人文主义创造亚当

Ⅰ 意大利文艺复兴最早的两位代表人物是

个人以为是但丁跟薄伽丘..这是比较为人熟知的 彼得拉克声明不显 在我国感觉地位不如但丁和薄伽丘..以下是网络摘过来的
但丁· 阿利吉耶利（意大利文：Dante Alighieri，1265年－1321年9月14日），现代意大利语的奠基者，欧洲文艺复兴时
但丁
代的开拓人物之一，以长诗《神曲》留名後世。恩格斯评价说：“封建的中世纪的终结和现代资本主义纪元的开端，是以一位大人物为标志的，这位人物就是意大利人但丁，他是中世纪的最后一位诗人，同时又是新时代的最初一位诗人”
乔万尼 · 薄伽丘（Giovanni Boccaccio，1313年－1375年），意大利文艺复兴时期的作家、诗人，以故事集《十日谈
乔万尼·薄伽丘
》留名后世。一译卜伽丘，意大利文艺复兴运动的杰出代表，人文主义者。代表作《十日谈》批判宗教守旧思想，主张“幸福在人间”，被视为文艺复兴的宣言

Ⅱ 米开朗基罗的故事

米开朗基罗的《大卫》雕像背后的故事

米开朗基罗是意大利文艺复兴盛期一位多才多艺的巨人。他不仅是伟大的雕刻家、画家，而且也是一位杰出的建筑家和诗人。在他漫长的一生经历了意大利从繁荣到衰落的转变，他始终是一名坚定的人文主义者，他的作品带有强烈的英雄主义色彩。

如果说达芬奇创造了内心深邃、高度智慧和风格文静的典型，那么米开朗基罗就以塑造了充满力量、坚毅果断和具有信心的英雄形象而不朽。

他的笔下、刀下的英雄虽然取材于宗教、神话故事，其实是讴歌当时人们心目中的力挽狂澜拯救祖国的英雄，寄托了艺术家和人民的希望和理想，具有鲜明的时代意义。

米开朗基罗于1475年3月6日出生在离佛罗伦萨不远的努加普莱斯，父亲是当地的地方长官，自幼丧母，他是在乳母（一位大理石匠之妻）的家中长大的。

从小就和大理石做伴，米开朗基罗十三岁时违抗父命，不再学习拉丁文，改从佛罗伦萨著名画家基兰达约的作坊学艺，显出惊人的绘画天赋。

一年多后他进入当时佛罗伦萨当权者美狄奇的庭苑学习在这里他接受雕刻家贝尔托尔多·弟·乔凡尼的指导。贝尔托尔多是多那太罗的学生，这对少年米开朗基罗产生重要的影响。

主人公大卫出身贫寒，少年时放羊为生，英俊勇敢，曾与袭击羊群的狮子、豺狼搏斗。

公元前一千年，以色列人与非利士人在巴勒斯坦山谷交战。非利士人首领歌利亚仗势欺人，每天对以色列人呼喊、叫骂，向以色列人叫板挑战。以色列人心惊胆战，不敢应战。一日，大卫去给在以军作战的哥哥送奶饼，听到歌利亚的叫喊，决定挺身迎战敌军。

以色列军首领扫罗见大卫是个身单力薄的放羊娃，不敢应允。大卫说，放羊时他曾杀死狮子，还怕歌利亚？扫罗最终同意了，给大卫穿上盔甲，送他出征。

大卫觉得盔甲臃肿碍事，脱去盔甲，穿上放羊时穿的衣服，去迎战歌利亚。歌利亚见一个放羊娃向他冲来，嘲笑道：“是否以军都死绝了，派一个娃娃跟我对阵？……”说时迟，那时快，大卫用放羊用的甩石带将一块石头扔向歌利亚，正击中歌利亚脑门，歌应声倒地。

大卫用歌利亚腰间的大刀割下他的头颅，提在手中，返回以军阵营。…… 此后大卫带领以军多次征战，最后继承以色列王位。

1501年春，米开朗基罗回到佛罗伦萨，秋天开始创作著名的雕塑《大卫》，至1504年完成。

《大卫》获得巨大的成功，标志着米开朗基罗艺术上的成熟。《大卫》是一座立像，高5.5公尺，是在一块被人损坏过，而没有雕刻家再敢于动手的，闲置了近半个世纪的巨大大理石上雕刻而成的。米开朗基罗刀下的大卫是一个充满着旺盛生命力，有着必胜信念的健与美的英雄形象。

在米开朗基罗以前，不少雕塑家曾塑造过大卫的形象，往往是表现战斗胜利后的大卫形象。如多那太罗的青铜雕像《大卫》，显出喜悦和悠然自得的神情。

而米开朗基罗却是精心刻画了大卫临战前的一刹那头部微微转向左方，双目紧紧地凝视着敌人，左手握着肩上的投石器，右手自然的下垂，略握拳头，外表的平静，使塑像更具内在的紧张和运动感，更加显示出大卫的沉着、勇敢和必胜的信念。

米开朗基罗的《大卫》获得了盛大的成功，雕像的勃勃雄姿成了当时佛罗伦萨市民心目中抵御外敌、保卫祖国的英雄形象的化身。它被西方美术史称为最值得夸耀的男性人体雕像之一。

(2)人文主义创造亚当扩展阅读

艺术成就——无与伦比的雕塑

米开朗基罗以人体作为表达感情的主要手段，其雕刻作品刚劲有力、气魄宏大，充分体现了文艺复兴时期生机勃勃的人文主义精神。

1498 年，年仅 23 岁的米开朗基罗开始为罗马圣彼得大教堂创作大理石群雕像《哀悼基督》，两年后即告完成。作品取材于圣经故事：耶稣基督被钉死在十字架上后，圣母玛丽亚抱着死去的儿子无比悲痛。

米开朗基罗却将圣母刻画成一个年轻、貌美、恬静、典雅的少妇，她默默地俯视着死去的儿子，沉思、哀悼，耶稣静静地躺在圣母膝上，面部表情安祥。整座雕像沉浸在肃穆气氛中，并洋溢着人类最伟大的母爱情感。

它已大大超出了题材的限制，将生与死、痛苦与慈爱化为一体，和谐统一，赞美了人的崇高理想和优秀品质。作品一问世，立即引起轰动，人们不相信它出自一个年轻人之手，为此，米开朗基罗将自己的名字刻在了雕像中圣母胸前的衣带上，这是他一生中唯一署名的作品。

Ⅲ 人文主义艺术家米开朗其罗,拉悲尔,贝尔尼尼有哪些贡献

米开朗基罗：
无与伦比的雕塑
米开朗基罗以人体作为表达感情的主要手段，其雕刻作品刚劲有力、气魄宏大，充分体现了文艺复兴时期生气勃勃的人文主义精神。
1498年，年仅23岁的米开朗基罗开始为罗马圣彼得大教堂创作大理石群雕像《哀悼基督》，两年后即告完成。作品取材于圣经故事：耶稣基督被钉死在十字架上后，圣母玛丽亚抱着死去的儿子无比悲痛。米开朗基罗却将圣母刻画成一个年轻、貌美、恬静、典雅的少妇，她默默地俯视着死去的儿子，沉思、哀悼，耶稣静静地躺在圣母膝上，面部表情安祥。整座雕像沉浸在肃穆气氛中，并洋溢着人类最伟大的母爱情感。它已大大超出了题材的限制，将生与死、痛苦与慈爱，化为一体，和谐统一，赞美了人的崇高理想和优秀品质。作品一问世，立即引起轰动，人们不相信它出自一个年轻人之手，为此，米开朗基罗将自己的名字刻在了雕像中圣母胸前的衣带上，这是他一生中唯一署名的作品。
1501年,26岁的米开朗基罗开始创作他另一举世闻名的杰作―――《大卫》。历时三年，他用一整块大理石雕塑出的《大卫》总高达5.5米。米开朗基罗没有沿用前人表现大卫战胜敌人后将敌人头颅踩在脚下的场景，而是选择了大卫迎接战斗时的状态。艺术家生动地塑造了一个为事业斗争的英雄形象：年轻、英俊、健壮、神态坚定自若，左手上举，握住搭在肩上的“抛石带”，右手下垂，似将握拳，头部微俯，直视前方，准备投入战斗。
米开朗基罗塑造出来的不仅仅是一尊雕像，而是文艺复兴人文主义思想在艺术上得到充分体现的象征。它赞美人体，讴歌正义和力量。这尊雕像被认为是美术史上最值得夸耀的男性人体雕像之一，亦成为后世艺术家学习雕塑的楷模。
为了保护艺术品，《大卫》原作被放在佛罗伦萨美术学院内。前不久还对其进行了一次全面清洗。这里年复一年，日复一日，参观者络绎不绝。同时，在佛罗伦萨市市政厅门前和米开朗基罗广场上分别矗立有复制品，供来自世界各地的人们欣赏。
此外，在米开朗基罗的大量雕刻作品中，《摩西》和《昼》、《夜》、《晨》、《暮》以及《垂死的奴隶》、《被缚的奴隶》，也被认为是旷世之作。
撼人心魄的绘画
米开朗基罗如此年轻就享有盛名，常遭人妒忌，还曾被人打坏了鼻子，使他终身对自己的容貌自卑。不过，他的名字也传到了教皇耳中。1508年，教皇朱利奥二世要求米开朗基罗为梵蒂冈西斯廷教堂绘制穹顶画。米开朗基罗本来不愿从命，但他一旦接受就追求完美，决不“亵渎”艺术。历经四年零五个月的时间，完成了传世巨作穹顶画《创世纪》。
《创世纪》取材于《旧约全书・创始纪》，整幅作品511平方米，中心画面由《创造亚当》、《创造夏娃》、《逐出伊甸园》等9个场面组成，大画面的四周画有先知和其他有关的故事，共绘了343个人物，其中有100多个比真人大两倍的巨人形象，他们极富立体感和重量感。整幅画通过人与人及人与自然间的关系，歌颂人的创造力及人体美和精神美。
米开朗基罗一个人躺在18米高的天花板下的架子上，以超人的毅力夜以继日地工作，当整个作品完成时，37岁的米开朗基罗已累得像个老者。由于长期仰视，头和眼睛长期不能低下，连读信都要举到头顶。他用健康和生命的代价完成的《创世纪》，为后人留下的不仅是不朽的艺术品，还有他那种为艺术而献身的精神。
24年后，米开朗基罗又应教皇克莱门七世之约，在西斯廷教堂祭坛正面墙上绘制了另一撼人心魄的巨幅壁画《末日审判》。米开朗基罗独自一人顽强地工作了将近6年，在220平方米的画面上绘出约四百个人物。在画中央，基督正气凛然，高举右手，即将发出最后的判决。米开朗基罗还把一位教皇画到将被判罪去接受地狱煎熬的一群人中。基督左脚下一个圣徒右手持刀，左手提着一张人皮，而这张人皮的面孔正是画家本人的脸，其表情痛苦、愤怒，表现了米开兰基罗正经历着精神与信仰危机的折磨和对现实社会的不满，并借《末日审判》痛快淋漓地发泄了对人间丑恶的鞭挞。
《末日审判》引起的轰动可想而知。然而，巨作中的裸体人物却引起争议，一些人认为猥亵了神灵。在米开朗基罗去世不久，教皇庇护四世就下令给所有裸体人物画上遮羞布或衣饰。后来，人们将受命的画家们谑称为“内裤制造商”。
气势恢弘的建筑设计
晚年的米开朗基罗以极大的热情投入到建筑艺术上，并有精深造诣，因而他也成了意大利文艺复兴时期最著名的建筑设计师之一。
米开朗基罗为罗马圣彼得大教堂的建设作出了巨大贡献，他参与设计并主持过此项工程。他为该教堂设计的直径达42.34米的巨大圆形穹顶不仅气势恢弘，而且从局部到整体都是绝世精美的艺术。由于圣彼得大教堂的工程浩大，直到1626年才竣工。令人惋惜的是，米开朗基罗生前未能看到自己的这一作品。几个世纪来，难以数计的参观者登上这个大圆顶时，无不发出惊叹：米开朗基罗太伟大了！
在与古罗马遗址相连的罗马坎比多利奥山丘上，米开朗基罗设计了罗马市政厅建筑群，其和谐完美堪称文艺复兴时期宫殿建筑的代表。
1564年2月18日，89岁高龄的米开朗基罗在罗马去世，身边留下了其未完成的作品《哀伤》。他是人类天才、智慧和勇气的结晶，他的光荣与成就属于全人类。
拉斐尔：
《圣玛利亚的婚礼》
《圣玛利亚的婚礼》是拉斐尔的成名之作，创作这幅大型祭祀画时他还不满21岁。这幅画的构图样式、环境和人物配置皆模仿老师的佩鲁基诺画的《基督将天门的钥匙交给彼得》，人物造型除带有老师娴静优雅的风格特征外，开始显露自己独特的柔美风格。画面取对称式布局，背景是顶天立地的多边形洗礼堂充满天堂。大量使用水平线、垂直线和半圆形曲线，造成刚中有柔、简洁明快、整体变化和谐的美感。画家巧妙地运用透视使空间深远。
画面前景仍以对称式布满人物，视觉中心是代表神的意志的主教主持仪式，约瑟将订婚戒指戴在玛利亚的手上，左右两边分别两组男女青年。玛利亚后面的一组女子是她的女友，而约瑟背后的男青年则是求婚者，他们手执求婚标志的棍棒，谁的棒头开花，谁就是命中注定的玛利亚的未婚夫，正是约瑟的棒头开出一朵小花，这一神的意愿使其他求婚者陷入痛苦和不安，有的甚至激愤，前景中的青年就绝望地折断了手中的求婚棒。这是一幕充满戏剧性的场面。画中无论男女，形象都塑造得俊美，作者大量使用变化多样的曲线，人物的体态面貌、衣服的褶纹变化，都给人造成秀逸柔美之感。画家自己对这幅画很满意，第一次在上面签了自己的名字。
《圣乔治与龙》
1504年，英王亨利七世授予拉斐尔故乡的乌尔比诺公爵以“嘉德勋章”，公爵为了答谢英王，委托21岁的拉斐尔绘制一幅歌颂英国守护神圣乔治的小型图画，并要求他在画中把圣乔治画成杀死毒龙的嘉德骑士。这个题材拉斐尔画过几幅，这一幅最为杰出，显示出拉斐尔自己的艺术个性。画家以对角线安排形象，腾跃的白马呈向上趋势，圣乔治举刀作欲砍之势，动作十分英武优美。画家更多关注绘画的造型形式，而对人物的内在精神、生死搏斗的勇武气质刻画缺乏力度，达不到达芬奇所作《安加利之战》中人物和马的精神表现。
《雅典学派》
在雄伟庄丽的大厅里，汇聚着人类智慧的明星，他们是不同时代、不同民族、不同地域、不同学派的杰出学者、思想家，古今同堂，自由热烈地进行学术讨论，可谓洋溢着百家争鸣的气氛，凝聚着人类天才智慧的精华。画面构图宏大，视觉中心人 物是古希腊哲学家柏拉图和亚里士多德。围绕这两位大哲学家画了 50多个学者名人，各具身份和个性特征。他们代表着古代文明中七种自由学术：即语法、修辞、逻辑、数学、几何、音乐、天文等。画家借以表彰人类对智慧和真理的追求，以及对过去文明的赞颂，对未来发展的向往。我们欣赏这幅巨作，如同进入人类文明博大精深的思想世界，这个思想领域是由柏拉图和亚里士多德的争论展开的。他们两人从遥远的历史走来，边走边进行激烈的争论。
从一上一下对立的手势，明显地表达了他们在思想上的原则分歧。两边的人物成众星捧月分列两旁，表情动势向着两位争论学者，有的注目倾听，有的用手势欲表达自己的看法，强化了画面的中心。画幅左面一组的中心人物，是身着长袍，面向右转，打着手势在阐述自己的哲学观点的苏格拉底；下面身披白色斗篷，侧转头冷眼看着这个世界的青年人，是画家故乡乌尔比诺大公弗朗西斯柯；大公身后坐在台阶上专心写作的秃顶老者，是大数学家毕达哥拉斯，身边的少年在木板上写着“和谐”和数学比例图；身后上了年纪的老人，聚精会神地注视毕达哥拉斯的论证，准备随时记录下来；那个身子前倾伸首观看，扎着白头巾的人，据说是回教学者阿维洛依；画面左下角趴在柱墩上、戴着桂冠正在专心书写的人，有人定为语法大师伊壁鸠鲁；画中前景侧坐台阶、左手托面、边沉思边写作的人，是唯物主义哲学家德谟克利特；他身后站着一位转首向着毕达哥拉斯的人，他一手指着书本，好像在证明什么，他就是修辞学家圣诺克利特斯。画面中心显眼处的台阶上横躺着一位半裸老人，他是犬儒学派的哲学家狄奥根尼，这个学派主张除了自然需要之外，其他一切都是无足轻重的，所以这位学者平时只穿一点破衣遮体，住在一只破木箱里。画的右半部分又分几组。前景主体一组的中心人物是一位老者，他是几何学家欧几里德，他正弯腰用圆规在一块石板上作几何图，引来几位年轻学者的兴趣；欧几里德后面那个背向观众手持天文仪的人，是天文学家托勒密：对面的长胡子老人是梵蒂冈教廷艺术总监、拉斐尔的同乡勃拉曼特；那个身穿白袍头戴小帽的是画家索多玛，在索多玛后面的只微露半个头颈，侧面看着我们的就是画家拉斐尔本人。在文艺复兴时期的画家最善于在画中描绘自己崇敬或诅咒的人，也爱将自己画到画中，借以表明自己对画中事件的态度，或代表签名。这幅壁画画家巧妙地利用拱形作为画面的自然画框，背景是以勃拉曼特设计的圣彼得教堂作装饰，两边作对称呼应，画中人物好像是从长长的、高大过道廊走出来，透视又使画面呈现高大深远。建筑物的廊柱直线和人物动态的曲线相交融，产生画面情境柔中有刚，加之神像立两旁，使画中充满深层的古典文化气息。
画家极善利用台阶，使众多人物组合主次前后有序、真实、生动、活泼，画面将观赏者带进先哲们的行列。这宏大的场面，众多的人物，生动的姿态表情，具有肖像性人物个性刻画，布局的和谐、变化且统一的节奏，可谓把绘画创作发展到文艺复兴时期的顶峰。
《椅中圣母》
画家特别着意于圣母的目光，人们常说眼睛是心灵的窗口，通过一双眼睛可以窥视到画中人的灵魂。拉斐尔画中的圣母情深意长，关于这双动人的目光，有个传说：有一次画家从梵蒂冈出来，在门口廊柱下见到一位抱着婴儿的少女，酷似他的心上人芙纳蕾娜，看到她的目光令他神魂颠倒，他满怀激情地拾起一块木炭，想把这动人的瞬间永驻在画布上，他环顾四周，见到旁边有一只朝天的空桶，画家没加考虑，就跑过去把桶翻过来，在桶底上急速地画下这位多情而美丽的少妇，有人认为《椅中圣母》的创作灵感源于此。拉斐尔极善运用曲线塑造形象，这幅画从画幅圆形外框到人物的组合、体态、衣着、褶纹都以长短不等的各种曲线构成，整个画面形象给观赏者以丰满、柔润与高度和谐的完美之感。画家造型的色彩配置，基本仍遵循基督教的观念，以红、蓝两色为基调。因为在基督教中，红色是象征天主的圣爱，蓝色是象征天主的真理。所以在宗教画中，圣母的衣着一般以红蓝两色相配搭。在这幅画中，圣母上衣为红色，斗篷为蓝色，小耶稣的黄色上衣，与圣母衣着的红、蓝色构成了调和的三原色，从而强化了艳丽的色彩和画面的华贵。
在拉斐尔所处的年代，流行一种新柏拉图主义的哲学思潮，既主张美是不生不灭的永恒，也在艺术中追求理想美的创造。而在人文主义大师们的艺术创造中，更为重视的是对生活美的发现，他们在艺术描绘的一切美中都具有现实美感。
《西斯廷圣母》
《西斯廷圣母》是32岁的拉斐尔在他的创作黄金期绘制的，是他的重要代表作。

《巴尔达萨雷伯爵》
比拉斐尔小5岁的巴尔达萨雷伯爵，是画家的挚友。在这幅肖像中，画家不仅细腻刻画了伯爵的形象和性格特征，更出色的是运用微妙变化的色彩，把伯爵身上那天鹅绒的银灰色，外衣和帽子描绘得淋漓尽致、质感鲜明。画家更着意于挖掘这位真实人物深沉、善良、智慧的内在气质，作为外交家、政治家、作家和学者的伯爵的形象，在画家的笔下得到活灵活现的表现。构图采用正三角形，使画面沉稳和庄重，这与人物身份，修养和心态十分吻合。

《披纱巾的少女》
又名《唐娜·维拉塔》，据说是拉斐尔的情人菲娜丽娜的肖像，在这位女子肖像中，画家不仅描绘了她的美丽和多情，更是运用了一种极为丰富的色彩语言，把芙纳蕾娜的面孔和袒露的酥胸描绘得十分细腻，华贵的衣裙上，繁复精致的褶纹与单纯的披纱形成对比，更加衬托出肉体的温柔与魅力。银灰色调的衣裙与白皙肌肤的色彩交相辉映，使画面产生了一种纯洁的主旋律。在这个形象上，宗教的神秘意味荡然无存，突现在人们面前的是活生生的人，这无疑是画家描绘真实对象的结果。
《基督显圣》
又名《基督变容图》，是拉斐尔应红衣主教朱利奥·美第奇邀请为法国纳博纳教堂绘制的祭坛画，也是拉斐尔临终前的最后一幅杰作。
在拉斐尔的这幅画中，地面上的光线虽然是阴暗的，但人群却被基督显灵的光所照亮。在空中卷起的风暴中，圣光和云朵将基督托起，犹如从天而降来到人间。在基督两边飞腾着的是摩西和以利亚，在山顶上躺卧着的是吓坏了的门徒。
画家在这里运用了螺旋形造型技法，造成一种旋转的运动感，三个门徒中姿态各不相同：雅各掩面伏地，彼得惊恐万状，而约翰则被惊吓得晕头转向，都表明在神力面前无能为力。 画面划分为天上和人间两部分，据记载，画的上部分出自拉斐尔本人手笔，而人间的人群则是以罗马诺为首的学生们画的。但据考证，画面左下角的那位圣安德鲁是拉斐尔所画，他的姿态动作前伸转首，身体的明暗对比强烈，这种大反差造型，为70年后的卡拉瓦乔所发展。画面色彩鲜明、响亮且丰富，这表明他吸收了威尼斯画派的色彩成就。
《教皇利奥十世与两位红衣主教》
这是拉斐尔在去世前3年完成的一幅杰作。从1518年开始画，至第二年正式完稿。画上的三个形象呈垂直式端坐姿势，但脸部转侧的角度不同。光线是从右边射来，人物的受光范围不一样，从而构成了人物空间的深度感。主要人物是利奥教皇。从教皇身上的猩红色 披肩，到桌布的红色与桌上的书本杂物，红色被渐次地分成四个层次。它们又被背景上那一大片大理石般冰冷的暗影所调和。教皇形象被刻画得较为细致，他手持放大镜，在阅读一本用细密画装饰起来的大手抄本。 目光凝滞，两手自然地搁在桌边。
据说，利奥十世对人文主义哲学很感兴趣，平时也爱从古典哲学中寻求真谛。教皇那张浮肿的脸，显露出疲惫的精神状态。拉斐尔似乎洞察这一切，以神来之笔把人物对经学与哲学矛盾的痛苦思索的精神刻画得很透彻。
据史料所述，拉斐尔对这位教皇一度怀有期望，因而对他表示异常的谦恭。1519年，拉斐尔在致利奥十世教皇的一封长信中曾这样说：“很多教皇有您老人家的这种称号，但是从来不像您那样具备如此伟大的学识、勇气和精神……有许多教皇只知肆意破坏，歪曲古代教堂、雕像、凯旋门等建筑……而您首先要考虑的应是关怀那些不多的建筑如何得以保全，它们是古代祖国和伟大的意大利的光荣。”从这一段话中，使我们理解拉斐尔之所以敬重这位教皇的原因，是在于期望他能珍惜古代文物，不再像前任那样肆意破坏和掠夺。
拉斐尔不仅以描绘妇女与圣母像著称，其他人物肖像在他的绘画中占一定地位。但从性格刻画得出色的肖像来看，则要数这一幅《教皇利奥十世与两位红衣主教》最为典型。这是一幅群像画。画上三个人物是新教皇利奥十世、红衣主教路易兹·德·罗西、教皇的外甥枢密官米里奥·德·美第奇。这种以多人物出现在一个画面上的肖像画格式，为后来欧洲出现的群体肖像作出了范例。这一幅画在拉斐尔的全部肖像画中也是破格的。
《花园中的圣母》
这幅圣母像上一共画了三个人物，圣母、耶稣与约翰。但人物没有一点宗教标签。 圣婴与约翰都画成幼儿形象。年轻的圣母，就象带着两个孩子的民间母亲。构图取金字塔式，据说这是他效法达·芬奇的结果，因为这种构图在当时正是达·芬奇的成功首创，它具有很强的稳定感。这个时期拉斐尔画的圣母与圣子，都以风景为背景，人物的数目也雷同，而且具有共同性的母爱主题。
这幅画上的色彩，选择得比较严格，圣母的红色上衣与蓝紫色披风，两个婴孩的皮肤暖色，构成稳定的画面。幼婴的天真烂漫与圣母脸上的爱抚，组成形象的基本内容——吟诵天伦的心曲。
拉斐尔是善于驾驭色彩的。这幅画也是他来到佛罗伦萨后进入成熟期的艺术表现。不过，这里一些效法性的笔法仍然未能遮掩，可能拉斐尔太崇拜达·芬奇了。此画作于1506年。约为107×77厘米。以蛋胶粉加油绘制在板上的。 现藏佛罗伦萨乌菲齐博物馆。
1504年，拉斐尔来到佛罗伦萨，有一段时间主要是完成圣母像。这些圣母像给他带来了巨大声誉。凡是拉斐尔画的圣母像，人们都争相观看，以饱眼福。他的圣母画得实在太美了，每一幅都不同凡响，观者为之流连忘返。他的圣母像的特点是：具有意大利民间女性的魅力，有着人间最能感同身受的母爱情调。以致几百年后欧洲各地 流传着一句赞美女人的话：“象拉斐尔的圣母一样。” 他完成的圣母像的数量之多，迄今仍难以计数。美术史上一般用画面上的细节特征或画幅的归属来区别，如《花园里的圣母》《椅中的圣母》《大公爵圣母》《 阿尔巴家圣母》《藤皮圣母》《金翅雀圣母》等。这一幅即是因其画上有一抓在婴孩手里的金翅雀而得名。
《圣切奇莉亚》
祭坛画原系红衣主教劳伦佐·普契及其侄子、主教安东尼奥·普契所
点题，是为意大利北部波伦亚（旧译波洛尼亚）大教堂绘制的一幅“圣女”肖像画。
切奇莉亚是波伦亚一位虔信基督教的妇女，因抗婚，立志在自己家里建造祈祷室，以求终身贞洁。传说她每次祈祷时能听到天国的圣乐，这在当地被传为圣迹。她死后，教会将其主要遗物埋在罗马特拉斯特弗的祭坛底下。波伦亚教会本拟请拉斐尔绘制她的肖像，然而，拉斐尔把这一肖像性题材绘制成一幅寓意画。
拉斐尔在这幅画上，把圣女画在被耶稣信徒的包围之中，周围有圣保罗（左侧第一人）、福音书撰者圣约翰（左起第二人）、切奇莉亚正仰首在倾听天国圣乐，那种凝神谛听的状态，带有某种神秘性。
《圣体辩论》
这一幅壁画底边为769.5厘米，即属于罗马梵蒂冈宫第一室内的《神学》主题。拉斐尔用基督教会展开对圣体的“学术研究”的形式来展现一幅宏伟的多人物场面。
每个形象都画得极其生动。观者可以从中找到但丁、萨伏纳罗拉、虔诚的僧侣画家安哲里柯，等等历史人物。拉斐尔运用卓绝的造型技巧，极有条 理地、节奏感强烈地布置了这些真实人物形象，给人以鲜明难忘的超历史聚会的印象。下面的凡人画得要比天上的圣人生动得多。有的显得潇洒从容，有的体形结实严谨，有的落落大方，一派学者风度。
这里的色彩十分饱满、深沉，且具有很强的表现力。
签字大厅是梵蒂冈内一间规模较小的房间，纵向仅9米长，横向约6米。外形线是半圆形拱门。远看上去它象半圆形的弧窗，所以壁画只有顺其墙壁本来的造型进行描绘。
拉斐尔利用上部的半圆拱弧作了恰到好处的处理。他画成拱形建筑细部，使画面 与墙面本身顺乎自然，这是拉斐尔的匠心独运。

《拉芙娜·莉娜》
拉斐尔画笔下的女性面容清秀、体态丰腴、性情温和。该画中的玛格丽特肌肤丰韵洁白，她右手揽着一块透明的纱巾，结实、健康的小腹在薄如蝉翼的纱巾下清晰可见。拉芙娜·莉娜面容安详，嘴角上扬，百媚而生。该画透出作者对大自然的歌颂和对人性之美的赞叹。
贝尔尼尼：

《大卫》

《大卫》是贝尼尼的早期作品，这一时期他的雕刻特点是：情节生动，人物有丰富的内心活动，力求把雕塑同绘画结合在一起。
在这同一题材中米开朗基罗曾把《大卫》处理成是英雄的化身，代表了人类的崇高理想．情节是战斗的开始。多那泰罗的《大卫》表现为战斗后的胜利者形象是战斗的结束。而贝尼尼的《大卫》则体现了一种巴洛克的创作精神，这尊《大卫》雕像有着激烈的运动和戏剧性情节，他强调激情，强调运动，重视明暗对比。这一切均说明贝尼尼是用新的艺术语言，在开拓雕塑表现的一条新途径，这就是巴洛克的艺术道路。在他的《大卫》这件作品中，还不能说是完全的巴洛克风格，它还有着文艺复兴时期人文主义思想的影响。从这件作品中，可以看出青年贝尼尼在雕塑艺术上的独具匠心。他所选择的《大卫》这一姿势的戏剧性瞬间，是暗示了与敌人间的距离，雕像设计只适于在一个固定的角度来欣赏它，而这个最佳欣赏角度正是假设敌人的位置。这正是人们欣赏时所产生的一种奇特的感染力的原因所在。
在面部表情的刻划中，《大卫》被处理成几乎是凶狠的，嘴唇紧闭，额前的垂线形成愤怒的表情，而米开朗基罗对大卫表情的刻画是对战斗结局的信心和内心的沉着力量。这一切对十七世纪的大师来说已感到不够了。贝尼尼对《大卫》形象的处理标志着向新方法的转变。是对传统塑造方法的大胆改革。
阿波罗和达芙娜

《阿波罗和达芙娜》，也是贝尼尼为波尔盖兹庄园所作的另一代表作。贝尼尼在这件群像的创作中，充分发挥了他善于表现这种戏剧性的题材的特长，他通过瞬息万变的运动来揭示人物内心的复杂感情。两个人体表现得非常轻盈，好像沿着一条斜线向上升，似乎要离开大地。这件杰出的作品可以说既有古典主义的典雅，又有巴洛克艺术的运动和热情。这一作品的出现曾引起全罗马城的轰动，贝尼尼顿时成为人们谈论的中心。他那征服大理石的高超技巧，人们信服他巧妙的构思，他使大理石有了生命，特别是对达芙娜的表现，她的身体有着一种湿润和柔嫩的感觉，她的眼里闪现出一种诱人的目光。

我们从这组雕像中可以看出作者征服大理石极为少见的高超技巧，和对青年男女优美人体的成功刻画。这一切构成了贝尼尼这一成功杰作的重要组成因素。
帕尔塞福涅

《普鲁托和帕尔塞福涅》，同样取自神话题材，冥王普鲁托的狂暴和少女帕尔塞福涅(后成为冥后)的柔媚形成鲜明的对比。少女悲痛欲绝的挣扎与哀伤的神态表现得十分动人。她的脸上挂着晶莹的泪珠，两个人物同样处在激烈的对抗之中，而那满面胡髭的地下世界的统治者普鲁托，有着巨大而奇特并充满精力的人体，在和娇弱纤巧的女子搏斗着，她呼喊着挣扎着，但这一切都是枉然的。作者将两个非常不相称的力组合在一起，产生对抗的力的挣脱的视觉效果．刚与柔、强与弱，男性与女性多方面的巧妙的矛盾组合，贝尼尼在两个人物的形象处理上也运用了光洁与粗放的对比雕凿技法。完成这些作品时他仅仅二十岁，同时获得了骑士勋章。

Ⅳ 人文主义发展的阶段特征

人文主义在西方文化中的发展，可大约分为：西塞罗时代的人文主义、文艺复兴时期的人文主义和十八世纪德国的人文主义。
这三个阶段的人文主义——差异：具体内容
共性：然就它们的基本性格而言，皆不能担当领导西方文化生命的使命。
——因为它们有其不可克服的限制与不足。

①西塞罗时期的人文主义：
人文主义一概念，成立在西塞罗时期的罗马，故西塞罗是西方文化史上第一个意识到人文主义内容及其价值的人。
他之所以有这种自觉的意识，牟宗三认为：“是由于罗马原是一野蛮民族”，故西塞罗的人文主义自觉“正表示野蛮无文的民族开始自觉到自己之野蛮，自己之纯为赤裸裸的原始生命之不足，反省到自己之寒伧，而想要过一种有文化的生活。……西塞罗的人文主义，正尽了这个责任。”但因这个责任只落实在“现实生活之重自由、尊理性、富美感，这种广泛意义的生活情调”之上，因此，这时的人文主义只注意到广度方面的礼仪规范之上，并没有由此复向内向深处开发，以彰显出人文主义得以成立的文化生命的最后根据。
此时的人文主义自觉，正如唐君毅所说，是基于由外在的观解而来的补漏救弊，并非直接从人之自身而要求自立起来。
这实际上并不是自觉，而是他觉，依他而觉。

这样一来，此时的人文主义则既有其成就，亦有其限制。
其成就在：这种人文主义能极成有教养、合规范的社会政治生活；
其限制在：这种有教养、合规范的社会政治生活，只是外在的重秩序、尚和谐，实不能凝聚收摄于人的生命中而得以最后的贞定。
因此，可以说，此时的人文主义所成就只是外在的、形式的、美的人间境观，而这种美的人间境观因是外在的、形式的，因而是松散的、虚脱的，随时可以滑坠堕落。

这是因为，人文主义若只落实在现实的生活情调之上，即是松散的、无“本”的，而无“本”，则自身并不能挺立得住。

②文艺复兴时期的人文主义：
在这个时期人文主义之得到世界的意义。
但这个时期的人文主义，依然承继了人文主义在西方文化中的发展传统——对中世纪基督教神学桎梏的对峙和超脱。
故此时的人文主义还是停留在外在比照之后的补救，而不是人自身的自觉自立。
Renanissance的本来意思是“人的再生”，即把人从神的蛰伏之下解救出来。
所谓“再生”——就是：“对于现实的人生，现实的自我，个性的自我，有一种春天之情的喜悦感，而且有一种现实的人间爱”。
这样，因重视个性的自我，人的普遍的理性的一面被忽略，而特别重视人的气质性的一面。
因此，可以说，此时的人文主义因对治基督神学而标举的人的再生，实乃对人的才情等气质之性的肯定。
所以，文艺复兴时期有很多在才情上表现其创造力的科学家、艺术家。对人的特殊的气质之性的肯定，同西塞罗时期的人文主义尚只停留在外在的和谐的社会政治生活的美的境观之上，可以说是更进一步地收摄到人自身上来，这是人文主义发展中的一大进步，也是文艺复兴时期的人文主义的最大成就，因为对于人文主义来说，这是逐渐回归到“人”这个“本”上来了。
但必然指出的是：人文主义对生命的反省若只到这种程度，而把人文主义得以成立之“本”建基在人的气质之性上，则依然有其不可克服的限制。
这种限制——主要表现在：此时的人文主义尚不能由个性之我进一步内透反显出一个与“神”通的普遍的自我。

因此，文艺复兴时期的人文主义总是同基督教神学对显而成立，其个中关键是：此时的“人”，即个性自我只是一个浑沦的整全，尚缺乏反省的破裂、超越的分解的内在工夫，而见一个超越的普遍自我，以作为个性自我的领导原则。
这样一来，“文艺复兴时的人文主义虽表示人性的觉醒，个性自我的觉醒，然其所谓人性仍只是对自神本落下来而说，而落下来自其自身而观之，又只是一个浑沦的泛说，而个性自我亦只是一个浑沦的整全，因此亦只偏于就才情气而说”。于是，文艺复兴时期的精彩由此出焉，其流弊亦由此出焉。其精彩处乃在：能尽人之才情的个性创造，而产生出伟大的科学和艺术；而另一方面，正如唐君毅所言，也使得“人之一切自然本能，蛮性的权利意志，向外征服欲，得一尽量表现之机会；而形成近代文化中另一种人之神性与其兽性之纠缠”。这便是其流弊之所在。

③十八世纪德国的人文主义：这个时期的人文主义是对启蒙思想的“抽象的知性”的反抗而成立。
而启蒙思想则是对文艺复兴时期的人文主义的反省而作的凝敛、收缩与沉着。前面说过，文艺复兴时期的人文主义因执着于生命个性的欢欣而成就了伟大的科学和艺术，但这种成就是基于个体生命对大自然的爱好与追逐，它并没有收缩回来在主体内作一超越的反省与分解。

因此，这个时期的科学成就大多尚处于经验层面，而科学之所以为科学的知识之学并没有成立。启蒙思想就是从文艺复兴时期的人文主义的那种个体生命的爱好中收缩回来，沉着而为知性的精神。所谓知性，就是逻辑数学所规定的“思想主体”（注意，这个“思想主体”并不是主观的，而是客观的，因为它——若按康德的哲学来讲——实只是一些先天形式，如时空或范畴，如质、量、关系、模态的范畴等，故它是普遍的、客观的、抽象的。笛卡儿的“我思故我在”，正是在这个意义上说的）。
这样一来，“知性”一出现——“则人之心灵之具体而浑全的活动即被破裂分解而为各方面的形态。知性与直觉分开。

因此，了解人的本质亦以‘抽象的理性’视为人之本质”。主体为纯知性，客体为纯自然，知性为知识得以可能的条件，这种收缩回来的基于主体的超越的反省与分解，使得“学之为学”的知识之学得以成立。这是启蒙思想的最大贡献。
但另一方面，使得启蒙思想脱离了人文主义的母体，而成为“非人文的”。因为，若仅以“抽象的知性”视为人的本质，则势必将人的丰富而质实的内容拉空，而人文主义必须从整全性、丰富性和质实性来看人。这是十八世纪德国的人文主义者起来反抗启蒙思想的根本原因。

十八世纪德国的人文主义起初是由一批文学家所发起，被称为狂飙运动。
他们从一种新的生命感情出发，而反对启蒙思想的“抽象知性”的僵化、空疏。
尽管狂飙运动同文艺复兴时期的人文主义一样，均是从一种生命之情而进入，但狂飙运动有进于文艺复兴时期的人文主义的地方在于：文艺复兴时期的人文主义与中世纪的神本对立，与宗教不相融；而狂飙运动则通过对生命的深深体验，则见出了宇宙大生命的无限性与弥漫性，从而有一种泛神论的倾向。
尽管这与真正的宗教精神尚有很大的距离，但可以见出此时的人文主义与神本并非绝对地不相容了。

但这，正如牟宗三所言，毕竟是基于文学情调的主体主义的浪漫精神，这是一种绝对的主观主义，然人文主义必须由主观主义而进到客观主义，主体的客观主义。
后来的莱辛、歌德适时地提出“人格”的概念，就是要把人文主义由主观主义向客观主义牵引。 他们借用柏拉图哲学中的Idea（理型）概念，把“人格”作为生命的理型而内在化于生命之中，导入人文主义之中，从而使人文主义克服主观主义的浪漫精神而走向客观主义。
这样，人在其自身之中有其内在的形成法则，各个人都是从内的无限发展达到其整严规定的个性。
“有了人格概念，先把自己的生命内在地客观化，然后始能肯定人间的一切人文活动，见出其能完成人格的教养作用。这就是移向客观主义”。

所以，在歌德的基于人格的人文主义看来，人格的发展是个性，同时也是整全性。完全的个性，不能不是“全人”，但不是全知全能，而是人的一切能力都得到充分而健全的发展。

这便克服了文艺复兴时期的人文主义，因对单纯个性的喜悦，而使得人的能力虽得以充分发展，却又与兽性相纠缠的弊端。

这可以说是这一时期的人文主义的最大贡献。

然而，歌德等人根据柏拉图哲学的“理型”而提出“人格”的概念来进入人文主义，其弊端也是极其明显的。生命诚然要客观化，从而开出其意义与价值。但歌德等人取途于柏拉图的“理型”，则是不够的，因为柏拉图的“理型”是从对象方面，以一种美学情调的观解，再佐以逻辑思辩，而把握的“体性学的有”，一种纯“形式的有”。

这是一种思辩哲学，由此而进入人文主义并不能尽其全蕴，因为人文主义必须依仗生命自身的觉悟而开启一个质实的居间领域。
也就是说，依据柏拉图的“理型”而提出的“人格”概念并不能尽人性主体之切义，不能树立人之为人的“道德主体性”，并以之真正开辟出价值之源与理想之源。

Ⅳ 概括近代欧洲人文主义思想发展的三个阶段

一、文艺复兴时代
以佛罗伦萨为中心.拉丁文是共享文字.
一般来说,西方思想分成三种不同模式看待人和宇宙,第一种模式是超越自然的,焦点在上帝,人是上帝创造的一部份；第二种模式是自然的,焦点集中于自然,即科学的模式,人是自然秩序的一部份；第三种模式是人文主义的模式,焦点是人,以人的经验作为人对自己、对上帝、对自然了解的出发点.
这种区分只是可以用多种方式组合的三种倾向之间的区分,没有严格的界线,更不是如孔德的三阶段规律的另一个翻版：人文主义模式超越神学模式、科学模式又超越人文主义模式,因为这三种模式都陆续有代表,继续发挥影响力,它们之间的关系在竞相自称垄断真理与不同形式的共存之间摇摆.
古希腊思想最吸引人的地方是,它是以人为中心、而不是以上帝为中心的,人文主义尖锐攻击经院哲学的,是它们一心扑在逻辑范畴和形上学的问题,其抽象思维逻辑推理,脱离人的日常生活.不过文艺复兴时期的人文主义,并不想用另一种哲学思想来代替经院哲学,他们只想把经院哲学所忽略的作用复活起来.
人文主义讨论中最喜欢谈到的话题,就是积极活跃的生活、和沈思默想的生活孰优孰劣?沈思默想的生活不再像中世纪占据最重要的位置.
二、启蒙时代
文化批评家、宗教怀疑派、政治改革派的松散、非正式、完全无组织的联合,巴黎是中心,法语是共享语言.
启蒙时代开启之前,已经有哥白尼与伽利略、培根,探险航海.
宗教战争,使所有思想开始跟神学分家.笛卡耳、史宾诺沙,以及霍布斯.霍布斯把道德社会的基础置于自我保存,最能看出英国内战造成的焦虑感.
启蒙时代开始的十八世纪,开始从宗教战争的怀疑论走出,其乐观,是建立在试验性科学.培根曾在十七世纪时预料到此点,他于1626年去世,结果牛顿诞生了.牛顿生于1642年,死于1727年.大自然开始从神秘中走出,变成可知.
启蒙运动影响力最大的,是运用自然科学的冲击力,让人文学科也脱离神秘的宗教启示.
三、十九世纪（1789-1914）
理性、自由在政治和经济上的运用,使这个阶段永远的影响了二十世纪.当时的人相信,让所有的人的能量彻底释放,世界会永远进步向前,充满了乐观的心情.
科学替代哲学和收到挑战的宗教,提供精神上的保障和对大自然的掌握,牛顿当年寻找的「原动力」,被从神学中释放,而用热力学第一和第二定律来解释.
孔德企图把自然科学中奏效的方法,应用到社会和道德研究.思宾赛和马克斯都自称做到了这一点.他们得出了可以与牛顿的运动定律相比的一套决定论定律,不容有偶然性、神的干预或个人选择的余地.达尔文则废除了自然科学与人的研究的分界线.
达尔文的理论基础是进化和进化过程中的自然选择过程观点,这结束了人的特殊地位,把人与动物等同.

Ⅵ 欧洲文艺复兴时期艺术特点有那些

主要体现在以写实传真为首务，在风格和技法上更注重色彩的协调和自然，不拘一格。在作画方式上，文艺复兴美术方面就是创立了透视画法，原始方式就是拿一块玻璃放在眼前，在玻璃上画上网格，所成象在玻璃的哪个格子上，画家就在画布上的相应格子上吐上颜色，从而达到效果。

作画的题材上，古希腊神话题材取代了基督教题材的主流位置，文艺复兴其实就是复兴古希腊文化，而古希腊就是强调人性自由解放，告诉欧洲人民妒忌，怨恨，战争，谋杀，都是很平常的行为。

没有人会因为抢小孩的糖果吃就下地狱的。而普通人物的画像也开始普及。在此之前，唯一允许画的题材就是圣母，耶酥，十二使徒。当然，还有些人坚持传统基督教题材。

(6)人文主义创造亚当扩展阅读

资本的原始积累：文艺复兴运动作为一场弘扬新兴资产阶级文化的思想解放运动，在传播过程中为早期的资本主义萌芽发展奠定了深厚基础，也同时为早期的资产阶级积累了原始财富。文艺复兴运动首发于意大利，后经传播由地中海沿岸转移到大西洋沿岸。

出现了著名的城市如罗马，佛罗伦萨，威尼斯以及尼德兰等一系列新型城市，资本主义工商业开始茁壮发展，资本也开始源源涌入新兴资产阶级的囊中，为同时进行的新航路开辟，宗教改革以及今后的资产阶级革命或改革提供了必要条件。

人性的探索及发现：文艺复兴运动使正处在传统的封建神学的束缚中慢慢解放，人们开始从宗教外衣之下慢慢探索人的价值，作为人，这一个新的具体存在，而不是封建主以及宗教主的人身依附和精神依附的新时代。

文艺复兴运动充分的肯定了人的价值，重视人性，成为人们冲破中世纪的层层纱幕的有力号召。文艺复兴运动对当时的政治，科学，经济，哲学，神学世界观都产生了极大影响。是新兴资产阶级在意识形态领域里一场革命风暴，也被称为“出现巨人的时代"。

消极影响：文艺复兴运动在传播过程中因为过分强调人的价值，在传播后期造成个人私欲膨胀，物质享受和奢靡泛滥，有一系列的负面影响。

Ⅶ 米开朗基罗的名画《创造阿当》的详细介绍！

梵蒂冈 西斯廷教堂藏
【作品赏析】《创造亚当》是米开朗基罗的代表壁画中的重要部分。因为他在佛罗伦萨的盛名，当时的罗马教皇尤里乌斯二世邀他参加制作教皇陵墓，后又中断。1508年他被迫接受了西斯廷礼拜堂屋顶壁画的任务，他当时的心情是悲愤的，不料此壁画后来成为他生平最大杰作。
西斯廷屋顶壁画面积达500平方米左右，是美术史上最大的壁画之一。米开朗基罗在大厅的中央部分按建筑框边画了连续9幅大小不一的宗教画，均取材于《圣经》中有关开天辟地直到洪水方舟的故事，分别名为《神分光暗》、《创造日,月,草木》、《神水分陆》、《创造亚当》、《创造夏娃》、《诱惑与逐出乐园》、《挪亚献祭》、《洪水》、《挪亚醉酒》。这幅巨型壁画历时4年多才完成，由于长期仰面艰苦作画，他颈项僵直，书信都要置头顶仰视。壁画中以《创造亚当》最为出色，画中亚当的形象体态健壮，气魄宏伟，具有强烈的意志与力量，显示了艺术家在写实的基础上非同寻常的理想加工，予同时代人深刻的启示。
《创造亚当》是根据创世纪第二章：“耶和华神用地上的尘土造人，将生气吹在他的鼻孔里，他就成了有灵的活人，名叫亚当，耶和华在东方立了一个伊甸园子，把所造的人安置在那里。”米开朗基罗为了集中注意力于大神的创造，以及亚当的诞生，便把神和亚当安量在左右两边的空中和陆地上。右边是耶和华大神，飞翔在空中，他左手抱着天使们，右手伸向亚当。亚当全身裸体，躺在左边的陆地上，一手伸向大神。神与人的手指象接电似的相互交流，这里表现了充满精力的老人和年轻而美丽的生命的诞生。体现了创造者的权威和被创造者的信心。
《创世纪》
《创世纪》是一幅布满西斯廷教堂整个天顶的巨大画幅，200多个男女形象分布在天顶，包括梁柱间的壁面上，背景均是蓝色的天空，天顶的中间部分描绘了九幅主题画，有“上帝区分黑暗与光明”、“创造日月与动植物”、“创造鱼与海中动物”、“创造亚当”、“创造夏娃”、“堕落与亚当夏娃被逐出乐园”、“诺亚筑祭坛”、“洪水”和“诺亚醉酒”。每幅主题画周围有十二个各种姿态的裸体像。窗檐的两边共有12个壁龛，每个壁龛绘有一位预言者或巫女，他们分别是先知和女先知，间隔地出现在壁龛中，显现着强烈的性格和意志，充满着创造力和洞察力。左右八个小三角档之间是“基督的故事”。四角的四个大三角档之间绘有“礼拜铜蛇”、“大卫和伊利亚”、“哈曼和以斯帖”、“朱提斯和荷罗非斯”四个圣经故事场面。在三角档之间的两道空白壁画上，还画着两对裸体青年。虽然由于建筑梁柱的分隔而形成许多大小不一的画面，且有相对的独立性，但是令人惊奇的是整幅巨画又有着完整的统一性。
在整幅《创世纪》天顶画中，“创造亚当”是最引人注目的一幅画面。画的右上方是一位富有智慧的长者，在天使们的簇拥下，飞向亚当；画的左下角是亚当，他全身裸露，倚躺在一座绿色的小丘上。米开朗琪罗在创作这幅画时，对原来的故事情节稍稍作了一些改动，他把原来应由上帝将生命的灵魂吹到亚当身上这一情节改变为上帝将手伸向亚当，以与亚当向上帝伸出的手相接。画面上的亚当似乎刚从睡梦中醒来，抬头望着主神，身体的上半部也由于主神的到来而微微抬了起来，目光中流露出渴望得到智慧和力量的神色，左手正缓缓地伸向主神，几乎就要与主神向他伸出的手相接触，那生命的火花即将要从主神的指尖跳到亚当的指尖。这是创造人类生命最关键的一刹那。可是那两个指头之间的那么一丁点儿空隙却被米开朗琪罗永远地保留下来了。他让观赏者用自己的思维去填补它。在与观赏者交流这一点上，米开朗琪罗一直是十分聪明的。

附天顶画的面积是14×38.5m，中部由九个叙事情节组成，以圣经《创世记》为主线，分别为"分开光暗"、"划分水陆"、"创造日月"、"创造亚当"、"创造夏娃"、"逐出伊甸"、"挪亚祭献"、"洪水汜滥"和"挪亚醉酒"。绘制的壁柱和饰带把每幅图画分隔开来，借助立面墙体弧线延伸为假想的建筑结构，并在壁柱和饰带分隔的预留空间绘上了基督家人、十二位先知以及二十个裸体人物和另外四幅圣经故事的画面。米开朗基罗以自身处境与周边环境的和解最终让西斯庭天顶和创世记言归一体。
天顶画分为两个创作阶段，第一阶段从1508的冬天至1510年的夏天，第二阶段从1511年2月到1512年10月，历时四年。米开朗基罗把自己封闭在教堂之内，拒绝外界的探视，从脚手架设计到内容安排、从构图草创到色彩实施全部由他一人掌握完成。居高不下的处境，曲身仰视的姿态，集中的心情，舒展的灵思，一天天慢慢缩小着一块块距离，一块块慢慢充实一天天的内容。辛苦到达的天界，回过头去谁也不曾看到过。
两个创作阶段的风格有着时限的差别，构图和形式越来越简化。照顾到人们受可视距离限制的生理条件，向往立于十八米之下的人们更清晰"天庭"的运动，米开朗基罗减少了画面中人物的数量和故事的细节，突出了主体的形象并且强调了活动的节奏。西斯庭天顶画中最重要的作品是第二阶段绘制的《创造亚当》。体魄丰满、背景简约的形式处理，静动相对、神人相顾的两组造型，一与多、灵与肉的视觉照应，创世的记载集中到了这一时刻。上帝一把昏沉的亚当提醒，理性就成了人类意识不停运转的"机器"。
16世纪的文艺复兴盛期是欧洲文明的一道分界线，把西方基督教世界分成了中世纪和现代，也把基督教分成了天主教和基督新教。外围的影响和自身的调整是自然生成和社会发展的因子。耶路撒冷和雅典的分庭抗礼、人文主义的诘难和基督教文化的对应是西方现代社会结构的注释，人类没有理性一次性可以跨越的门槛，信仰基于人类的一颗易受波动的心，"提醒"是每天的功课。
文艺复兴的艺术家们受惠于古代艺术的新发现和再认识。考古发掘上的成绩激发了世人研究古代艺术的热情；人类对自身生存环境的认识带动交通业的发展保证了文化沟通的进一步可能；资本意识下的工场手工业经济的发展促动了以行业分工和市场调节的社会结构的建设：《拉奥孔》等一系列艺术珍品发现于这一时期；哥伦布的探险已经完成；资本主义生产模式已初露萌芽。这里有异教的文化的影响也有基督教文化的因素。正像上帝与亚当互相牵动的手，相握而立。生活是一架灵修操守和机械运转并置做工的机器。基于此，做工的平等意识是亚当立身的意义。做工即包含了创造的基因，做工的平等决定了职业社会中个人生命创造成分的实现。放弃上帝相携的手而争取社会上的诸多平等，包括自由的平等，只能是不平等的恶性循环。文艺复兴盛期的艺术活动首先在意大利确立了这样一个事实：艺术家不再是一个工匠，而是一位创造者，和诗人、智者、朝臣一样，他们不仅依靠他们的行业技术同时也依靠他们的灵性，人们心目中把艺术家奉为天才的概念由此而生，为以后的职业化社会预设了伏笔。这是一次从历史上从时间上寻找人类活动动力的革命。同样，现代艺术的兴起是一次从环境中从空间中寻找人类活动动力的革命。现实主义口号的提出是针对人类一贯的乌托邦情结；印象主义是受现代科学技术的精神鼓舞；后期印象主义和立体主义在东方艺术和非洲艺术中得到了启发；在此之后直至后现代艺术名目繁多的艺术主张则是出于对中心主义的解构：自由、平等、博爱口号的提出是人们对社会建构的实践；工业化进程预言技术时代的来临；回归自然意味着人们从生活的现实之中而不是从过去的历史、从局限的地域中寻找为人成立的关系；经历了二次世界大战之后的欧洲对人文理性的张扬表示怀疑。人们从理想的社会模式转而思考合理的社会结构，对社会结构的关注影响职业的语意构筑，平民化的社会进程亦是职业语意的实现，为人的活动都在职业中实现，即"做工包含了创造的基因，做工的平等决定了职业社会中个人生命创造成分的实现。"所以现在人们提出"人人都可以是艺术家"的口号，其语意在于职业中人不再是一个工匠，同时含有创造的价值，和艺术家一样。每个人的一生都可以是一次创造性实现的平等概念由此而生。创造性重要，创造性的合理保障更重要。实际上大家都知道，合理的社会结构并不需要太多的艺术的职业，而是需要太多的职业的艺术。上个世纪的历史背景致使无论东方还是西方都必需重新思考信仰这一人类的课题。从这一课题本身来讲，东西方没有差异，而我们所要做的工作却要复杂的多。既要指证西方社会中人文主义和基督神性的差异，又要应对社会发展中两者之间和两者自身的种种冲突。
继西斯庭天顶壁画的二十多年以后，1535年，米开朗基罗只身一人又完成了另一幅代表作，西斯庭祭坛壁画《最后的审判》。这幅壁画覆盖了这块面壁上原先由拉裴尔(Raphael)的老师佩鲁吉诺(Perugino)绘制的几幅壁画，从佩鲁吉诺传世的经典作品《基督把天国的钥匙交给彼得》来看，这对于我们也是一件值得惋惜的事情，也许佩鲁吉诺相信天国的钥匙既在上帝之手同时也在世人之手，人间会有疏忽，天国会有人类的关怀。《最后的审判》这幅壁画的实际尺寸是13.7×12.2m，历时六年。在这幅画中，基督的动作不在于重申救赎的理论，更在于强调惩罚的信条。基督高扬的右手一如既往地示意把不在生命册上的亡众挥入火湖，被挥入火湖的还有死亡和阴间。基督的左手却不是托起获救的生灵，而是指向自己躯体上被钉十字架时受枪刺的创伤。米开朗基罗在《创世记》一画中和《最后的审判》一画中以上帝手指的动作指证了一个人类过程的寓言。基督诞生是人类新纪元的开端，那个时候上帝死了已既成事实。米开朗基罗执意说破文艺复兴仍然是对上帝信仰的问题。
《创世记》两个创作阶段的风格有着时限的差别，米开朗基罗早期作于1503年的一幅板上绘画作品《圣家族》平和优化的情感、样式和艳丽鲜明的心境、颜色与其后期绘画风格也有着明显的不同，后期绘画作品中的人物情绪和形式越来越激化冲动，画家的心情和用色越来越隐晦不明，视域是越来越扩展地触及事件发生与所在场景或此或彼的联系：峰起的造型像是在沙滩看大海怎样涌潮，光彩暗弱的现实是流失的激动，视线下沉的远方依然是现代的风景。
米开朗基罗最后的两幅壁画作品应该是1550年绘于梵蒂冈巴奥林纳小教堂的《保罗归宗》和《彼得殉难》。构图处理仍然是人物众多的场景展示，表现的焦点还是集中在"归宗"和"殉难"事件最敏感的瞬间--上帝让保罗从马上跌落；人们把彼得在十字上竖起。从米开朗基罗绘画作品的风格形成和创作走向可看出画家一生内心世界的张力关系。无论是高扬画家人文精神的一面还是叙述作者宗教情怀特点都未免过于简单，无论是指责委托方的苛刻要求还是肯定受托方的人格对应都未免过于抽象。同样，从画面的外观形式分析，米开朗基罗的造型风格既是创造精神的源泉也是矫饰主义的鼻祖，后来的唯美主义和为艺术而艺术的形式主义都可以在此找到理性和感性的出处。况且，就是精神，包括宗教精神和基督性本身即存在着差别，精神更是一个危险的任人弘扬的信号。

Ⅷ 这幅画叫什么名字

《创造亚当》作者米开朗基罗 石壁画
梵蒂冈 西斯廷教堂藏。

《创造亚当》是米开朗基罗的代表壁画中的重要部分。因为他在佛罗伦萨的盛名，当时的罗马教皇尤里乌斯二世邀他参加制作教皇陵墓，后又中断。1508年他被迫接受了西斯廷礼拜堂屋顶壁画的任务，他当时的心情是悲愤的，不料此壁画后来成为他生平最大杰作。
这幅巨型壁画历时4年多才完成，由于长期仰面艰苦作画，他颈项僵直，书信都要置头顶仰视。壁画中以《创造亚当》最为出色，画中亚当的形象体态健壮，气魄宏伟，具有强烈的意志与力量，显示了艺术家在写实的基础上非同寻常的理想加工，予同时代人深刻的启示。
《创造亚当》是根据创世纪第二章：“耶和华神用地上的尘土造人，将生气吹在他的鼻孔里，他就成了有灵的活人，名叫亚当，耶和华在东方立了一个伊甸园子，把所造的人安置在那里。”米开朗基罗为了集中注意力于大神的创造，以及亚当的诞生，便把神和亚当安量在左右两边的空中和陆地上。右边是耶和华大神，飞翔在空中，他左手抱着天使们，右手伸向亚当。亚当全身裸体，躺在左边的陆地上，一手伸向大神。神与人的手指象接电似的相互交流，这里表现了充满精力的老人和年轻而美丽的生命的诞生。体现了创造者的权威和被创造者的信心。

Ⅸ 意大利文艺复兴时期的艺术三杰是谁

QloveQ 朋友，你好。意大利文艺复兴时期的艺术三杰分别是达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔 以下是相关资料。
公元十四世纪，处于萌芽状态的欧洲资本主义生产方式在意大利地中海沿岸的一些城市出现了，新兴的资产阶级开始登上了历史舞台。他们和人民大众在一起，展开了政治，文化上的反封建的斗争，欧洲历史上就出现了称之为文艺复兴的文化运动。
复兴即“再生”的意思，文艺复兴目的称号在于恢复古希腊古罗马的文化艺术。但其实质是资产阶级要建立新的上层建筑，为了借用前人文艺这个武器来扫清前进道路上的障碍。在美术上，当时的“复兴”指的是两个方面。一是人性的复兴，此前的美术家无法表现自己的艺术追求，只能千篇一律地表现神——基督和他的门徒。世间的人是匍匐于神脚下的芸芸众生，在美术中得不到应有的位置。文艺复兴时期的美术家意识到人的尊严，敢于面向活跃的现实社会，敢于描绘生活中的人和事，使美术的内容有了巨大的变化。二是古典艺术的复兴。意大利的故地是古代罗马，它遍地有古希腊古罗马的艺术遗迹。经千年沉睡之后，许多遗迹被发现。在艺术家面前焕发出崭新的光辉。于是，美术造型有了楷模，要重归，“复兴”古典艺术的风格。
“文艺复兴”是古希腊之后人类从未经历过的最伟大的进步的变革。在这一变革中，出现了不少伟大的人物，最有代表性的“三杰”是达.芬奇、米开朗基罗、拉斐尔。他们的出现，集中体现了欧洲文艺复兴时期美术的高度成就及其重要特征。

莱奥纳多·达·芬奇 达芬奇(Leonardo Da Vinci 1452-1519)作为文艺复兴时期作卓越的代表人物，他的成就和贡献是多方面的。达芬奇出生在佛罗伦萨附近的一个小镇——芬奇镇。他是一位 天才，他一面热心于艺术创作和理论研究，他研究如何用线条与立体造型去表现形体的各种问题；另一方面他也同时研究自然科学。
达·芬奇的启蒙教师是著名的雕塑家兼画家委罗基奥学艺,委罗基奥是一位用数学、透视学和解剖学等应用科学的方法从事艺术探索和实践的艺术家,对于达·芬奇的影响不仅在严格的绘画写实方面,主要还在于培养了他对科学研究的兴趣。这是决定他日后成为文艺复兴鼎盛时期绘画奇才和多种科技研究家的关键。达·芬奇的兴趣极为广泛,除了绘画,他研究 科学与哲学问题。他曾一个人亲自解剖了三十多具尸体，具有丰富的解剖知识。
《蒙娜丽莎》描绘了一位端庄秀美的西方妇女肖像，她面庞秀丽，形象逼真，似乎是真人的存在。坦然自信的神态流露出不可捉摸的带有神秘的微笑，呈现出一种高贵而不可侵犯的尊严，看的人仿佛也随之自尊、自重起来，这是对人的一种赞颂。《蒙娜丽莎》是文艺复兴时期的作品，此前是中世纪宗教统治的时代，是对人类压抑的时代，其作品都是以神为题材的。达·芬奇的《蒙娜丽莎》一反传统，画的是活生生的人，以真人为表现内容，此可以领悟到其思想意义的内涵，这是代表新兴资产阶级打碎教会精神枷锁的革命。
《最后的晚餐》是他接受米兰圣马利亚·德烈·格拉契修道院的订件时作的。这是一个传统的圣经题材。两个世纪来,许多著名画家在这一题材上尝试过,但都存在某种不足,首先是人物缺乏心理冲突,故事的戏剧性展开不生动。而达·芬奇这幅画,已扬弃了过去所有这一题材的表现缺点,从人物的活动、性格、情感和心理反应等特征上,深化了故事的寓意性,通过耶稣与犹大的冲突反映出人类的正义与邪恶之间的对立。实际上它所展现的,正是当时意大利社会上凡是正直的人们,都能看到的光明与黑暗的斗争的缩影。坐在正中央的耶稣推开双手,把头垂向一边,作无可奈何的淡漠表情,这就加强了两边四组人物的变化节奏感,使场面显得更富有戏剧效果。而这十二个人,由于各自的年龄、性格和身份不同,他们的惊讶与疑虑表情也得到各自贴切的表现。人物之间互相呼应,彼此联系,他们的感情不是孤立的,这是大画家达·芬奇最重要的、也是最成功的心理描写因素。古代所谓“多样统一”的美学原则,至达·芬奇的这幅画上才获得了空前有效的体现,其艺术成就也即在此。作为一位伟大的人文主义艺术家，达·芬奇的民主主义立场在意大利资产阶级上升时期是坚定的。事实上也证明，他的这幅《最后的晚餐》一直在鼓舞着世界人民为反对邪恶的势力而斗争。

文艺复兴时期第二位大艺术家米开朗基罗,不仅是伟大的雕塑家、画家，还是一位了不起的建筑家、军事工程师和诗人。
米开朗基罗生于1475年3月6日靠近于佛罗伦萨从小父亲把他送到佛罗伦萨附近乡间的石匠家寄养，在击石声中度过了童年，因此米开朗基罗开玩笑说自己的雕刻天才，就是得自于这位石匠的恩赐。后来米开朗基罗的生父因为丧妻，移居至佛罗伦萨，将米开朗基罗送进学校学习拉丁文和优美的意大利文。米氏学会了诗词的创作，不过他在童年时期一向不爱念书，上课的时候常常偷拿速写本画画，让米氏的父亲非常头痛。所以在米氏13岁时，将他转送至一位画家处学画。一年之后，跟随一位雕刻家学习雕刻，这位雕刻家为佛罗伦萨贵族美第奇家族管理美术作品与石雕。在这里，米氏遍览了古代艺术珍宝，也有机会接触到诗人和学者，由于环境的感染，他开始研读但丁的雄伟诗篇，而柏拉图的博大思想对他的影响尤其深远。这使得米氏不但是一位伟大的画家、雕刻家、建筑师，也是一位诗人。
《大卫像》是米开朗基罗整个艺术中最重要的雕像之一。创作这尊雕像时,还不到30岁,但他的艺术风格已趋于成熟,他已被公认为是艺术大师了。他的雕像大部分都是表现健美人体的。这是文艺复兴时期一种人文主义思想的表现特点。人们刚从黑暗的中世纪桎梏下解脱出来,充分认识到人在改造世界中的巨大力量,赞美人体的美,是对古代希腊艺术的一种“复兴”,其实,它的更深刻意义在于反对宗教的虚伪,重视人及其现实的力量,这是思想解放运动在艺术上的一种反映。而米开朗基罗由于深刻感受到意大利政治的动荡,他的苦闷与精神意志往往只能在自己的雕像中得到最深刻的发挥。人体是最能表现内在力量的形式。他要赋予大理石以新的生命,必须向它灌注一种属于人的肉体的力量,使它具有精神的象征性。
米开朗基罗的艺术之所以叱咤风云于16世纪,是因为他在这个以人为中心的文艺复兴运动中,把人与战士两个概念不可分割地联系在一起了。他所有的伟大雕塑,其最重要的品质也在于此,即一尊雕像,也是一个建功立业的英雄丰碑。1505年,米开朗基罗被教皇请到罗马工作。朱理二世让米开朗基罗来设计“世界最大的”陵墓,供教皇死后享用。陵墓工程巨大,雕像颇多。艺术家把多年的抑郁、愤懑和屈辱,全部寄托在这座陵墓的各个雕像上面。其中最有代表性的陵前雕塑,即是《垂死的奴隶》与《被缚的奴隶》这两尊作于1516年的奴隶像。《垂死的奴隶》双目紧闭,左手枕在仰起的脑后,右肘弯曲在胸前。虽在生命的最后一刻,仍然想再一次醒来与暴力与死亡搏斗。那个《被缚的奴隶》的运动节奏就更强烈了。他的壮实的躯体呈螺旋形拧起。他力图挣脱身上的绳索,这种动势的转折,体现了巨大的内在激情。似乎这个奴隶将要迸发一股无比强大的反抗力。面部表情显露出坚强不屈的意志。有人称这尊雕像是“反抗的奴隶”。在这里,人的尊严得到了高度体现。艺术家以卓越的技巧使这两块冰冷的石头产生出生命的活力。这种优美的造型感受,正是米开朗基罗所期望达到的效果。
罗马西斯庭小教堂内的天顶画,是米开朗基罗的绘画艺术丰碑,。西斯庭天顶画以圣经《创世记》为主线,绘画总面积接近600平方米,人物有几百个。在拱顶上按照它的长矩形(全长40米,宽14米),在中央分割成九个画面,分别描绘《神分光暗》、《创造日月与动植物》、《创造水和大地》、《创造亚当》、《创造夏娃》、《原罪·逐出乐园》、《挪亚祭献》、《洪水》、《挪亚醉酒》等九个主题。象这样大规模的壁画,如此壮观的天顶画,画得又那样精确、和谐,多彩多姿,并且是出自画家米开朗基罗的一人手笔,这在16世纪以前是不能想象的,它所存在的精神价值在整个艺术史上也是不可估量的。当拉斐尔看了这幅巨大的天顶画之后,不禁感慨地说:“米开朗基罗是用上帝一样杰出的天赋创造这个艺术世界的!”
米开朗基罗创作之始，因为天纵才气，常常遭人眼红；在他年轻时，因遭人嫉妒而被打坏了鼻子，使得他终身对自己的容貌自卑。26岁时在佛罗伦萨完成举世闻名的“大卫”雕像；30岁时因为盛名远播，传到了罗马教廷的教皇耳中，教皇立刻邀请米氏前来罗马建造陵墓。米氏也深知这是一次绝佳的机会，开始为教廷工作。这一做就做了整个下半辈子；在当时一切教廷至上的时代，这是无上光荣的工作。他在罗马陆续完成许多世界闻名的杰作，诸如现今珍藏于梵蒂冈博物馆的圣西斯廷大教堂的湿壁画、劳孔像、慈母哀子像、摩西像、圣彼得大教堂，以及卡波多立广场等等，都是游客前往罗马时的必游之地。
米开朗基罗的创造力与活力惊人，直到去世之际仍坚守创作岗位，享年89岁。米开朗基罗终其一生给人的印象，可以用“悲壮”两个字来形容。虽与达·芬奇和拉斐尔身处于同一个时代，但境遇却大不相同。米开朗基罗的悲壮是属于天才的，含有戏剧性的英雄式悲壮。构成米开朗基罗的悲壮生涯，虽有其时代的因素，但主要原因还是在于他因天才而产生的自负。米氏个性高傲倔强，不阿谀奉承，深具艺术家气质。

拉斐尔:(1483-1520)意大利文艺复兴时期最伟大的画家之一；由于高超的艺术造诣而被神化了的拉斐尔，代表了文艺复兴时期艺术家从事理想美的事业所能达到的最高峰。
拉斐尔父亲是宫廷的二级 画师.他从小随父学画,七岁丧母,十一岁丧父,进画家画室当助手.学习了十五世 纪佛罗伦萨艺术家的作品,走上了独创的道路.从二十二岁到二十五岁创作了大量 圣母像,从此声名大扬.他没有达.芬奇那样经验丰富博学深思,也没有米开朗基罗 的雄强伟健的英雄气概.可是他虽然只活了三十七岁,却成为文艺复兴盛期最红的 画家.他的风格代表了当时人们最崇尚的审美趣味.他是个绝顶聪明的人,他的聪 明特别表现在善于汲取他人之长,而后加以综合的创造.他一生创作了不少作品, 其中<<大公的圣母>>和<<教皇利奥十世>>等,还作了一些建筑设计,并为西斯廷小 教堂设计画稿.他的才能又表现在他创造出最合乎当时人们的口味的形象.风格被 特称为一种"秀美"的风格,不仅使当时人倾倒,并且延续了四百年之久,成为后世 古典主义者认为不可企及的典范.
拉斐尔的一生虽然像莫扎特那样短促（两人的生平有许多相似之处），可是有关他的传说及提供的范例却是非常之多。这些传说和范例一方面肯定了这位画家无可争辨的才华，另一方面却也可能阻碍了对这位画家的了解。一提起拉斐尔其人，提起拉斐尔的艺术风格，总离不开“超凡入圣”、“尽善尽美”这些始于瓦萨里的形容词，这使广大公众对拉斐尔（世界艺术史上最伟大的画家之一）的作品无法深刻领会并与之沟通，无法立即把拉斐尔的作品与那些总想用“天才”、“天才表现”等词句来标榜的蹩脚作品分开，从而在他的作品中体味生命的苦闷、浪漫的热情及感情的折磨。
拉斐尔的作品充分体现了安宁、和谐、协调、对称以及完美和恬静的秩序——从这个意义上说，他的作品确实可被称为“人文主义及文艺复兴世界的顶峰”。人们往往忘记或忽略的是这样一种情况：拉斐尔是在历史的中心、在一系列重大事件及某种只持续了很短时间的思想风潮上攀登了顶峰，这个奇迹的创造者是一个年轻人，而这个年轻人以偏巧不得于两位最伟大的巨匠——达·芬奇和米开朗基罗相较量，三人生活的年代前后差不了多少年。拉斐尔找到了“第三条路”，就是对他那个年代所有艺术成就的综合与超越。这正是拉斐尔的光荣及历史作用，那是他凭借艺术与思想、努力与理性，通过坚持不懈的检试、体验与思考而获得的。他的成功归因于他那非凡的才能：把来自艺术的那一崇高的革命性时代（15世纪末至16世纪初）的任何一种激励和启示加以提炼和消化。这表明了他的巨大智慧和高超的造谐。这种能力确实异乎寻常。

Ⅹ 近代欧洲人文主义思想发展的三个阶段

一、文艺复兴时代
以佛罗伦萨为中心.拉丁文是共享文字.
一般来说,西方思想分成三种不同模式看待人和宇宙,第一种模式是超越自然的,焦点在上帝,人是上帝创造的一部份；第二种模式是自然的,焦点集中于自然,即科学的模式,人是自然秩序的一部份；第三种模式是人文主义的模式,焦点是人,以人的经验作为人对自己、对上帝、对自然了解的出发点.
这种区分只是可以用多种方式组合的三种倾向之间的区分,没有严格的界线,更不是如孔德的三阶段规律的另一个翻版：人文主义模式超越神学模式、科学模式又超越人文主义模式,因为这三种模式都陆续有代表,继续发挥影响力,它们之间的关系在竞相自称垄断真理与不同形式的共存之间摇摆.
古希腊思想最吸引人的地方是,它是以人为中心、而不是以上帝为中心的,人文主义尖锐攻击经院哲学的,是它们一心扑在逻辑范畴和形上学的问题,其抽象思维逻辑推理,脱离人的日常生活.不过文艺复兴时期的人文主义,并不想用另一种哲学思想来代替经院哲学,他们只想把经院哲学所忽略的作用复活起来.
人文主义讨论中最喜欢谈到的话题,就是积极活跃的生活、和沈思默想的生活孰优孰劣?沈思默想的生活不再像中世纪占据最重要的位置.
第二个话题是命运的无常,和拒绝对之屈服的精神.这种要制服命运的决心,产生对人的个性和自我意识的兴趣,因此肖像画、自画像、传记和自传数目越来越多,而且是用写实笔法,而不是象征或比喻风格.
我们无法回避奥古斯丁笔下充满罪恶的存在,与文艺复兴时期对人的看法之间的冲突.大多数文艺复兴人没有对这冲突困扰,继续把信仰基督教视为理所当然.
至于少数感到困惑的,可以采取两条道路：新伯拉图主义和圣经人文主义,它们以不同方式代表了文艺复兴时期人文主义中的宗教因素.
新伯拉图主义认为和谐匀称是宇宙的根本原则,人通过沈思默想这种最高的人类活动,可同这两个原则求得一致,这种信念对文艺复兴时期的思想家具有很大的吸引力.在宇宙的等级层次中,人是创造的中心,同所有已被创造的东西联系的环节,是属于物质的较低层次,但仍能够再提高自己与上帝求得相通.
从新伯拉图主义很容易走到神秘主义,所以文艺复兴对魔术、占星术也很着迷,并有兴趣于毕达哥拉斯式数字象征主义、神话及寓言,这都对欧洲的文学艺术产生深刻的影响.
圣经人文主义,就是把人文主义的治学方法应用到圣经的文本、以及教会元老著作的研究.对他们而言,文艺复兴尽管以人为中心,但宗教性不一定就弱.圣经人文主义以北欧为主,也因此,北欧就成为宗教改革运动最主要的泉源之一,许多基督教人文主义者开始都抱有改革教会的目的,他们认为精通古典研究,并把它用于圣经,是恢复基督教导的本来面目的钥匙.而且,路德对牧师的中间角色,以及他坚持个人与上帝的直接沟通,很可以被看做是人文主义的自然发展,正如他坚持把圣经译成各国当地语言一样.
日耳曼境内,路德对初生的民族感情有吸引力,但出了日耳曼,其它基督教人文主义者要追随他,至少得排除两大障碍：1.路德在放弃教会传统与信念方面,越来越走极端,最后干脆与教会决裂.2.路德和卡尔文复活了对人的罪恶本性 的强调；这最后会与人文主义彻底不兼容.
布克哈特有句名言：文艺复兴,是在发现世界、发现人.回归自然、回归古人,是一切看的见的景物的模仿者.
他们描绘具体而普遍的东西,把普遍真理与具体经验结合.
1527罗马遭到洗城之劫后,那布勒斯与佛罗伦萨继之遭到围城之难,接着又是饥荒与鼠疫.意大利剩下最后的一个共和国是威尼斯,它能幸存是因为善于适应时势的变化.
当布勒哲尔画《死神的胜利》之时,早期人文主义对人的尊严和创造力的信心肯定,成了对实际状况的一种讽刺.这种讽刺会在十八九世纪对进步的信心,到二十世纪瓦解后,再度出现.在这种幻灭中若仍要坚持信念,就得安于悲剧.这就是出现莎士比亚悲剧的背后原因.莎士比亚不再相信勇气、美德能掌握命运,人所能做的,不过是以坚毅不拔的态度面对他的失败.
共和国公民精神的失败,也导引出马基维利的《君王论》：为达目的,不择手段.
他们看待人物,不再如新伯拉图：像神,或米开朗机罗：像英雄.不过,尽管如此,人仍位居中心.
宗教战争期间,不管新教改革、或天主教反改革,都着手压制人的精神自由,也不再强调今生今世的生活.
文艺复兴时期的人文主义按其性质来说,是属于个人主义的,因此作为历史力量,它有明显的软弱性,而当某些人组织起来把它当作异端邪说或虚妄幻想加以压抑时,这种软弱性就更加明显了,但是,它所代表的思想,他对人的经验和价值的中心地位,对人的尊严的坚持,力量是太大了,它们一旦被恢复和重新提出,就无法加以永远的压制,尽管在十六世纪末要认识到这一点是困难的,但是未来站在它们这一边.
二、启蒙时代
文化批评家、宗教怀疑派、政治改革派的松散、非正式、完全无组织的联合,巴黎是中心,法语是共享语言.
启蒙时代开启之前,已经有哥白尼与伽利略、培根,探险航海.
宗教战争,使所有思想开始跟神学分家.笛卡耳、史宾诺沙,以及霍布斯.霍布斯把道德社会的基础置于自我保存,最能看出英国内战造成的焦虑感.
启蒙时代开始的十八世纪,开始从宗教战争的怀疑论走出,其乐观,是建立在试验性科学.培根曾在十七世纪时预料到此点,他于1626年去世,结果牛顿诞生了.牛顿生于1642年,死于1727年.大自然开始从神秘中走出,变成可知.
启蒙运动影响力最大的,是运用自然科学的冲击力,让人文学科也脱离神秘的宗教启示.
洛克：政府是一种契约关系,信托是可以撤回的.因此帮英国革命提出辩解.洛克反对笛卡耳所说的人类思想来自天生,他认为来自我们的感官印象.他像牛顿发现自然世界的科学规律一样,发现人心的科学规律.
牛顿和洛克都是英国人,他们在启蒙运动第一期发挥很大的影响力.这是英国比较早享受到自由的结果.
启蒙时代开始攻击笛卡耳的唯理论.他们谈到理性,都是在谈对智力批判性、破坏性的运用,而不是它建立逻辑体系的能力.他们是经验论者.
因此启蒙时代和文艺复兴时代的人文主义,是有连续性、而不是同一性的.他们的解决办法不同.文艺复兴仍可把古典思想和哲学,跟基督教信念、对上帝的信任结合起来,或多少互相容纳起来,神圣,仍是他们的中心主题.
而启蒙时期,宗教复兴已经失去了势头了.尽管宗教建立起来的权力结构仍旧存在,包括财富、迫害异己、剥夺思想自由、垄断教育等等.因此启蒙人士,对教会用尽力量攻击的.
如今他们可以得到自然主义的宇宙观、成功的科学方法,以及批判、怀疑、经验主义的支持,这种用新的思想方法扩大到人类状况和人类社会的改造,是一门人和社会的科学.
而伏尔泰或牛顿,其实都是对上帝虔敬的人.只是他们从人类是堕落救赎的面向,转到上帝的慈爱,一种更跟自然宗教（我们或可称为创造论,韵琳注）结合的观点.
当然这种批判理性,也就用于权威、传统、习俗,不管它们是来自宗教、法律、政府、还是社会习惯方面的.提出问题、要求进行实验、不接受过去一贯所作所为或所说所想的东西,就是启蒙时代的方法论与时代精神.
十八世纪的启蒙思想家很有雄心,想为人类和社会研究,做牛顿在十七世纪为自然研究做的事,这样一个设想的形成本身,就是他们最大胆、最有影响的思想之一,已经成为人文主义传统的一部份.启蒙运动成败参半的纪录,对后世是有预言效果的.
经济学：杜尔戈、亚当‧思密
孟德思鸠：「法意」可说是现代社会学的启蒙,对气候、法律、宗教、治理原则、过去事例、习惯风俗等等形成社会总精神的一切进行了比较性的研究.尽管这会导致社会决定论、历史相对论,他却将自由在道德上的必要性,置于决定论相对论之上,而他也违反自身前后逻辑的,坚持反对专制统治,认为它是不合道德的.对英国宪法分析出「分权」的基础.
在人性的心理和道德分析方面,没有取得像在社会分析方面那样多的成功.
十七世纪的理性时代和十八世纪的启蒙时代最大的差别,就是启蒙时代推翻理性前提,提出经验论.
休谟使用理性一词,只限于得出思想关连的推论和辨别真假,同道德判断所关心的行动、价值、动机和感情,都没有关系.道德的前提,是感情——追求快乐幸福、回避痛苦不幸,我们认可动机行为,均来自感情,而非理性或天启.任何信念或价值,除了人类经验,没有别的.因此要找到最大多数人都想要的幸福.「谋求最大多数人的最大幸福」,比之「契约」,对政治、政府、法律来说,是个更好的基础.
休谟影响了下一代的边沁,他在法国大革命1789年出版的《道德原则与立法工作入门》中提出,立法和制度的试金石,是能否最大限度的增进最大多数的幸福,后来就成为他和哲学界激进份子在十九世纪上半叶鼓吹的立法、政治、经济改革的动力.
启蒙时代的新转折,是鲁索.鲁索声称,从感情、感觉、心灵学到的经验的教训,是理性心智永远学不到的真理,也是唯一能提供正确行动指导的真理. 鲁索刺激了情感的复活和对感性的崇拜.
道德的根源不是理性,也不是自我利益与公共利益的一致、或功利原则,而是「内心的呼声」.痛恨文明社会的腐蚀性,要回返自然,人性本善是大自然的意志,道德来自没有教化的良心.因此跟人是堕落有罪的彻底对立.
根据他的观点创作的「社会契约论」,推导而出：主权在民、全体人民,全体人民要尽力表达普遍意愿.他是第一个阐释人民主权的人,其它启蒙思想家瞩目于开明的君主政体,不信任民主政体.鲁索的政治观点和他的人性论一致.
鲍姆加登美学史,让美学独立出来.
温克尔曼开创了艺术史.
十八世纪七零年代,在德国出现了狂飙运动,反对启蒙时代的理性主义,谴责理性主义把感情的自发性、人的个性、天才的灵感从属于冷冰冰的古典主义理性化规则和不自然的趣味.他们也反对法国霸权.
代表人物是哥德.
另一个代表人物是赫德.将科学研究的理性方法,跟人类现象研究分开,研究人类,英通过历史科学：群体和他们的文化,包括语言、法律、文学、宗教信仰、神话和象征、制度等,认为每一个时期、民族、文化、社会按期特点来说都是独一无二的.没有普遍理想与普遍人性,有的只是多元性,强调个别性、多样化.
这种知识领域需从内部掌握,透过想象性的同情,把自己放在其活动的人类群体或社会之中.
最后是康德,康德书房中的肖像是鲁索.
康德沟通了理性与经验.他的哲学研究一样集中于人,而不是超验的或自然的世界.人的思考、人的经验、人的想象力创造.我们所能知道的只是在人的经验中接触到的东西,人的思考能力对待经验不是随便任意的,而是遵循一定的模式和范畴,这就是经验主义和理性主义之间的桥梁.
而后出现了美国独立革命与法国大革命.
启蒙运动是思想革命,他的对象是知识分子,除了鲁索,对群众并不信任,但它对旧制度的破坏,使革命成为可能.法国革命主要并不是意识型态的,是很多现实因素的结合,但激进派用了启蒙运动的思想,把它变成了口号：公民、社会契约、普遍意愿、人权、以及自由平等博爱.
文艺复兴时代以反人文主义的宗教战争做结.启蒙时代以反人文主义的恐怖统治做结.
三、十九世纪（1789-1914）
理性、自由在政治和经济上的运用,使这个阶段永远的影响了二十世纪.当时的人相信,让所有的人的能量彻底释放,世界会永远进步向前,充满了乐观的心情.
科学替代哲学和收到挑战的宗教,提供精神上的保障和对大自然的掌握,牛顿当年寻找的「原动力」,被从神学中释放,而用热力学第一和第二定律来解释.
孔德企图把自然科学中奏效的方法,应用到社会和道德研究.思宾赛和马克斯都自称做到了这一点.他们得出了可以与牛顿的运动定律相比的一套决定论定律,不容有偶然性、神的干预或个人选择的余地.达尔文则废除了自然科学与人的研究的分界线.
达尔文的理论基础是进化和进化过程中的自然选择过程观点,这结束了人的特殊地位,把人与动物等同.
法国：政治上的运用
第一个预见到平等的要求是无法抗拒的,并且继续提出民主将会有什么后果的,是年轻的诺曼贵族托克维尔,1825出版《美国的民主》,从他对美国的观察,他预见到「为了要保障平等,人们会要求增加国家的中央集权,从而即使出于无心,也会造成新的形式的暴政,他们为了要平等而谋求自由,但是平等越是藉自由之助而确立,自由本身就越难获得,这适成反比.」「人们越来越指望国家,为他们提供安全,预见到他们的需要而供应他们必需品,便利他们的娱乐,指导他们的工业,规定他们财产的继承和遗产的分配,只差没有为他们代劳省得他们思想和生活了.」「或许这正是上帝的意旨,宁可让全体人类得到程度稍差的幸福,不让少数人达到十全十美的边缘.」托克维尔认为拥护自由就是拥护人类的尊严,因此他终生致力于参与反对党、强调分权.但他亲眼目睹短命的第二共和国1848-1852 之后,政府被拿破仑的政变推翻,他以拿破仑三世的称号建立了第一个全民表决的独裁政体,第二共和国把选民从二十万扩大到九百万,但是新选民心甘情愿的把权力交给那个对人人许诺一切的人,而他唯一的本钱就是有一个伟大的名字.他代表了条件平等和暴政权力的结合.
托克维尔因此写书证明,中央集权化政府机构不是革命创造的,而是革命之前的旧制度建立的,法国革命不但没有推翻它,反而继续了它,政权变异,但中央集权的结构依然故我.
社会主义则更往前进一步.原先社会主义者基于人道主义一直强调财富和机会的不平等,但马尔萨斯阐明工资不能调高到超过维持生活的水平,否则任何增长都会因为它带来的人口增长而抵销掉.
直到马克斯才把社会主义放到另一个不同但坚实的基础上,他引用的是历史决定论.其实这基础跟人文主义传统正好背道而驰,但马克斯创造了对待社会和历史的全新态度,给人类知识一个新途径.
德国：艺术上的运用
德国像文艺复兴时期的意大利,在艺术中找到表现途径,音乐达到了完美的古典形式,把人类的深刻感情和新形式发展中的无与伦比的创新力量做了完美的结合.
哥德可以代表这个时期的特点.刻意培养平衡与和谐,让文学和其它学科结合,研究自然科学,用客观世界来制约过度主观的时代通病,因着科学研究,也就有了有机体的观念,不相信机械原理可以用到任何活的东西,也不相信可以用分析的方法,把有机生命本体存在分解开来.
制约自然中的形式规律,和制约一首诗、一支曲子或者一件艺术品的形式规律是一样的.人应当把所有能力——感官、理性、想象力、理解力——发展成为一种真正的统一体,他对其中任何一种能力本身都不信任,不论是想象的、还是抽象的、或者是意志的.
另一个代表人物是席勒.
在他们的影响之下,德国对思想塑造生活的力量、以及个人自我修养的能力有着共同的信仰.
席勒特别相信,艺术形式——在他身上自然是诗歌和戏剧——的经验比别的东西更能唤醒人们,「通过美的晨门,我们进入真的领域.」
德国因着重视自我修养,所以被托克维尔和弥尔批评不关心不投入时局.
洪堡投入教育.
至于施莱马赫,对日耳曼新教影响仅次于路德.
他提出一种人文主义观点的宗教,对上帝的信仰不是通过神学论据或者基督教教条——通过基督的受难而获赎罪——而是来自个人的人性意识：「个人内心中神的最高指示,邀请到时间领域之外去过不朽的生活,不受时间的严格规律的约束.」要发现人内心中会起作用的神,也就是人性最崇高的发现,需要有意识通过培养一个人的内心生活,并在行为中表现出来.这是「感觉的神学」. （赫德、黑格尔、马克斯）
英国
人与自然的关系,是英国诗歌的伟大主题.随着工业化的污染,这主题更被加强了.雪莱、济慈、华兹华斯.
柯立芝矫正之前边沁的观点,认为边沁观点只能用于经济,但对社会与历史与文化的哲学,柯立芝强调有机的观点,他们认为资本主义发展过程中已严重忽略了人之身为人的价值.
弥尔非常欣赏柯立芝.弥尔的「论自由」.
如果仅仅强调一般男女能够达到尊严、善良和伟大的潜在能力,而忽视我们大多数人是有分裂人格的,很少人能够达到人应当达到的程度,那么,这样一种人文主义就是浅薄、说不通的.
小说家就是在扮演这个角色.透过小说呈现出丑陋人性与苦难世界.
女作家乔治‧爱略特,和诗歌、评论家阿诺德.
评论家拉斯金、莫里斯对社会中产阶级的批判.
一般称呼一八七0到一九一四年这个时期是自由主义的顶峰时期是完全有理由的,人文主义传统对此做了不少贡献.但是此后它就丧失了继续成长的力量和气势.贸易保护主义、社会主义、帝国主义纷起.
四、二十世纪
1883年,丹麦批评家布兰迪斯（George Brandes）出版《取得现代突破的人们》（Men of the Modern Breakthrough）,从此「现代」一词流行起来. 尼采激起对非理性的着迷,伯格森的直觉主义、索列尔的暴力说、弗洛伊德对无意识和梦境的探索.以及为艺术而艺术的美学崇拜,进行各种试验,一场感官的混乱.这一切都对人文主义传统造成混乱,因为没有客观性对主观性的制约.
瑞典戏剧家斯特林堡（1849-1912）,剧中的人物：「 由于他们是现代的角色.比以前更强烈的歇斯底里、分裂的、动摇的,他们是过去和现代的结合、书本和报纸的点滴、人性的残片、上等服装的破烂、拼凑在一起,就像在人的灵魂中一样.」他自己的人生也是一场地狱危机、一场精神崩溃.（他影响了伯格曼）他的读者群在战后大量出现.
简而言之,开始出现异化、无连续性、非理性、分裂化、经常绝望的世界观,来代替理性、乐观与秩序.
人类学、社会学和历史学是不能分家的,否则各自都有偏狭化的危险.
现代社会学的两个领袖人物,涂尔干按照法国理性主义传统,对历史表现出不信任,偏向以定义和分析来进行研究；韦伯则按照德国的历史主义传统,对定义表现出不信任,偏向于根据历史情况来进行理论探讨.前者是让社会学变成实证理性科学,要让社会学超脱历史人文的主观性,后者则是要将它与历史人文结合起来.
宗教心理学：威廉‧詹姆士,容格
心理学：弗洛伊德、阿德勒
现代艺术文学透过他们的新形式,实现双重革命：一是承认人类的分裂本性和非理性因素,在个人生活和社会所起的作用,二是承认意识的破碎性、经验的暧昧性和真理的相对性.
于是,构成人文主义的新版本出现了.
但文人主义的核心要素不变：那就是1.人为中心,2.人有价值与尊严,为了让人有价值与尊严,需透过教育和争取自由,让人有选择能力与意志自由.3.重视思想,既不让思想孤立于社会和历史背景,也不想简单的归因,不管是归因于阶级利益、经济利益、性或其它本能冲动.
理性既成为人文主义的核心,也成为辩论的主题,它一再被拿出来辩论：到底它的范围和成就是什么?鲁索和哥德就已对过份高抬理性提出质疑了.极端的理性和非理性都有违人文思想所需要的平衡性.
人文思想核心要素的三点,都不妨害人文主义拥有宗教向度.历史以多次证明教跟人文思想的结合.人文思想跟宗教最不同可画出界线的地方,其实不在世俗性,而是在人类堕落的理论、和人文主义对人类能力的信任.这两个极端的例子,显现在神学家巴特坚持人和上帝之间没有通路、和罗素坚持人类必须完全依靠自己,在对人类充满敌意的宇宙中,为理想奋斗,也只有理想是值得尊敬的.
在这两种极端之间,充满宗教与人文思想的结合.从伊拉斯膜斯的人文主义治学方法,到自然宗教、感情宗教,甚至会跟不可知论结合.
人文主义的价值观,和尼布尔的基督教现实主义、史怀哲的尊重生命、马丁布伯的我—你关系,全都兼容,甚至是他们哲学思想中的必要成分.
任何形式的人文主义者,若相信宇宙中存在一个比我们自己伟大的力量,并可以指望他给我们帮助,就结合了宗教信仰.
二十世纪的人文主义还要面对的另一个大课题,就是它跟科学之间的关系.研究人永远不能等同于研究人的生理载体. 最初由维科提出,而后伏尔泰、卡西尔等德国思想家,到克罗齐、柯林乌发展的观点,一再提出自然世界以外的人类文化世界,它需要用人文学,也就是社会科学来掌握和了解.哥德主张的平衡,正是自然世界和人文世界,客观世界和主观世界的统一.
二十世纪人文主义面对的未来,正是需要把这种大分家的情势结束,二者结合、又能不失各自的独立性和有效性.
五、人文主义的未来
在十九世纪八零年代到二十世纪三零年代之间,一种新版本的人文主义开始出现,打破了较早时期的乐观假定,认为出发点应该是承认人性的双重性质,承认个人和社会身上的非理性力量,这是由易卜生、弗洛伊德、韦伯这样的先驱者早就阐明了的.
任何一种关于人的哲学,在经过了二十世纪中期以后,没有一种能保持完整无损的,同人文主义的观点一样,基督教、马克斯主义、科学的观点都是这样,都要经过一番斗争,才能认识到这一历史时期的经历所揭示的人类苦难的深沈和人性邪恶的不可测.因此势必会有新版本出现.
有人宣称人文主义是属于资产阶级个人主义阶段的一种意识型态,但这种情况只在人文主义历史中的某个阶段出现,不仅古代世界的人文主义、或文艺复兴时期的人文主义,都无法套入这种说法中；它还明显忽略掉人文主义中对经济个人主义的批判态度,这种经济个人主义,终于在一再被批判后,出现了政府干预的政治纲领.
因此实在没有理由把经济个人主义,和具有根本意义的人的个体性等同起来；而后者对人文主义传统具有核心意义的重要性.个体性并不是原子式的孤立,相反的,按照人文主义的观点,社交的冲动、发展人际关系的愿望、关怀和合作的需要、要想属于某个人群团体的需要,这一切都是人的生活的必要组成部分,如果没有这些要求,个人的身份仍是不完全的.
与别人结合在一起采取行动是人类最大的潜在资产之一,人不仅是各有不同特性的个体,而且是社会的存在.
六百年来人文主义传统代表的东西：拒绝接受决定论或简化论的关于人的观点,坚持认为人虽然并不享有完全的自由,但在某种程度上仍掌握着选择的自由.但是人文主义态度并不保证大家都会做出好的选择,正确的预见结果,或者避开灾祸,而只保证,如果我们能找到勇气和意愿来作选择,那么仍有很多选择供我们去作.