文藝逐漸產生。第一個特立獨行的美國作曲家，是 艾維斯 (Charles Ives,1874-1954）。他受教其父，並未受正式音樂訓練，又是成功的商人，作曲完全為了滿足自己，無意討好聽眾。以他的年代而言，他的音樂，打破了歐洲音樂的各種規矩（把流行曲調重疊一起，節奏不統一，甚至調性也不統一），「前衛」的可怕：Ives: Putnum』s Camp,from Three Places in New England [6.13]另一個非學院出身的作曲家是 葛許文 (George Gershwin,1898-1937）。他把爵士樂帶入「古典」殿堂 （我們對他作品介紹已多）。與他同時或稍後的作曲家，就都是學院出身的了。紐約出身的 柯普蘭 （Aaron Copland,1900-90）能作很艱深的學院派作品。但他的名氣主要是建立在他充滿美國風味的芭蕾 (Billy the Kid,Rodeo,Appalachian Spring) 與管弦樂上。他可能是「美國古典音樂」最有代表性的名家，多樣、活躍，甚至霸氣，很能表現美國作風.參考來源：http://ke..com/view/591612.htm
2. 我在美國注冊了音樂版權,但是我人在中國,這時候我的版權保護是按照美國的版權
保護。在我國公民的作品創作完成即自動獲得保護，外國人在我國也是一樣的，美國和中國都是伯爾尼公約的成員，依據互惠原則和國民待遇原則，中國人在美國創作的作品應受到保護的
3. 求助一篇文章...美國電影音樂賞析的..
震撼心靈的旋律：
電影《93號航班》電影音樂賞析
當我聆聽《93號航班》這部最新發行的配樂專集的時候，恰逢911事件五周年的時候。回想起五年前的9月11號，美國境內爆發了近代史中最讓人驚懼的恐怖攻擊事件，無論是對美國人還是對全球人類來說都是一段痛苦的回憶，來自世界各國的數千名普通人在那場浩劫中永遠的失去了自己的生命，時至今日仍然有死難者，因遺體破壞嚴重而無法得到辨認。數千條無辜的生命就在短短的數小時中永遠的從地球上消逝了，911事件給無數家庭帶來的痛苦影響以及給全球人類帶來的恐慌是無法估量的，也就是從那時起我們知道了「反恐」「本拉登」等等系列的名字與口號。就在911事件五周年紀念來臨之即，導演保羅葛林葛拉斯（Paul Greengrass）為大家帶來了這部真實再現那段悲慘歷史的影片《93號航班》。
由拍攝電影《諜影重重》的導演保羅葛林葛拉斯擔綱製作編導大任的《93號航班》是好萊塢首部面對此歷史傷痕的電影，故事描述事件爆發當天，准備從紐華克起飛，飛往舊金山的聯航93號班機在紐華克機場的跑道上耽誤了45分鍾，當班機起飛後，——美國國會大廈，班機上的機組人員與乘客不願讓恐怖份子的行動得逞，決定展開反制，導演以事件發生的時序真實呈現機上這群原本互不相識的人在事件中所承受的恐懼壓力，以及決定同心協力反制恐怖行動的大無畏勇氣，讓觀眾屏氣凝神的見證這個改變世界面貌的一天。導演表示尋找911事件所代表的意義的方式有很多，電影工作者也必須參與其中。同時電影也再現了45名乘客及機組乘務員的英勇無畏的感人事跡，正是這45人挽救了無數人的生命，在確切知道自己無法得到救助的時候，為了挽救更多人的生命寧願與恐怖分子同歸於盡，這樣的大無畏精神也許以前只能在電影中看到，但是他出真的出現在了21世紀的現實生活中。
《93號航班》原聲音樂的配樂工作交由英國新生代配樂人約翰鮑威爾(John Powell)來完成，這是約翰鮑威爾繼《諜影重重》後，二度為導演葛林葛拉斯的作品擔任電影原聲音樂的創作。近10年來，約翰鮑威爾在動作片與動畫片的音樂創作領域綻放光彩，多次顯露出了他作為新生代配樂人，在電影配樂上的天賦與才華，約翰鮑威爾的代表作包括:《X戰警3：最後戰役》、《冰河世紀2》、《史密斯夫婦》、《記憶裂痕》、《偷天換日》、《史瑞克》等等。《93號航班》是鮑威爾創作生平中最嚴肅的題材，雖然本片仍有不少可以善用他那側重打擊節奏感的電子合成聲效，營造緊張步調的動作場面，但是影片中絕大多數的膠卷都在考驗著他對戲劇張力的掌控功力，鮑威爾以電子合成樂中的重低音脈動揣摩出飛機渦輪傳動感覺。從《93號航班》的配樂作品中我們聽到了，配樂人約翰鮑威爾新創作出的音樂風格，這與他近段時間的其餘兩部配樂作品《冰河世紀2》，《X戰警3：最後戰役》相比形成了比較大的差別。風格的轉變也許正是約翰鮑威爾想擺脫他慣用的傳統電子合成音樂配樂手法的固定模式，從固定模式中解脫出來尋求更多的配樂風格來完善自己的創作。影片的取材來源於美國人民的傷痛所在911事件，不知道是否所有的人都做好了准備來接受2006年帶來的兩部有關911事件的電影。大家都期待著一段愛國主題的小號獨奏出現在配樂作品的音樂旋律中，嘹亮的小號的吹奏來展現一種愛國的情懷，就像已故的配樂大師Jerry Goldsmith在電影《最後的城堡》中創作出的弦樂獨奏那樣。然而比較令大家失望的是這樣的音樂旋律並沒有過多的出現在《93號航班》的原聲音樂中，而是被放到了隨後的一部由奧利弗斯通（Oliver Stone）指導的反映911事件的電影《世貿中心》的原聲音樂中。《93號航班》的配樂中約翰鮑威爾首次使用了十分嚴肅的音樂伴奏旋律作為了整個配樂樂章的音樂主基調，也許就是因為這部電影是一部悲傷的電影，與以往約翰鮑威爾完成的配樂作品的主題有著很大的差別，《偷天換日》、《史瑞克》這樣的電影配樂更多的是一種愉快的氛圍，而《93號航班》的電影中更多的是一種悲傷，痛苦，壓抑這樣的電影氛圍。但是正是因為約翰鮑威爾創造性的配樂天賦，大膽的根據電影的主題來改變自己的配樂模式，使得《93號航班》的原聲音樂又一次展現了約翰鮑威爾在電影配樂上的才華，同時也完美生動的勾畫出了整個電影中的每一個主題。
與以往的電影音樂不同，《93號航班》的原聲音樂中並沒有出現非常明顯的音樂主題旋律，這也就成為了約翰鮑威爾2006年電影配樂風格變化的代表。配樂作品中的音樂既有電影《我是山姆》中的那種激動人心的音調，也有電影《諜影重重》中震撼的打擊節奏感的電子合成聲效。配樂專集中的《rayers》和《edication》兩段音樂旋律都是在平靜的音樂旋律中開始與結束的，音樂旋律中包含了約翰鮑威爾的兒子Oliver的聲音，以及明快的和弦音。鮑威爾以兒子奧利佛天真動人的合聲告慰受創的心靈。結合了電子敲擊音樂以及定音鼓的敲擊聲的音樂旋律保持了音樂氣氛的動態感覺，音樂樂章也在其中不斷向前延伸。另外的一種聲音——沉默的唱詩班聲非常短暫的出現了一下，當音樂行進到《Pull the Tapes》的時候，結束的音樂旋律中第一次出現了法國號角的演奏，此時的音樂旋律被作為了彩色的音樂基調，並且非常巧妙的提升了整個音樂樂章的基調，《2nd Plane Crash》中漫漫增強的音樂旋律經常被大家忽略，原因也許是整個樂章沒有突出的主題音樂，所以聽上去所有的音樂旋律都是一樣的。隨著整個音樂樂章的不斷延伸，音樂旋律也在不斷的變化，《he Pentagon》中約翰鮑威爾開始逐漸一點點的增強音樂，並將音樂旋律轉換到比較刺耳的敲擊的鼓聲和輕微提升的音樂旋律中，音樂的旋律在不斷蔓延開來，逐漸滲入到長達十分鍾的《Phone Calls》這段音樂中，在行進當中的旋律里再次重復出現了約翰鮑威爾的兒子Oliver那動人的天真童聲旋律，低沉的弦樂將整個音樂樂章引入到一段新的音樂主題當中，音色上極為低迷、凝重的弦樂，讓觀影者籠罩在一個難以逃脫的情緒氣壓之中，在滿布情緒氣壓的樂章里展現電影中的不同場景。音樂主題的旋律變的緊張起來，並且速度也明顯加快，並且號角聲出現在了銅管樂器的演奏中，整個音樂的旋律處在一種急迫緊張的音樂氛圍中。所有這一切的音樂旋律以及音樂氛圍的營造都是為了《The End》的音樂旋律的建立做鋪墊，此時出現的音樂旋律中的敲擊聲代替了獨自演奏的定音鼓的鼓聲，並且穩定的低音銅管樂器的演奏也漸漸出現在整個樂章的主基調上。當你聆聽這張配樂專集的時候，像逐漸增強的號角聲這樣小的音樂元素很難得到聽者的注意，但是當他們突然出現在音樂主基調的旋律中的時候就會立刻被注意到。僅僅是通過細微演奏旋律的基調的變化就將剩餘的音樂集結到一起了，約翰鮑威爾在這點上做的十分巧妙。《93號航班》的配樂並不像《X戰警3：最後戰役》的配樂那樣聽上去令人愉快，因為畢竟這是一段傷心的回憶，但是約翰鮑威爾利用自己在電影配樂上的天賦，以另外一種配樂方式完成了《93號航班》的配樂工作，使得這張配樂作品成為了電影以外另外一種紀念911事件的載體。當《The End》這段音樂旋律建立起來之後，定音鼓帶動整個音樂的旋律加快，弦樂在號角聲中漸漸增強，最後凌駕於整個音樂旋律之上，所有的音樂旋律完全掌握在它的控制中。當約翰鮑威爾使用一些電子打擊音樂和電子合成低音來增強音樂旋律的時候，整個龐大的管弦樂隊一起利用打擊樂器以及管弦樂將電影的悲傷情感全部通過音樂旋律展現了出來。此時的音樂旋律中沒有在出現嘹亮的號角聲，取而代之的是一段安魂曲，彷彿是在告慰那些911事件中不幸罹難的人們，期待他們的靈魂能夠得到撫慰。《93號航班》配樂專集的結束如同開始一樣漫漫的在平靜中結束，管弦樂彷彿是《Prayers》中的再現與重復，也具有相似渲染氣氛的作用。對於約翰鮑威爾來說這張配樂作品是一次對於自我的挑戰，出現了一種新的配樂風格，這種配樂風格突破了約翰鮑威爾自己固定的配樂模式，完全證明了自己不會不斷的重復以前的配樂風格。也許對於聽慣了約翰鮑威爾以前風格配樂作品的人們需要花些時間來漫漫適應新的音樂風格，但是完全值得花時間來來這樣做的。
當完整的聽過《93號航班》這部配樂作品之後，你會發覺音樂中沒有Hans Zimmer式氣勢恢弘的動作音樂旋律，而是更多的充滿了悲傷低沉的音樂效果，雖然沒有明顯的音樂主題出現，但是並沒有感覺整個樂章平淡零亂，這正是這部配樂作品不同尋常的地方所在。作為新生代的配樂人約翰鮑威爾大膽的嘗試了新的配樂風格，恰如其分的把握住了電影的脈絡與主題，將電影所要營造出的電影氛圍完美的在電影原聲音樂中詮釋了出來。在只有40分鍾的音樂樂章中完全勾畫出了電影的不同線索，將那段悲傷的歷史事件通過音樂旋律的表達方式展現在了大家的面前。《93號航班》這張新發行的配樂作品可以說是2006年電影配樂作品中的極品，同時也再次展現了約翰鮑威爾作為新一代配樂人的才華。
4. 比較美國音樂與英國音樂的不同
美國是一個混合民族的國家，所以無論是文化還是其他的方面，都有很明顯的混合性。作為其文化的重要方面，音樂的多元性可謂十足潮流。美國本土誕生了很多音樂類型，像爵士，說唱等。總之，就是前衛流行混合，既玩傳統，也搞朋克，美國是現代世界文化的交匯中心，包容各種元素，就像是雞尾酒。
英國相對就比較保守，但是卻有著一種貴族紳士的氣息，歐洲人始終引以為傲的騎士精神和皇室典雅的氣質很重，我們聽英國的音樂始終有一個感覺，就是，英格蘭的音樂都做的很精緻，一絲不苟，彷彿高品質的巧克力。
5. 音樂侵權案例分析：音樂版權問題致無法播放 為何音樂糾紛泛濫
音樂已經在我們生活中成了重要的一部分，在我們生活中，在科技創造上面可以申請專利，寫作也有原創，自然網路音樂也能有版權，在這個對於音樂比較流行，歌曲比較泛濫的時代，很多時候一首歌，好幾個人翻唱，這樣就容易產生版權糾紛問題，那麼網路音樂版權糾紛泛濫的原因是什麼？音樂侵權案例分析：音樂版權問題致無法播放 為何音樂糾紛泛濫音樂侵權案例分析原因之一，網路音樂平台合理的授權模式沒有形成。前幾年，各網路音樂平台經歷了從沒有唱片公司的授權到十家左右獲得非獨家的授權的過程，2014年，一些大的音樂平台以獲得唱片公司的獨家授權的方式，紛紛跑馬圈地搶占音樂資源，導致訴訟不斷、紛爭不止，也使音樂版權價格飆升，至今沒有一家音樂平台盈利。 在國際上，網路音樂平台獲得授權模式已經有比較成熟的經驗，如蘋果公司等，但在中國音樂平台合理的授權模式還需要進一步探索。音樂侵權案例分析原因之一，網路音樂平台仍缺乏好的商業模式。可能有人說商業模式與版權保護關系不大，但事實上如果音樂平台的商業模式不能盈利，這些平台不可能持續向版權方購買版權，也談不上保護音樂版權。關於商業模式，有些人認為就是向用戶收費的模式，其實好的商業模式不完全等同於收費模式，各音樂平台應該充分利用自己的技術優勢，並結合優質資源開發獨特的、個性化的產品，用好的產品吸引用戶，形成合理的商業模式，向用戶收費只是多種商業模式之一。音樂侵權案例分析原因之一，廣大網民版權保護意識需要進一步提高。從我做起，自覺做到不買盜版、不用盜版，為正版音樂付費。如果網路音樂平台解決好上述兩個問題，再加上網民版權保護意識逐步提高，相信我國音樂版權保護的狀況會發生根本性好轉。還有音樂著作權是指音樂作品的創作者對其創作的作品依法享有的權利。主要包括：音樂作品的表演權、復制權、廣播權、網路傳輸權等財產權利和署名權、保護作品完整權等精神權利。
6. 美國流行音樂的源頭是什麼，如何評價美國流行音樂
他們是來自於農業創造。他們那些流行音樂也是蠻好聽的，給人一種特別輕松的感覺。
7. 美國音樂風格
什麼是 R&B？
R&B的全名是 Rhythm & Blues，一般譯作「節奏怨曲」或「節奏布魯斯」。 廣義上， R&B可視為「黑人的流行音樂」，它源於黑人的 Blues音樂，是現今西行流行樂和搖滾樂的基礎， Billboard雜志曾介定 R&B為，所有黑人音樂除了 Jazz和 Blues之外，都可列作 R&B，可見 R&B的范圍是多麼的廣泛。 近年黑人音樂圈大為盛行的 Hip Hop和 Rap都源於 R&B，並且同時保存著不少 R&B成分。
什麼是Reggea?
雷鬼樂(又被譯作雷吉樂)是一種特殊的牙買加風格的音樂，它從ska(一種uptempo風格的音樂)直接發展而來，然而，在它的風格中卻有著明顯的新奧爾良節奏與布魯斯音樂的影子。其實，在一種類型音樂的發展過程中，往往會不斷吸收其它不同風格音樂的精髓，不斷豐富和完善自己，而這豐富和完善的過程卻沒有什麼規律可循。
起先許多牙買加藝人只是通過收聽美國的音樂廣播節目來獲取最新的音樂資訊。而這一習慣就為那時的ska音樂人帶來了新的靈感。他們從自己的晶體管收音機中，聽到了動人的新奧爾良節與布魯斯的樂音，於是就靈機一動，這樣激情的牙買加ska音樂加上極富穿透力的新奧爾良節奏與布魯斯音樂便「聯姻」了。（FOLK）在英國、香港等樂壇也發展出不同的面貌。民歌（FOLK）近年較新的發展是與 NEW AGE結合（如 ENYA），及與 TRIP HOP結合）如 BETH ORTON）。
什麼是 BOSSA NOVA ？
BOSSA NOVA是種帶 JAZZ味道的巴西音樂， 1950年代作曲家 ANTONIO CARLOS JOBIM將巴西音樂節奏與美國西岸 COOL JAZZ混合而成，柔和、舒服、輕松、懶洋洋、浪漫乃特色。每兩個 BAR的第1、4、7、11、14拍為重拍。歌手 JOAO GILBERTO的純厚歌聲是 JOBIM音樂的出色拍檔， 50年代中期傳入美國後大受歡迎，其他著名 BOSSA NOVA樂手有 CHARLIE BYRD,STAN GETZ和 ASTRUD GILBERTO等，最著名的歌曲為「THE GIRLFROM IPANEMA」。 OSSA NOVA於60年代最流行，其餘年代亦不斷有捧場者。
什麼是 CLASSICAL POP ？
CLASSICAL POP是指帶古典響樂味道的流行曲，多用弦樂伴奏的歌曲都可列入此類，例如 THE BEATLES的「ELEANORRIGBY」就是。澳洲樂隊 CROWDED HOUSE的一些作品也可列入此類。如果說 CLASSIC POP，則是指經典的流行曲。
什麼是ACAPPELLA ？
ACAPPELLA是指沒有樂器伴奏的歌曲，但凡純以人聲唱的歌都是 ACAPPELLA，不過今天我們說 ACAPPELLA通常是指有多重和唱的那種唱法，連樂器伴奏都由人聲唱出。 ACAPPELLA的相反是 INSTRUMENTAL，即純音樂樂曲，任何類型的歌曲都可以以 ACAPPELLA形式唱出。香港人最熟悉的 ACAPPELLA歌曲是「SO MUCH IN LOVE」，香港 ACAPPELLA樂隊有姬聲雅士等。
什麼是 WORLD MUSIC？
WORLD MUSIC是西方角度觀點的詞彙，意思指非英、美及西方民歌/流行曲的音樂，通常指發展中地區或落後地區的傳統音樂，例如非洲及南亞洲地區的音樂，有些地區如拉丁美洲的音樂，則能普及到自成一種類型。今天大家說的 WORLD MUSIC通常是指與西方音樂混和了風格的、改良了的傳統地區音樂。非洲的 KING SUNNY ADE，東歐的DON BYRON，中國的朱哲琴，巴基斯坦的 NUSRAT FATEHALI KAHN等是西方樂迷較熟悉的 WORLD MUSIC樂手。
什麼是 DREAM-POP？
DREAM-POP是種「夢」般的流行曲，它有一種迷離的氣氛，多*SYNTHESIZERS（電子合成器）造成，加了ECHO效果的電結他也是重要的成分，歌唱部分往往很 「BREATHY」即呼吸聲重，歌詞也往往有夢般的詩意色彩。 代表樂隊有 COCTEAU WINS、 LISA GERMANO、 ST. ETIENNE、 THIS MORTAL COIL、 MY BLOODY VALENTINE、 MAZZY STAR和 DEAD CAN DANCE等。 中文歌手以王菲為首，代表作有 「迷路」、「DI-DA」等。
什麼是 NEW AGE？
NEW AGE是種寧靜、安逸、閑息的音樂，純音樂作品占的比重較多，有歌唱的占較少。 NEW AGE可以是純 ACOUSTIC（即以傳統自發聲樂器演奏）的，也可以是很電子化的，重點是營造出大自然平靜的氣氛或宇宙浩瀚的感覺，洗滌聽者的心靈，令人心平氣和。 NEW AGE很多時與音樂治療有關，不少NEW AGE音樂說可以治病，也有不少與打坐冥想有關，這與 NEW AGE思潮哲學有莫大關系。 NEW AGE音樂通常被目為頗為中產階級的音樂， WINDHAM HILL是最具代表性的 NEW AGE唱片公司， NEW AGE代表樂手有 ENYA， GEORGE WINSTON， WILLIAM ACKERMAN， YANNI， KITARO等等。
什麼是Electrophonic Music？
何謂Electrophonic Music（電子音樂）？隨著時代的演進，音樂家有了更多製作音樂的方法。所謂電子音樂，就是以電子合成器，音樂軟體，電腦等所產生的電子聲響來製作音樂。電子音樂范圍廣泛，生活周遭常常能聽到，在電影配樂，廣告配樂，甚至某些國語流行歌中都有用到，不過以電子舞曲為最。很多人認為電子樂是一種冷冰冰，沒有感情的音樂。其實電子樂也可融入Rock、 Jazz甚至Blues等多種元素而充滿情感的。 電子音樂的類型也是多種多樣的，包括House 、Techno、Ambient、Trance、Psychedelic Trance、 Breakbeat、 Brit-Hop、 Big-Beat、 Trip-Hop、Drum''n''Bass、 Jungle、Electro、Dub、Chill Out、 Minimalism。
什麼是Techno ？
Technology， 即表示「高科技舞曲」啦！利用電腦，合成器合成，做出一些特殊音效，這種音樂常常是許多音效組合起來的。 Techno的節拍也是4/4拍,但速度較House快，且聽起來具重復性，較強硬，較機械化，所以某些人稱Techno為「工業噪音」，但某些還是會注重旋律的。 Techno起源於美國底特律，有三名DJ： Derrick May，Kevin Saunderson Juan Atkins嘗試將電子樂與黑人音樂結合，而產生了Detroit Techno。 Detroit Techno通常較平緩， 不像一般的Techno那樣強勁，可說是現代Techno的起源。
什麼是Ambient ？
聽起來起伏不大，但其實一直在做改變，像是長時間的音效， 或是漸進式的音樂編排等等，常會營造出有層次的空間感，所以被稱為「情境音樂」， 且常對於生活周遭的聲音做取樣，如人聲、汽車聲，甚至是其他音樂的旋律……等等。為70年代的Brian Eno所創，是一種很「高深」的電子音樂。後來Ambient也有分支，如Ambient House、 Ambient Techno……等等。相信大家從字面上就能了解，其實在很多種音樂中都會有Ambient的影子，甚至某些古典樂中 也有Ambient的味道。
什麼是Trance？
迷幻舞曲，由Techno演變而來，聽了會讓你有「出神」的感覺，但還是保有舞曲的律動，很注重Bass的表現，某些聽了會有「催眠」的效果。拍子也是以4/4拍為主。不過我也有聽過用Breakbeat的（下面會介紹）， 如Sven Vath的專輯Fusion。
什麼是Psychedelic Trance？
又名Goa Trance，發源於印度的一個小島上。Goa即為這小島的名字。旋律常帶有印度風味。這類Trance的特徵，就是很重視旋律，音符之間的細微變化，且常有重疊的旋律，和高亢的TB-303聲音出現。有點Ambient的味道。
什麼是Break beat？
不像House的拍子Boom-Boom-Boom-Boom那麼規律，而是以破碎的節拍呈現，像是切分拍。如在兩拍中加入小碎鼓，等等，Breakbeat只是一個總稱而已，有很多種音樂都屬Breakbeat，如以下的Brit-Hop、Big-Beat、和黑人的Hip-Hop便是一種。
什麼是Brit-Hop？
把黑人Hip-Hop的節奏加快鼓聲加重，配合些許電吉他、Bass，有搖滾樂的味道， 如The Chemical Brothers的曲風即是。
什麼是Big-Beat？
「大節拍」，把Brit-Hop變得更快，節奏更重，更有搖滾的味道，可說是將Brit-Hop改良後， 更成熟的一種曲風，你可以想像一下又重又碎，又有點快的節拍是什麼樣子。如The Prodigy、The Chemical Brothers、 Fat Boy Slim即是Big Beat的「大角」。
什麼是Drum N'' Bass？
對某些人來說，Drum N'' Bass的音樂可能很煩，因為Drum N'' Bass很注重在節奏上玩花樣，還有Bass的表現， 像是很快很快，復雜的碎拍，以及運用各種不同的電子鼓，或是取樣而來的鼓聲。因此Drum N'' Bass也是Breakbeat的一種。4Hero為Drum N'' Bass的知名樂團。
什麼是Jungle？
Jungle就是Drum N'' Bass的前身。Jungle的速度比Drum N'' Bass快很多，而且節拍更為復雜，比較強悍，有時會搭配一些Rap，不像Drum N'' Bass會融合一些Jazz、Soul等元素，聽起來比較柔（當然這是和Jungle比起來）。連「搖滾變色龍」 David Bowie現在都搞起Jungle了。
什麼是Electro？
早在70年代末，80年代初，那時還沒有House、Techno……這類玩意兒，電子音樂也較不盛行，只有Electro這類電子音樂而已。 Electro可說是純粹以電子合成器（Synthesizer，長得有點像Keyboard）來發聲的音樂，通常蠻輕柔的，且常使用Roland公司的鼓機（Drum Machine）TR-808來發鼓聲。德國的Kraftwerk樂團可算是代表。 現在的Electro音色比以前明亮，透明許多。後來一些DJ利用Electro變形成了一種Hip-Hop樂，被稱作Old School。現在的Fatboy Slim（流線胖小子）也融合了一些Electro和Old School在音樂中。
什麼是Dub？
Dub可說是將歌聲抽離只剩下音樂的Reggae（瑞格，也有稱之為雷鬼，一種很有節拍性，唱腔特別的南美黑人音樂）。而將Dub運用在電子樂上，則是將部份歌聲抽離，將Bass和鼓聲加重，並且加入大量的Echo（迴音）等效果。這種技術常在現場表演時，將歌曲重新混音（Remix）呈現。像Massive Attack 的專輯Protection便由Mad Professor從Trip-Hop音樂混音成了Dub版本。
什麼是Chill Out？
這只是一種統稱而已。在舞池旁邊，常會有一個區域，或是小房間，里頭會放一些較緩和，較平靜的音樂，讓舞客跳完舞後緩和情緒，休息一下，以放Ambient音樂為主，所以會叫「Chill Out」（冷卻）就是這個緣故。The Orb可說是Chill Out音樂大師。
什麼是Minimalism？
這被翻譯成「極小派樂風」，在Ambient和Techno的音樂中常聽的到。帶有Minimalism的曲子有著重復性的旋律，還有一種特別的律動，感覺上像一種特別的頻率一樣讓你聽了會有被催眠的感覺。Jeff Mills的作品就屬於Minimal Detroit-Techno，帶有相當的迷幻色彩
Black metal 黑色金屬
以邪惡、異教崇拜以及撒旦思想為其主要訴求，通常在歌詞含有反基督、反宗教的傾向即被歸為黑金屬，除了傳統重金屬固定樂器之外，經常會使用其他樂器如鋼琴、小提琴，或歌劇的女高音，在歌曲中營造出一股詭異又嚇人的恐怖氣氛。「黑金屬」以來自北歐的重金屬團體最具代表性。
代表性樂隊：Emperor、 Mayhem、 Enslaved、 Dark Funeral
Death 死亡金屬
樂風以「鞭擊金屬」或「碾核」為其背景演化而成。電吉他快速的反復，幾無旋律的和弦，速擊狂踩的雙大鼓，主唱咬牙不清的低吟狂吼，歌詞以死亡仇恨為主題，充滿了屍體、內臟、肢解、分屍、*屍、戀屍癖、食屍、虐待等變態字眼。「死亡金屬」以來自佛羅里達州的重金屬樂隊最具代表性。
代表性樂隊：Death、 Carcass、 Cannibal Corpse、 Suffocation
Doom 毀滅金屬
節奏和速度都很慢，非常得慢。較不激烈也不大具有攻擊性，但仍是相當擁有重量感的音樂。通常具有非常干凈的音樂和歌聲，但有時也有粗暴野蠻的聲音出現。
代表性樂隊：Solitude Aeturnus、 Cathedral、 Candlemass
Glam metal 華麗金屬
通常指一個重金屬樂隊的舞台表演方式或外在形象以誇張的濃妝艷抹或俊俏的外型來吸引樂迷，這類的樂隊大多是偶像團體。「華麗金屬」的樂風不會太重，歌詞也無太深入之含義，屬於較流行的重金屬音樂，是主流金屬的分支。
代表性樂團：Kiss、 Poison、 Warrant、 Twisted Sister、 Motley Crue
Grindcore 碾核
類似「朋克」但極具重量的音樂，主唱低鳴深沉的狂吼咆哮、電吉他超麻辣的音色再加上極快速的反復節拍及密集鼓點，構成一種幾無旋律的重金屬樂風，樂曲的長度都很短，從兩秒鍾到三分鍾不等。「碾核」為一種極為冷僻的重金屬樂風，大多數「死亡金屬」樂隊都採用此一樂風。
代表性樂隊：Napalm Death
Grunge 垃圾（頹廢？）
另類搖滾的同義詞。起源於西雅圖的類金屬（metal-like）另類搖滾，基本上Grunge屬於另類搖滾而不應歸類到重金屬之下。
代表性樂隊：Nirvana、 Pearl Jam、 Mudhoney、 Alice In Chains
Hardcore 硬核
源自於「朋克」，歌詞直言不諱粗鄙不堪，音樂如同噪音一般。
Hard Rock 重搖滾
比重金屬樂「輕」一點的音樂。
代表性樂隊：Foreigner、 Blue Oyster Cult、 Heart、 Cinderella
Heavy metal 重金屬
「重金屬」必須具備狂吼咆哮或高亢激昂的嗓音、電吉他大量失真的音色、再以密集快速的鼓點和低沉有力的貝司填滿整個聽覺的背景空間，而構成一種含有高爆發力，快速度，重量感及破壞性等元素的改良式搖滾樂。通常泛指傳統的主流派重金屬或無法分類到其他重金屬流派里的重金屬樂。
代表性樂隊：AC/DC、 Accept、 Judas Priest、 Iron Maiden、 W.A.S.P.
Instrial metal 工業金屬
採用大量冰冷的電腦采樣音效，穿插以機械或金屬器具的撞擊聲代替傳統打擊樂器，加上電子式的節拍，是很象科技舞曲的重金屬樂，但仍保留重金屬的大量失真效果。
代表性樂隊：Fear Factory、 Ministry、 Nine Inch Nails
Neo-Classical 新古典金屬
受古典音樂極深，在重金屬樂中加入大量古典音樂元素。
代表性樂隊： Angra
Pop metal 流行金屬
在重金屬搖滾中加入流行音樂之元素，可說是重金屬搖滾和流行音樂妥協結合的折中產品，是極易為主流市場之音樂消費者所接受的重金屬搖滾樂。
代表性樂隊：Def Leppard, Mr Big, White Lion
Power metal 強力金屬
擁有類似「速度金屬」的速度和「鞭擊金屬」的重量壓迫感，但旋律性不及「速度金屬」，爆發力也不及「鞭擊金屬」。
代表
8. 請問美國流行音樂的社會地位和影響是什麼
美國流行音樂影響了全世界，我會去關注美國
完全是為了喜歡聽黑人的音樂，音樂影響了我的生活。
美國的流行音樂全是靠黑人同胞發展起來的，就像是流行天王
邁克爾傑克遜
，他的音樂甚至影響了上億人的生活，思想，工作，生命。
9. 美國 音像製品版權保護 多少年
因為版權法多年來一直在變，版權保護期限在很大程度上取決於作品首次被版權保護的時間。這篇文章提供了適用於1976年美國版權法生效之前和之後的版權作品的法律條文的簡要介紹。
1976年後作品的版權保護期限
正如我們以前討論過的，一個在1978年1月1日或之後首次創建並有固定形式的作品，會自動受到美國版權法的保護。保護將持續作者的一生，在加上他或她死後額外的70年。如果作品有多個作者，版權保護一直有效到最後死亡的作者死亡後的70年。對於僱傭作品，匿名和假名作品（除非作者的身份在版權局有記錄），作品的保護期限是作品發表後的95年，或作品創作完成後的120年（兩者取其早）.
1976年版權法生效前創作的，但是沒有於1978年1月1日以前發布或完成版權登記的作品，會自動獲得聯邦版權法的保護。版權保護期限按照上述相同的規則。然而，在這個類別的所有作品都保證至少有25年的法定保護。
1976年前作品的版權保護期限
1976年之前，版權保護要求，版權作品發表時必須有版權通知或版權局的登記。版權的第一個保護期限一開始是從被保護日算起的28年，版權到期了，可以續期。 1976年的版權法（Copyright Act ）將於1978年1月1日仍有效的版權的延長續期期限從28年擴展到67年。
於1964年1月1日之前出版或注冊的作品，版權還必須已在第28個歷年獲得延期以享受67年的附加保護間。 1992年6月26日頒布的版權修正案將於1964年1月1日與1977年12月31日之間首次獲得版權保護的作品的第二個保護期自動延長。
正如本文所強調的，確定版權是否仍然是有效的，往往需要仔細研究和法律分析。因此，當務之急是向一位經驗豐富的版權律師咨詢。
信息來源：美國版權局