创造人类名画

Ⅰ 名画＜创世纪＞的作者是谁

《创世纪》是米开朗基罗画在梵蒂冈西斯廷教堂礼拜堂天花板上的壁画，作品场面宏大，人物刻画震撼人心，是米开朗基罗的代表作之一。
米开朗琪罗为罗马西斯廷教堂创作的巨幅天顶画《创世纪》，人物多达300多人，分成中央和左右两侧三个部分。西斯廷教堂天顶画是米开朗基罗在绘画创作方面的最大杰作。它分布在该教堂整个长方形大厅的屋顶。整个屋顶长36.54米，宽13.14米，平面达480。
其中《创造亚当》是整个天顶画中最动人心弦的一幕，这一幕没有直接画上帝塑造亚当，而是画出神圣的火花即将触及亚当这一瞬间：从天飞来的上帝，将手指伸向亚当，正要像接通电源一样将灵魂传递给亚当。这一戏剧性的瞬间，将人与上帝奇妙地并列起来，触发我们的无限敬畏感，这真是前无古人，后无来者。
体魄丰满、背景简约的形式处理，静动相对、神人相顾的两组造型，一与多、灵与肉的视觉照应，创世的记载集中到了这一时刻。上帝一把昏沉的亚当提醒，理性就成了人类意识不停运转的"机器"。亚当慵倦地斜卧在一个山坡下，他健壮的体格在深重的土色中衬托出来，充满着青春的力与柔和。他的右臂依在山坡上，右腿伸展，左腿自然地歪曲着。他的头，悲哀中透露着一丝渴望，无力地微俯，左臂依在左膝上伸向上帝。上帝飞腾而来，左臂围着几个小天使。他的脸色不再是发号施令时的威严神气，而是又悲哀又和善的情态。他的目光注视着亚当：他的第一个创造物。他的手指即将触到亚当的手指，灌注神明的灵魂。此时，我们注意到亚当不仅使劲地移向他的创造者，而且还使劲地移向夏娃，因为他已看见在上帝左臂庇护下即将诞生的夏娃。我们循着亚当的眼神，也瞥见了那美丽的夏娃，她那双明亮妩媚的双眼正在偷偷斜视地上的亚当。在一个静止的画面上，同时描绘出两个不同层面的情节，完整地再现了上帝造人的全部意义，这是何等高超的绘画技艺。

Ⅱ 容易模仿的世界名画有哪些

1、达文西 《抱貂的列奥纳多夫人》

2、戴维 《马拉之死》

3、巴尔蒂斯 《Therese Revant》

4、 梵高 《亚专尔的卧室属》

5、卡斯帕戴维弗里德里希 《雾海上的流浪者》

6、格兰特伍德 《美国的哥特式》

《创造亚当》是米开朗基罗创作的西斯廷礼拜堂天顶画《创世纪》的一部分，创作于1511至1512年间的文艺复兴全盛期。这幅壁画描绘的是《圣经·创世纪》中上帝创造人类始祖亚当的情形，按照事情发展顺序是创世纪天顶画中的第四幅。作为世界名画之一，后世出现了许多《创造亚当》的仿作。

《蒙娜丽莎》可以说是世界上最著名的油画作品，很少有其他作品能像它一样，常常被人审查、研究或是演绎。达芬奇在1502年（意大利文艺复兴时期）开始创作《蒙娜丽莎》，并根据瓦萨里的记载，这幅画耗时4年完成。画中描绘了一位表情内敛的、微带笑容的女士，她的笑容有时被称作是“神秘的笑容”。

Ⅲ 世界名画有哪些

1、《披纱巾的少女》又名《冬娜·薇拉塔》，据传是拉斐尔为意中人画的肖像。画家运用了极为丰富的绘画预言，充分发挥色彩表现力，每一笔都流露出一丝不苟的认真态度。

这种大胆的用亮色来转换色彩的手法，显示了拉斐尔对绘画语言的自如运用，在16世纪的西方油画中实属首创。由于以真实对象为基础，作品刻划的理想化女性成份减少，去掉了不必要的神秘色彩，增强了形象的真实感，塑造了一位平凡而又具审美理想的女性。

2、画家在这幅画中采用了明快的大笔触，以加强形象的表现力，并有意给这个到处漂泊的穷苦女郎增加快乐的情绪，以表现吉卜寨少女的热情、豪爽。

这幅画与其说是肖像，不如说更象一幅风俗画。画中少女没有宫廷女性的矫揉造作，没有思想束缚，充满民间气息。画家以敏锐的观察力、娴熟的技巧和热烈的色调，把这个吉卜寨少女表现得神采飞扬，栩栩如生。

3、伦勃朗的晚期，自画像有了鲜明的个性表现。在这幅画像中，他很注意脸部的内在气质，并着意于其中蕴涵着的内在语言。

画中的伦勃朗，一双眼睛炯炯有神，似乎在严肃着思考着什么，背景被淡化了，画家用简约、阔大的笔触，去表达他的内心情感，而那严肃的神情，正是他生活重压日益加剧的外在反映。

4、《洗澡》这幅作品，画家将孩子与母亲的身子和手臂拉得很长，让其在画面上伸展开来。并运用俯瞰的方法，使背景色彩的分布划分为上下两部分，花纹墙纸的赭色与地面地毯图案的红棕色，通过母亲的条纹服装衔接起来，使色调在表现情绪中融为一体。

画家运用这种形式、色彩的目的，是刻画母女之爱，特别是着力于刻画女孩的可爱、母亲亲昵的动作，从而加深对母爱主题的烘托。

5、取材自《圣经》中的上帝创造世界的传说。上帝创造的人类始祖亚当，被画家描绘为体格健美的青年，充满了现世人物的真情实感。

在绘画技巧上打破了中世纪那种独立空间和单纯装饰的处理方式，并且以极其写实的手法完美地刻画了"人"的形象，这个形象意味着对自身的认识和觉醒，代表着文艺复兴绘画的经典性。

6、这是一幅色调优美、充满浪漫气息的油画。在绿色植物构成的背景前，身着白色长裙的女孩，手捧丁香花瓶，亭亭玉立。白色的长裙与繁茂的丁香花朵交相辉映，丁香花香溢满画面，使画面充满诗意与浪漫情调。

7、这件油画以写实的造型、学院派的严谨，描绘了两个女郎在日本艺术品面前的欣喜情景。在繁复而又凝重的背景前，两个女郎的红、白服饰被突出出来，她们面容俏丽、神情专注、天真可爱。画家以此为题，表现了生活优裕的女子的闲情逸致，更显示出他油画艺术的高超技巧。

8、这是身着和服盛装的欧洲少女。以红色为主调的和服，烘托出热烈的气氛与情调，少女右手执扇遮着下巴，朱唇轻启，笑意满脸。这是一个聪明伶俐的少女形象，充满青春的魅力。画家以写实的造型手法，生动地描绘了少女的笑靥、红色的和服和淡雅的环境。

9、莫里索喜画肖像题材，特别是妇女与儿童的肖像。这副画事实上画的是母女两人的肖像，母亲的黑衣与女儿的白衣形成鲜明对比。

光线从左侧射来，使女儿的白衣出现丰富的变化，母女的脸部都在光影中显出安适的神情。作品清新、流畅、纯洁、细腻，每一笔触、每一色块都包含着丰富的情感。

10、马奈不是真正意义上的印象派画家，在这幅作品中，他没有把造型完全溶入“光”与“色彩”的表现中、而是体现出对固有色的敏感，如瓦朗斯的白色纱巾、黑花裙子等，都成为他绘画的基础。

同时，他在大面积明暗对比中，展示出技艺高超的古典技法。这幅肖像画标志着马奈炉火纯青的油画艺术与独特的艺术思考。

Ⅳ 米开朗琪罗名画《创造亚当》有什么深层含义

1. 《创造亚抄当》是根据创世纪第二袭章：“耶和华神用地上的尘土造人，将生气吹在他的鼻孔里，他就成了有灵的活人，名叫亚当，耶和华在东方立了一个伊甸园子，把所造的人安置在那里。”米开朗基罗为了集中注意力于大神的创造，以及亚当的诞生，便把神和亚当安量在左右两边的空中和陆地上。右边是耶和华大神，飞翔在空中，他左手抱着天使们，右手伸向亚当。亚当全身裸体，躺在左边的陆地上，一手伸向大神。神与人的手指象接电似的相互交流，这里表现了充满精力的老人和年轻而美丽的生命的诞生。这一戏剧性的瞬间，将人与上帝奇妙地并列起来，触发我们的无限敬畏感。

2. 另外，也有有意思的解读，比如最近的美剧《西部世界》里也说到了：上帝的那一部分形状和人的大脑是一样的，意思就是——不是什么上帝创造了人，而是人自己的意识。
   

Ⅳ 米开朗基罗的名画《创造阿当》的详细介绍！

梵蒂冈 西斯廷教堂藏
【作品赏析】《创造亚当》是米开朗基罗的代表壁画中的重要部分。因为他在佛罗伦萨的盛名，当时的罗马教皇尤里乌斯二世邀他参加制作教皇陵墓，后又中断。1508年他被迫接受了西斯廷礼拜堂屋顶壁画的任务，他当时的心情是悲愤的，不料此壁画后来成为他生平最大杰作。
西斯廷屋顶壁画面积达500平方米左右，是美术史上最大的壁画之一。米开朗基罗在大厅的中央部分按建筑框边画了连续9幅大小不一的宗教画，均取材于《圣经》中有关开天辟地直到洪水方舟的故事，分别名为《神分光暗》、《创造日,月,草木》、《神水分陆》、《创造亚当》、《创造夏娃》、《诱惑与逐出乐园》、《挪亚献祭》、《洪水》、《挪亚醉酒》。这幅巨型壁画历时4年多才完成，由于长期仰面艰苦作画，他颈项僵直，书信都要置头顶仰视。壁画中以《创造亚当》最为出色，画中亚当的形象体态健壮，气魄宏伟，具有强烈的意志与力量，显示了艺术家在写实的基础上非同寻常的理想加工，予同时代人深刻的启示。
《创造亚当》是根据创世纪第二章：“耶和华神用地上的尘土造人，将生气吹在他的鼻孔里，他就成了有灵的活人，名叫亚当，耶和华在东方立了一个伊甸园子，把所造的人安置在那里。”米开朗基罗为了集中注意力于大神的创造，以及亚当的诞生，便把神和亚当安量在左右两边的空中和陆地上。右边是耶和华大神，飞翔在空中，他左手抱着天使们，右手伸向亚当。亚当全身裸体，躺在左边的陆地上，一手伸向大神。神与人的手指象接电似的相互交流，这里表现了充满精力的老人和年轻而美丽的生命的诞生。体现了创造者的权威和被创造者的信心。
《创世纪》
《创世纪》是一幅布满西斯廷教堂整个天顶的巨大画幅，200多个男女形象分布在天顶，包括梁柱间的壁面上，背景均是蓝色的天空，天顶的中间部分描绘了九幅主题画，有“上帝区分黑暗与光明”、“创造日月与动植物”、“创造鱼与海中动物”、“创造亚当”、“创造夏娃”、“堕落与亚当夏娃被逐出乐园”、“诺亚筑祭坛”、“洪水”和“诺亚醉酒”。每幅主题画周围有十二个各种姿态的裸体像。窗檐的两边共有12个壁龛，每个壁龛绘有一位预言者或巫女，他们分别是先知和女先知，间隔地出现在壁龛中，显现着强烈的性格和意志，充满着创造力和洞察力。左右八个小三角档之间是“基督的故事”。四角的四个大三角档之间绘有“礼拜铜蛇”、“大卫和伊利亚”、“哈曼和以斯帖”、“朱提斯和荷罗非斯”四个圣经故事场面。在三角档之间的两道空白壁画上，还画着两对裸体青年。虽然由于建筑梁柱的分隔而形成许多大小不一的画面，且有相对的独立性，但是令人惊奇的是整幅巨画又有着完整的统一性。
在整幅《创世纪》天顶画中，“创造亚当”是最引人注目的一幅画面。画的右上方是一位富有智慧的长者，在天使们的簇拥下，飞向亚当；画的左下角是亚当，他全身裸露，倚躺在一座绿色的小丘上。米开朗琪罗在创作这幅画时，对原来的故事情节稍稍作了一些改动，他把原来应由上帝将生命的灵魂吹到亚当身上这一情节改变为上帝将手伸向亚当，以与亚当向上帝伸出的手相接。画面上的亚当似乎刚从睡梦中醒来，抬头望着主神，身体的上半部也由于主神的到来而微微抬了起来，目光中流露出渴望得到智慧和力量的神色，左手正缓缓地伸向主神，几乎就要与主神向他伸出的手相接触，那生命的火花即将要从主神的指尖跳到亚当的指尖。这是创造人类生命最关键的一刹那。可是那两个指头之间的那么一丁点儿空隙却被米开朗琪罗永远地保留下来了。他让观赏者用自己的思维去填补它。在与观赏者交流这一点上，米开朗琪罗一直是十分聪明的。

附天顶画的面积是14×38.5m，中部由九个叙事情节组成，以圣经《创世记》为主线，分别为"分开光暗"、"划分水陆"、"创造日月"、"创造亚当"、"创造夏娃"、"逐出伊甸"、"挪亚祭献"、"洪水汜滥"和"挪亚醉酒"。绘制的壁柱和饰带把每幅图画分隔开来，借助立面墙体弧线延伸为假想的建筑结构，并在壁柱和饰带分隔的预留空间绘上了基督家人、十二位先知以及二十个裸体人物和另外四幅圣经故事的画面。米开朗基罗以自身处境与周边环境的和解最终让西斯庭天顶和创世记言归一体。
天顶画分为两个创作阶段，第一阶段从1508的冬天至1510年的夏天，第二阶段从1511年2月到1512年10月，历时四年。米开朗基罗把自己封闭在教堂之内，拒绝外界的探视，从脚手架设计到内容安排、从构图草创到色彩实施全部由他一人掌握完成。居高不下的处境，曲身仰视的姿态，集中的心情，舒展的灵思，一天天慢慢缩小着一块块距离，一块块慢慢充实一天天的内容。辛苦到达的天界，回过头去谁也不曾看到过。
两个创作阶段的风格有着时限的差别，构图和形式越来越简化。照顾到人们受可视距离限制的生理条件，向往立于十八米之下的人们更清晰"天庭"的运动，米开朗基罗减少了画面中人物的数量和故事的细节，突出了主体的形象并且强调了活动的节奏。西斯庭天顶画中最重要的作品是第二阶段绘制的《创造亚当》。体魄丰满、背景简约的形式处理，静动相对、神人相顾的两组造型，一与多、灵与肉的视觉照应，创世的记载集中到了这一时刻。上帝一把昏沉的亚当提醒，理性就成了人类意识不停运转的"机器"。
16世纪的文艺复兴盛期是欧洲文明的一道分界线，把西方基督教世界分成了中世纪和现代，也把基督教分成了天主教和基督新教。外围的影响和自身的调整是自然生成和社会发展的因子。耶路撒冷和雅典的分庭抗礼、人文主义的诘难和基督教文化的对应是西方现代社会结构的注释，人类没有理性一次性可以跨越的门槛，信仰基于人类的一颗易受波动的心，"提醒"是每天的功课。
文艺复兴的艺术家们受惠于古代艺术的新发现和再认识。考古发掘上的成绩激发了世人研究古代艺术的热情；人类对自身生存环境的认识带动交通业的发展保证了文化沟通的进一步可能；资本意识下的工场手工业经济的发展促动了以行业分工和市场调节的社会结构的建设：《拉奥孔》等一系列艺术珍品发现于这一时期；哥伦布的探险已经完成；资本主义生产模式已初露萌芽。这里有异教的文化的影响也有基督教文化的因素。正像上帝与亚当互相牵动的手，相握而立。生活是一架灵修操守和机械运转并置做工的机器。基于此，做工的平等意识是亚当立身的意义。做工即包含了创造的基因，做工的平等决定了职业社会中个人生命创造成分的实现。放弃上帝相携的手而争取社会上的诸多平等，包括自由的平等，只能是不平等的恶性循环。文艺复兴盛期的艺术活动首先在意大利确立了这样一个事实：艺术家不再是一个工匠，而是一位创造者，和诗人、智者、朝臣一样，他们不仅依靠他们的行业技术同时也依靠他们的灵性，人们心目中把艺术家奉为天才的概念由此而生，为以后的职业化社会预设了伏笔。这是一次从历史上从时间上寻找人类活动动力的革命。同样，现代艺术的兴起是一次从环境中从空间中寻找人类活动动力的革命。现实主义口号的提出是针对人类一贯的乌托邦情结；印象主义是受现代科学技术的精神鼓舞；后期印象主义和立体主义在东方艺术和非洲艺术中得到了启发；在此之后直至后现代艺术名目繁多的艺术主张则是出于对中心主义的解构：自由、平等、博爱口号的提出是人们对社会建构的实践；工业化进程预言技术时代的来临；回归自然意味着人们从生活的现实之中而不是从过去的历史、从局限的地域中寻找为人成立的关系；经历了二次世界大战之后的欧洲对人文理性的张扬表示怀疑。人们从理想的社会模式转而思考合理的社会结构，对社会结构的关注影响职业的语意构筑，平民化的社会进程亦是职业语意的实现，为人的活动都在职业中实现，即"做工包含了创造的基因，做工的平等决定了职业社会中个人生命创造成分的实现。"所以现在人们提出"人人都可以是艺术家"的口号，其语意在于职业中人不再是一个工匠，同时含有创造的价值，和艺术家一样。每个人的一生都可以是一次创造性实现的平等概念由此而生。创造性重要，创造性的合理保障更重要。实际上大家都知道，合理的社会结构并不需要太多的艺术的职业，而是需要太多的职业的艺术。上个世纪的历史背景致使无论东方还是西方都必需重新思考信仰这一人类的课题。从这一课题本身来讲，东西方没有差异，而我们所要做的工作却要复杂的多。既要指证西方社会中人文主义和基督神性的差异，又要应对社会发展中两者之间和两者自身的种种冲突。
继西斯庭天顶壁画的二十多年以后，1535年，米开朗基罗只身一人又完成了另一幅代表作，西斯庭祭坛壁画《最后的审判》。这幅壁画覆盖了这块面壁上原先由拉裴尔(Raphael)的老师佩鲁吉诺(Perugino)绘制的几幅壁画，从佩鲁吉诺传世的经典作品《基督把天国的钥匙交给彼得》来看，这对于我们也是一件值得惋惜的事情，也许佩鲁吉诺相信天国的钥匙既在上帝之手同时也在世人之手，人间会有疏忽，天国会有人类的关怀。《最后的审判》这幅壁画的实际尺寸是13.7×12.2m，历时六年。在这幅画中，基督的动作不在于重申救赎的理论，更在于强调惩罚的信条。基督高扬的右手一如既往地示意把不在生命册上的亡众挥入火湖，被挥入火湖的还有死亡和阴间。基督的左手却不是托起获救的生灵，而是指向自己躯体上被钉十字架时受枪刺的创伤。米开朗基罗在《创世记》一画中和《最后的审判》一画中以上帝手指的动作指证了一个人类过程的寓言。基督诞生是人类新纪元的开端，那个时候上帝死了已既成事实。米开朗基罗执意说破文艺复兴仍然是对上帝信仰的问题。
《创世记》两个创作阶段的风格有着时限的差别，米开朗基罗早期作于1503年的一幅板上绘画作品《圣家族》平和优化的情感、样式和艳丽鲜明的心境、颜色与其后期绘画风格也有着明显的不同，后期绘画作品中的人物情绪和形式越来越激化冲动，画家的心情和用色越来越隐晦不明，视域是越来越扩展地触及事件发生与所在场景或此或彼的联系：峰起的造型像是在沙滩看大海怎样涌潮，光彩暗弱的现实是流失的激动，视线下沉的远方依然是现代的风景。
米开朗基罗最后的两幅壁画作品应该是1550年绘于梵蒂冈巴奥林纳小教堂的《保罗归宗》和《彼得殉难》。构图处理仍然是人物众多的场景展示，表现的焦点还是集中在"归宗"和"殉难"事件最敏感的瞬间--上帝让保罗从马上跌落；人们把彼得在十字上竖起。从米开朗基罗绘画作品的风格形成和创作走向可看出画家一生内心世界的张力关系。无论是高扬画家人文精神的一面还是叙述作者宗教情怀特点都未免过于简单，无论是指责委托方的苛刻要求还是肯定受托方的人格对应都未免过于抽象。同样，从画面的外观形式分析，米开朗基罗的造型风格既是创造精神的源泉也是矫饰主义的鼻祖，后来的唯美主义和为艺术而艺术的形式主义都可以在此找到理性和感性的出处。况且，就是精神，包括宗教精神和基督性本身即存在着差别，精神更是一个危险的任人弘扬的信号。

Ⅵ 毕加索的名画有哪些 最著名的是哪幅

毕加索的作品有：《斗牛士》、《科学与慈善》、《熨烫衣服的人》、《两姐妹》、《马上的姑娘》、《亚威农的少女》、《读书》、《穿衬衣的女子》等。其中最著名的是《格尔尼卡》。

1、《穿衬衣的女子》中，一袭若隐若现的薄纱衬衣，轻柔地勾勒着自黑暗中涌现的侗体，坚定的延伸，流露出年轻女子的傲慢与自信。鬼魅般地流动着纤细隐约的美感。整体气氛的传达幽柔细致，使得神秘的躯体在氤氲中垂怜着病态美；拼贴艺术形成的主因，源于毕加索急欲突破空间的限制，而神来一笔的产物。实际上拼贴并非首创于毕加索，在19世纪的民俗工艺中就已经存在，但却是毕加索将之引至画面上，而脱离工艺的地位。

2、《亚威农的少女》彻底否定了文艺复兴时期以来视三度空间为主要目的的传统绘画。毕加索断然抛弃了对人体的真实描写，把整个人体利用各种几何化了的平面装配而成，这一点在当时来说，是人类对神的一种亵渎行为。同时它废除远近法式的空间表现，舍弃画面的深奥感，而把量感或立体要素全体转化为平面性。这幅画，既受到塞尚的影响，又明显的反映了黑人雕刻艺术的成就。强化变形，其目的也是增加吸引力。毕加索说：“我把鼻子画歪了，归根到底，我是想迫使人们去注意鼻子。”

3、《读书》（La Lecture），展示了毕加索（Pablo Pieasso）的金发情人瓦尔特（Marie-Therese Walter）胸口半露地搭着披肩、膝上搁着一本书，坐在椅子上头倚着红色椅背打瞌睡的模样。该画在2011年2月8日于英国伦敦再次成交，以九百万英镑为底价，六分钟内有至少7名来自世界各地的买家投标，最后由俄罗斯客户通过电话买下，成交价为两千五百二十万英镑。

4、油画《格尔尼卡》，是毕加索作于20世纪30年代的一件具有重大影响及历史意义的杰作。此画是受西班牙共和国政府的委托，为1937年在巴黎举行的国际博览会西班牙馆而创作。画中表现的是1937年德国空军疯狂轰炸西班牙小城格尔尼卡的暴行。作为一个具有强烈正义感的艺术家，毕加索对于这一野蛮行径表现出无比的愤慨。他仅用了几个星期便完成这幅巨作，作为对法西斯兽行的遣责和抗议。

(6)创造人类名画扩展阅读：

毕加索作品风格：

1、空间色彩。

毕加索绘画的主要趋势是丰富的造型手段，即空间、色彩与线的运用。

30岁以后毕加索进入一个又一个不安分的探索时期，他的作品和他的生活一样没有丝毫的统一，连续和稳定。他没有固定的主意，而且花样繁多，或激昂或狂躁，或可亲或可憎，或诚挚或装假，变化无常不可捉摸，但他永远忠于的是——自由。世界上从来没有一位画家像毕加索那样以惊人的坦诚之心和天真无邪的创造力，以完全彻底的自由任意重造世界，随心所欲地行使他的威力。

2、立体主义。

一般说来，《亚维农的少女》是第一件立体主义的作品，而立体主义运动则通常可分为两个阶段。一个阶段是1912年之前的所谓分析立体主义。画家们继承塞尚对绘画结构进行理性分析的传统，试图通过对空间与物象的分解与重构，组建一种绘画性的空间及形体结构。

1912年以后，立体主义运动进入第二阶段，通常称为综合立体主义。此时在画中色彩起了有力的作用，但形体仍然支离破碎，只是更大和更富于装饰性。画家们新创出一种以实物来拼贴画面图形的艺术手法和语言，进一步加强了画面的肌理变化，并向人们提出了自然与绘画何者是现实，何者是幻觉的问题。立体主义虽然是绘画上的风格，但对20世纪的雕塑和建筑也产生了深远的影响。

Ⅶ 介绍几幅世界名画，画的内容要有象征意义或对人类社会有重大影响的，谢谢了

达芬奇 《最后的晚餐》意大利伟大的艺术家列奥纳多·达·芬奇所创作，是所有以这个题材创作的作品中最著名的一幅。此画无可争议地成为世界美术宝库中最完美的典范杰作。这幅画，是他直接画在米兰一座修道院的餐厅墙上的。沿着餐桌坐着十二个门徒，形成四组，耶稣坐在餐桌的中央。他在一种悲伤的姿势中摊开了双手，示意门徒中有人出卖了他。该画420X910厘米，现藏于米兰圣玛利亚德尔格契修道院 (Milan Santa Maria delle Grazie)。 《蒙娜丽莎的微笑》是意大利文艺复兴时代著名画家达·芬奇的肖像画作品。画中的主人公是当时的新贵乔孔多的年轻的妻子蒙娜·丽莎，这幅画画了4年。 那时，蒙娜丽莎的幼子刚刚夭折，她一直处于哀痛之中，闷闷不乐。为了让女主人高兴起来，达芬奇在作画时请来音乐家和喜剧演员，想尽办法让蒙娜丽莎高兴起来。 这幅画完成后，端庄美丽的蒙娜丽莎脸上那神秘的微笑使无数人为之倾倒。 米勒 《拾穗者》是法国画家米勒在1857年创作的著名油画，画面描绘了描写农村秋季收获后，人们从地里拣拾剩余麦穗的情景，是现实主义美术风格的典型代表作。该画现珍藏于巴黎奥赛博物馆内。梵·高 《向日葵》 梵·高最有名的作品无疑是这幅《向日葵》。仅由绚丽的黄色色系组合。《星夜》梵高画的那些爆发的星星，和那个时代空间探索的密切关系，要胜过那个神秘信仰的时代的关系。大卫 《马拉之死》 是大卫的一幅名画，它因马拉的特殊身份和简洁有力的形式而为人们所熟知。马拉（Marat，1743－1793年）是雅各宾派的核心领导人之一。雅各宾派当政以后，他因为卓越的号召能力而成为该派的主席，负责处理众多日常事物。他患有严重的皮肤病，每天只有泡在洒过药水的浴缸中才能缓解痛苦，于是，浴室就成了他最经常呆着的办公场所。1793年7月11日，一位持不同政见的女士借口商谈事宜，进入马拉的浴室，并在毫无防备的情况下行刺，使这位革命领导人在自己的工作岗位上死去。库尔贝 《抽烟斗的人》 在1846年间他创作了以自己为主题的“抽烟斗的人”。这幅画富有灵感，暗红色的背景，灰色的上衣，带 抽烟斗的人有灰绿色阴影的白色衬衫，黑色的头发和胡子围笼着带有橄榄色阴影的微红脸部；这个脸画得犹如提香的手法那有有力。肩膀厚实，脸部的柔和感觉表现得极其雅致。《石工》石工》是现实生活中最底层社会劳苦人的真实写照。因此，有人指责他的艺术“与其称之为现实主义，还不如称之为自然主义更为合适”。这种评价是不公平的，画家是有深意的，他要描绘这个社会的不公平和不合理，他在现实生活中发现了这一情节最能表达他的思想，他抓住它，并使之再现于画面，体现了典型环境中的典型人物，揭示了社会的本质，这与纯粹的自然主义有着本质的区别。

Ⅷ 世博会为人类留下了许多名画,其中一幅是法国印象画派大师马奈的代表作什么

《1867年的巴黎世博会》

1867年那一届巴黎世博会开幕前，马奈送上了一大批画作，但遭版到了学院派评审委权员的拒绝。他并没放弃，仿效另一位画家库尔贝，于同年5月举行了一次个人作品展览，以此同官方权威进行对抗。

虽无缘1867年的巴黎世博会，但马奈却为这届世博会留下了一份历史的记录，那就是他所绘的《1867年的巴黎世博会》。画上几个战士轻松地或坐或站，一旁一对富有的夫妇在窃窃私语，其他还有园丁、男孩与狗以及一名骑在马上的妇女。画面呈现出一派祥和的气氛，成为那个时代巴黎社会的一个缩影。

Ⅸ 油画艺术是什么人发明创造的

油画的前身是抄15世纪以前欧洲绘画中的蛋彩画，后经尼德兰画家扬·凡·艾克（Jan Van Eyck），（1385年-1441年） 对绘画材料等加以改良后发扬光大。后人因扬·凡·艾克对油画艺术技巧的纵深发展做出的独特贡献，誉其为“油画之父”。近代油画多用亚麻子油调和颜料，在经过处理的布或木板上作画，因为油画颜料干后不变色，多种颜色调和不会变得肮脏，画家可以画出丰富、逼真的色彩。油画颜料不透明，覆盖力强，所以绘画时可以由深到浅，逐层覆盖，使绘画产生立体感。