1. 《文学概论》在文学创造中“真、善、美”与“艺术真实”、“情感评价”、“形式创造”是什么关系
真善美——人性的核心价值
——《生命禅院》的人性观
雪峰
展现在我们视野中的大千世界只是真善美的艺术形态，真正的真善美隐藏在眼花缭乱的艺术形态之中。一块二维画布并没有什么奇异之处，但经过艺术大师的手笔，这快平面画布就可以展示多维空间：天光云影徘徊其间，远峰近岭错落其中，小桥流水穿插其内，人物鸟兽行翔其里，给人以悠远宁静、浩淼无限的真善美之感，但细细分析，这是真正的真善美吗？当然不是，它只是一种艺术形态，真正的真善美隐藏于这幅图画的后面——画家的心灵之中。
这就是说，真正的真善美隐含于艺术的表象下面，外界的一切只是隐性真善美的外在艺术表现而已。同理，人的真善美隐含在人性之中，外表展示的只是内在真善美的艺术表现而已。
我们生活在一个虚幻的艺术世界中，我们自以为真实地活着，实际上，我们只是艺术家画布上的一个个点缀而已。画布上的颜料洗掉后，画布就恢复到本来的一块单调平面，时空变迁后，“真实”的我们也就恢复本来的生命原状，再重新开始成为另一个艺术形态。
人有视觉、听觉、嗅觉、味觉、触觉、灵觉六种知觉，前五种知觉靠艺术化的物质作媒体感知世界，知觉到的仅仅是真善美的外在艺术形态，不是真善美的本质特性，惟有灵觉可以越过艺术化的物质层面，直接知觉真正的真善美世界。
一．艺术形态的本源就是真
靠视觉、听觉、嗅觉、味觉、触觉感知到的一切都不是真，而是真的一种艺术幻化，真正的真隐含在大千世界这个艺术表象的本源处。
张三在一张白纸上写下一个“人”字，然后又擦掉了，这个过程说明了什么呢？说明了白纸上的“人”字不是真的，只是张三内心“人”的一种艺术表达或展现，真正的真不是字，而是张三这个人，没有张三这个人，就不会在白纸上出现这个“人”字，只要张三存在，即使把纸上的“人”涂掉了，仍然还会出现“人”字。
昙花一现是真的吗？当然不是，那只是写到白纸上随后又擦掉的“人”字而已，昙花一现只是昙花本源处真的一种艺术展示，其真隐含于昙花这个植物的生命结构之中。
人是真的吗？当然不是，人只是生命结构的一种艺术表现形式而已。
细菌、昆虫、草木、鸟兽是真的吗？当然不是。它们只是生命结构的不同艺术表现形态而已。
当我们看见闪电之光的时候，闪电已不复存在；当我们夜晚仰望满天繁星的时候，发出光的那些星体或许有些已经消失；当我们观看影幕上那些活灵活现的人物的时候，有些演员可能已经去世；当我们沾沾自喜于自己拥有的一切的时候，可曾想到，这些东西即将不复存在。
我们生活在虚幻的真实中，我们看见的一切其实都是虚假的，所谓的那些虚无缥缈的东西，也就是导致艺术世界形态的展现的东西，才是真的。
视觉上的真实符合科学的判断和逻辑上的演绎，但在哲学意义上却是十分荒谬的。站在某一点上一直往前走，最终会不知不觉地回到起点，其本质效果等于零。人类社会似乎在发展、在前进、在向更高的文明阶段迈进，实际上，是在走回头路，最后又将会回到起点。冬天过去了，春天来了，等到丰收的秋天一过，又将会回到冬天。
春夏秋冬不断地循环往复，秋天来了，天气凉了，一群大雁往南飞，今年这样，明年如此，后年也难逃如此。一个人，生了，死了，死了，生了，世世如此，代代这样，转世轮回不断往复，走啊走啊，似乎在向前走，但最终又将会回到起点。
若没有质的变化，只能在一个怪圈中不断循环往复。
要想不循环往复，只有忽略生命的艺术形态，专注于生命的本真，而要了解本真，非反常思维不可。《生命禅院》一开始先谈“反常思维”，目的就是引导一些人不要再恢复到生命的起点，而应该向更高一级生命的艺术形态过度。
人们似乎已经找到了真，实际上没有，起码可以说百分之九十八的人们只是生活在虚假的艺术世界中，根本没摸着真的边际。一个紧抓着枯树藤吊在悬崖上的人，他会本能地想办法往上爬，本能地想回到起点，假如我告诉他，“松开手，让自己掉下去，”他会认为我不慈悲，这就是佛与凡俗人的差距，也是检验一个人是否了解了真假的标尺。
什么是真？艺术形态的本源就是真，只要我们凡事层层剥皮，追根溯源，最后必然会找到真。其实，《生命禅院》已经把真展现在了人们的灵觉视野之中，那就是上帝，宇宙中只有一个真，除了上帝之外，其余的都是幻化的，都是上帝的艺术表现形式。
所谓求真理，就是求上帝，人类求真理求了几千年，除了找到上帝外，还有谁敢说“我找到了真理”了吗？
离开上帝求真理，那是在水中捞月，是在自欺欺人，是在给人类套怪圈枷锁，不论是哲学家、思想家、艺术家、政治家、科学家、宗教领袖，还是其他求道人士，避开了上帝，他的一切努力全是徒劳无功的，是虚假的，是迷惑人性的。
《生命禅院》用十多万字论述上帝，就是在为人类揭示真，但有些求真人士读到“《圣经》宣扬的上帝不是真正的上帝”的时候，就迷惑了，推翻了人们思维中固有的模式，便难以接受了，就想努力回到起点，这就象紧抓住枯树藤吊在悬崖上的人一样，拼命要抓住枯树藤，不愿松手，其结果，上，上不去，下，下不来，只能在半空中游荡。
“横看成岭侧成峰，远近高低各不同，”《圣经》、《古兰经》、佛经、《道德经》、科学、马克思主义、毛泽东思想等等，要么看到的是岭，要么看到的是峰，要么看到的是远景，要么看到的是近景，只有把这些从不同侧面看到的片段有机地衔接整合起来，才能看到一个大概的真的全貌，若抓住一点，攻击其余，那是瞎子摸象，离真远矣。
寻求真，维护真，决不是在玩概念游戏或进行道德说教，这关乎每个人生命的走向。无源之水必然要干涸，无根之木必然会腐朽，无灵之心必然要死亡，无灵觉之人必然会在一个固定的圆圈中轮回往复。
真是人性核心价值的关键成分，人性中若没有真，这个人就缺乏人性，一个心中没有上帝的人，他无法拥有一个完美的人性，他的兽性随时会发作，随时会对他人和大自然造成伤害。缺乏人性，还能有一个美好的未来吗？做梦！
有人必然会反驳：“雪峰之说全是垃圾、废话、放屁，有些高官和富翁心中根本无上帝，活得比心中有上帝的人滋润潇洒。”不错，艺术世界中以假乱真的东西非常多，但要明白，越是比重小的东西越容易飘起来，浮起来，生长越快的植物寿命越短，能量越小越成形，获得的越多，损失越大，今世享受的越多，来世的生活越凄惨悲苦。
我们常夸奖艺术杰作非常逼真，但从来不说艺术杰作就是真，因为艺术只是真的一种幻化。我们赞美一切科学的成果逼近了真理，但从来不敢说科学家已经找到了真理，因为科学行为只是探索真理的一种途径、一种方式。我们赞颂一些人是真人、圣人，但绝对不敢说他们就是真理的化身，因为他们的人性中只是比常人多了几分保持真、维护真的成分。
眼见为真吗？瞬间十万八千里，眨眼之间一切已经起了变化，那是真吗？真是永恒不变的，变化的不是真。还是让我们的人性中多点真的成分吧。（待续）
2. 美学与艺术美的创造关系是怎样
美学普遍存在与社会活动中的任何一个职业岗位，比如画家、舞蹈家、酿酒师、服装师、厨师等等，人人都需要美学，至不过艺术家范围内的美学更具艺术修养性与美学理论性。既然人人都需要美学，自然审美活动是生活中的普遍行为。审美活动是以美的规律进行的，审美活动与艺术活动都是美学范围内的活动。审美就是对美的赏析，在现实生活中当人们选择或评价一件事物的时候，也就是一个审美活动的过程。而把生活美转化成艺术美是艺术家的主观行为，艺术是一种社会意识，是社会的上层建筑。德国古典主义美学家席勒在《美育书简》中讲，美的现象之全部吸引人的力量在于它的神秘，而现象的本质却在它的各元素的必然结合中扬弃。因此熟悉美学能够直接或间接地影响艺术家的创作，促使艺术家自觉地进行艺术创作，且在创作中使天才与修养结合起来。
德国美学家黑格尔认为艺术美是“美的充分体现”，是高级意识形态的美。艺术想像是艺术创作的核心内容，艺术想像具有艺术创造性、想像是知识与实践的结合。艺术创作体现出真、善、美的统一，黑格尔认为艺术家之所以成为艺术家，在于艺术家认识到真实，并把真实放到正确的形式中去，为人们观赏并打动人们的感情。符合社会道德伦理就是善，美是艺术体现的基本特征，只有真、善、美的统一艺术家才能具备相应的鉴赏能力。真、善、美的统一性与辩证性是美学的两个重要的特性。艺术家在体验生活并表现生活中，必然有艺术家独特的感受与发现，并借助于原有的感受创作出个性的表现手法与艺术语言。意大利文艺复兴时期的古典主义美术风格，之所以能够产生象达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔、提香、乔尔乔内等等代表人物，是由于奇迹般的艺术繁荣促使社会各阶层的人们对艺术普遍爱好并蕴藏着众多杰出的艺术人才。
3. 怎么理解文学创造过程中如何美丽地描写悲哀以更好地创造艺术之美
文学创造过程中，想要更美丽的描写悲哀以及更好的创造艺术之美，必须要把艺术作品跟文学创作相结合，把他的精神灵魂更好地发挥出来，才能让他既有文学的创意，又具有艺术的美感。
4. 艺术美的主要特征有哪些美学原理简答题
艺术作为审美主客体关系的最高形式，艺术美包含着两个方面的内容，一方面艺术是对客观社会生活反映，另一方面艺术又凝聚着艺术家主观的审美理想和情感愿望。也就是说，艺术美既有客观的因素，又有主观的因素，这两方面通过艺术家的创造性劳动互相渗透、彼此融合，并物化为具有艺术形象的艺术作品。因此，艺术美的主要特征便集中表现为：形象性、主体性、审美性等基本特征。
（一）艺术美的形象性
艺术美的基本特征之一是形象性。或者换句话说，艺术形象是艺术反映生活的特殊形式。所谓形象性，是指任何艺术作品都必须具有生动、具体、具有一定观赏价值的艺术形象。普列汉诺夫曾经讲过，艺术“既表现人们的感情，也表现人们的思想，但是并非抽象的表现，而是用生动的形象来表现。这就是艺术的最主要的特点”。各个具体的艺术门类，它们所塑造的形象具有各自不同的特点，如绘画、雕塑、摄影、书法等塑造视觉形象，音乐塑造听觉形象，戏剧、影视塑造综合形象，语言艺术塑造不能直接感受到的文学形象等。但无论如何，形象性是任何艺术种类都不可缺少的，是艺术美的基本特征。
艺术形象是内容与形式的统一。艺术美应当具有深刻的思想内涵和完美的艺术形式，二者有机统一，才能具有令人惊叹的艺术魅力。19世纪末叶，法国著名雕塑家罗丹应邀为去世的大文豪巴尔扎克创作雕像，罗丹为此亲自到巴尔扎克的故乡采访，翻阅了大量有关资料，甚至专程去找当年为巴尔扎克制衣的裁缝，经过这样艰苦的创作准备，罗丹终于有了创作的冲动和灵感，选择了巴尔扎克在深夜穿着睡袍写作的形象作为雕像的外形轮廓，摈弃了一切细枝末节，将大文豪的手和脚都掩盖在长袍之中，使观众的注意力集中到雕像的头部，尤其是巴尔扎克那双炯炯有神、气宇不凡的眼睛，突出表现了这位伟大的批判现实主义作家与众不同的气质。罗丹的《巴尔扎克像》以朴实、简洁的艺术手法，来突出这位大文豪内在的精神气质，通过内容和形式的完美统一，真正在形似的基础上达到了神似的高峰，使这座雕像成为世界名作。
艺术形象是个性与共性的统一。综观中外艺术宝库中浩如烟海的艺术作品，凡是成功的艺术形象，无不具有鲜明而独特的个性，同时又具有丰富而广泛的共性，从而使得艺术美具有不朽的生命力。艺术美中这种个性与共性的统一，最集中地体现为艺术典型。所谓艺术典型，就是艺术家运用典型化的方法，创造出来的具有鲜明个性和普遍意义的典型形象。例如鲁迅先生塑造的阿Q这一艺术形象，就是中国现代文学宝库中一个不可多得的艺术典型。阿Q这个人物身上，不仅具有活生生的个性，还有反映他所处的特定时代整个民族的国民性特点。在阿Q这个典型人物形象面前，任何人都不可能无动于衷，他会使人震惊，使人猛醒。
（二）艺术美的主体性
艺术美还有一个基本特征，就是主体性。如前所述，艺术作为一种特殊的社会意识形态，艺术生产作为一种特殊的精神生产，决定了艺术美必然具有主体性的特征。毫无疑问，艺术美来源于现实生活并反映现实生活，但是，这种反映绝不是简单的“模仿”或“再现”，而是融入了创作主体乃至欣赏主体的思想情感，体现出十分鲜明的创造性和创新性。所以，主体性作为艺术美的基本特征之一，不但体现在艺术创作上，而且体现在艺术欣赏中。
一方面，艺术创作具有主体性特点。艺术生产是一种特殊的精神生产，艺术创作更是一种创造性的劳动，艺术家作为创作主体对于艺术创作起着决定性的作用。艺术创作的主体性，集中体现在艺术家的创作活动具有能动性和独创性。艺术家面对大千世界浩瀚的生活素材，必须进行选择、提炼、加工、改造，并且将自己强烈的思想、情感、愿望、理想等等主观因素“物化”到自己的艺术作品之中。正是艺术创作的这种能动性，使得每一件艺术作品必然打上艺术家作为创作主体的烙印。艺术创作更具有独创性的特点，任何优秀的艺术作品都应当是独一无二、不可重复的。或许这正是艺术生产的产品和物质生产的产品二者之间最根本的区别特征。每一件优秀的作品，总是凝聚着艺术家个人的主观色彩和独特的艺术追求，体现出艺术家鲜明的创作风格和艺术个性，具有强烈的创造性与创新性特色。由于艺术的独创性，甚至面对同一个题材，作家艺术家们也完全可以创作出不同的作品来。20世纪20年代，朱自清和俞平伯两位散文家同游秦淮河之后，各自写出一篇同名散文《桨声灯影里的秦淮河》，这两篇散文不但取材范围相同，时间地点相同，甚至命题也完全相同，但这两篇散文却有各自鲜明的艺术特色，都成为中国现代散文的名篇。正是由于两位作家面对同一景物时，由于不同主体的审美感受不同，艺术风格上的追求不同，才使得这两篇打上了创作主体烙印的散文具有了各自不同的艺术特色。
另一方面。艺术欣赏也具有主体性特点。美感既有共同性，又有差异性；既有社会功利性，又有个人直觉性，具有千差万别的个性特征。尤其是艺术鉴赏，不是消极被动地接受，而是读者、观众、听众凭借艺术作品而展开的一种积极主动的审美再创造活动。由于欣赏者的生活经验与人生阅历不同，审美能力和艺术修养不同，使得审美感受形成了鲜明的个性差异，使艺术欣赏也打上了欣赏主体的烙印。正因为如此，西方人常说“有一千个读者，就有一千个哈姆雷特”，我们经常说“有一千个读者，就有一千个林黛玉”。
（三）艺术美的审美性
艺术美的第三个基本特征就是审美性。从艺术生产的角度来看，任何艺术作品都必须具有以下两个条件：其一，它必须是人类艺术生产的产品；其二，它必须具有审美价值，即审美性。正是这两点，使得艺术品和其他一切非艺术品区分开来，也使得艺术美与自然美区分开来。
艺术美作为艺术家创造性劳动的产物，它比现实生活中的美更加集中、更加典型，能够更加充分地满足人的审美需求。艺术美注重形式，但并不脱离内容，艺术的审美性是内容美和形式美的有机统一。艺术贵在创新，随着艺术实践的不断发展，形式美的法则也在不断变化和发展，然而，不管怎么变化，艺术的形式美都不能脱离艺术的内容美，因为艺术的形式美正在于它鲜明生动地体现出内容。就拿举世闻名的悉尼歌剧院来讲，这座历时15年、耗资巨大的建筑，设计十分独特，刻意追求造型美和形式美。它远看像是一支迎风扬帆的船队，近看又像一组巨大的贝壳，从空中飞机上望下去又像是一朵巨大的白荷花，真是具有独特的形式美和别具匠心的造型美。与此同时，作为当代艺术与现代科技相结合的产物，悉尼歌剧院又体现出具有当代色彩的建筑理念，成为著名的环境艺术或有机建筑的典型作品。它的设计师、丹麦建筑学家伍重认为，现代建筑应当从属于自然环境，推崇“有机建筑”理论，认为建筑应与周围环境有机融合在一起，仿佛是自然而然地“生长”出来的一样。在海滩上设计建造悉尼歌剧院，不管像帆船、贝壳，还是白莲花，都与大海的万顷波涛融为一体，展现出“有机建筑”的魅力。悉尼歌剧院这个例子充分证明，艺术的审美性是内容美与形式美的有机统一。
与此同时，艺术美的审美性又体现为真、善、美的结晶。艺术美之所以高于现实美，正是由于通过艺术家的创造性劳动，把现实生活中的真善美凝聚到艺术作品中了。艺术中的“真”并不等于生活真实，而是需要通过艺术家的创造性劳动，通过提炼和加工，使生活真实升华为艺术真实，也就是“化真为美”。艺术中的“善”更不是什么道德说教，而是要通过有血有肉的艺术形象来以情感人，以情动人，也就是“化善为美”。好莱坞大片《泰坦尼克号》并不拘泥于生活中真实发生过的冰海沉船事件，而是将在巨型游轮上邂逅的一对青年男女之间的爱情作为主要线索，重点表现在即将沉船之时，男主人公将生的希望留给了恋人，自己却不幸遇难的故事。这部影片正是通过爱情片与灾难片的结合，并且充分运用了现代高科技的成果，努力打动人们的心灵深处对于真善美的渴求，从而在全世界赢得了亿万观众，取得了巨大的票房收益。显而易见，艺术的审美性是艺术作品具有巨大魅力的根源。
经过长期的人类艺术活动实践，人类创造了多种多样的艺术形式和丰富无比的艺术作品。中外许多美学家、艺术理论家等都对艺术进行过体裁和分类研究，根据当时的艺术实践，提出了各种各样的分类原则或具体分类，如中国古代文论《毛诗序》对中国古典艺术区分为诗、歌、舞三种不同艺术种类，古希腊亚理斯多德根据艺术的媒介、对象、方式的不同区分了绘画与音乐、悲剧与喜剧、史诗与戏剧等。到近现代，艺术分类理论已较为成熟，形成了从不同方面、为不同目的的艺术分类体系。我们认为，从本质上讲，艺术作品就是以物态化的方式传达出艺术家的审美经验和审美意识，因此，根据艺术分类的美学原则，应当把艺术形态的物质存在方式与审美意识物态化的内容特征作为根本的依。据此我们可以将艺术分为五大类别：即造型艺术（绘画、雕塑、摄影、书法）、实用艺术（建筑、园林、实用工艺）、表情艺术（音乐、舞蹈）、文学艺术（诗歌、散文、小说）、综合艺术（戏剧、戏曲、电影、电视）。
5. 试述审美欣赏中的再创造 美学论文
环境美学的兴起与自然美的难题
一 伴随环境运动,自然审美成为当今人们新的审美时尚。环境美学成为当今美学的热门话题。 环境美学就是以环境审美为研究对象的美学。包含两方面内容:一指审美对象包括自然景观和人造景观,它们在传统的以艺术为中心的美学体系中处 于边缘位置;一指将这些对象作为环境而不是作为类似于艺术品之类的孤立之物来欣赏。环境美学不仅扩大了审美对象的范围,而且修正了审美经验 的方式。尽管环境美学的研究对象包括园林、建筑等人造景观,但其核心仍是自然审美的问题。环境美学对人造景观的看法受到其对自然景观看法 的影响。一些环境美学家主张不仅要将对自然的审美欣赏模式移植到人造景观的欣赏中,而且要移植到艺术作品的欣赏中。这对传统的以艺术为中 心的美学是一种挑战。传统的以艺术为中心的美学很少将自然物作为审美对象;自然物被看做比艺术品低级的东西。环境美学不仅把自然环境列为 审美对象,而且主张把它们从孤立的、个别的存在物开放为环境、开放为相互联系甚至与欣赏者本人联系在一起的整体来欣赏。贝伦特说“环境美 学考察环境中的审美经验和价值。”
二 环境美学研究者可区分为两大阵容:一是以具体从事实际环境规划和景观设计的行家们组成的阵容;一是以从事哲学思考和批判的哲学美学家们组成 的阵容。前一个阵容的主要工作是对环境的审美价值进行科学的、量化的估算,期望在有关环境问题的各种决策中,提供审美价值方面的科学依据; 后者则对前者的量化评估持一种批判态度,强调从世界观和价值观的调整出发,实现人与环境的理想关系。 对环境的审美价值的量化估算是极为困难的,因为影响环境的审美价值的因素太多了。在决定环境审美价值的机构中,有城市规划者、景观设计者、 经济学家、心理学家、计算机科学家、生物学家、生态学家、林学家等一大批行家和具体操作人员。他们试图对环境的审美价值做出客观的、计量 的估价。 然而,这些行家们的计量估算遭到了哲学美学家的怀疑和批判。他们从根本上怀疑这种计量的估算方法。伊顿奉劝行家们从哲学美学家对自然美的 思考中学习一些起码的知识,接受哲学美学家们的建议,这对行家们最终做出成功的决定是非常重要和大有帮助的。
三 哲学美学家们重视自然审美在美学理论中所引起的困惑。由于我们的美学体系是一个以艺术为中心的体系,这个体系在处理艺术问题上得心应手,但 在处理自然美的时候显得捉襟见肘。如杜夫纳所说,“有关审美对象的思考一直偏重于艺术。这种思考只有在艺术方面才能得到充分的发挥,因为艺 术充分发挥趣味并引起最纯粹的审美知觉。”自然美胜于艺术美学在于：
第一,从审美对象的角度来说,自然物与艺术品有重要的区别。自然物作为审美对象是变动不居的,这与相对固定的艺术品有明显的不同。艺术品是 一件能够从周围事物中孤立出来,且在我们欣赏它的时候能够保持相对稳定性的东西。艺术品总是用有形或无形的形式框起来的东西,能够相对地保 持它自身的同一性。在这方面,作为环境的自然物就截然不同。首先,所有的自然物都是粘连在一起的,我们很难确定它们之间的明显界限。整个自 然就好像一个有机体一样,当我们试图将某个自然物从中孤立出来进行欣赏时,总会发现它与其他自然物之间不同程度的牵掣。其次,自然物本身是 变幻无常的。有机的自然物有生命变化,无机的自然物也会体现大自然的历史沧桑。如果我们短暂的生命无法感受到这些变化,或者说在我们短暂的 审美体验中这些变化可以忽略不计的话,那么光、温度、风向风力、气味等变化,总是迎面撞来,置身于自然之中的我们是无论如何也逃脱不了的。 这些变化无疑会对我们的美感经验产生重要的影响。再次,我们自身的活动也会引起自然的变化。每当我们改变一个视角,自然就会呈现一副新的面 貌。自然在变,因为我们在变。最后,我们很难将自己从自然中分离出来。我们处在我们欣赏的对象里面。如果我们环顾四周,就会发现自然无处不 在,自然整个地将我们包围着。如果我们活动,我们只是在欣赏的对象里面活动,从而必然改变我们与对象之间的关系,最终使对象本身也发生变化。 这是作为审美对象的自然物处在无限变化之中的一个最重要的原因。
第二,从审美经验的角度来说。对艺术的审美经验主要由视觉经验和听觉经验组成,很少用到嗅觉、味觉和触觉等感觉。在艺术审美过程中,即使存 在丰富的感觉,它们也是以知觉为中心的,最终服从于对艺术品的总体认识。因为,艺术最终都可以归结为一种语言形式。我们经常说绘画语言、音 乐语言等,尽管这些门类的艺术不是真的语言艺术,但由于它们所用的符号是一种有意义的、可理解的、有统一规则的符号体系,因此与真正的语言 类似。对这种作为语言或类语言形式的艺术品的欣赏,尽管也综合了感知、想像、认识、情感等各种心理因素,但总是以认识为中心的,也就是说,对 作品的欣赏总是想知道作品“说”了些什么。对艺术品的审美经验总是让我们从现实中超拔出来,进入一个由想像构成的非现实世界,即艺术世界。 审美超越,指艺术审美经验具有的这种特殊功能。艺术的魅力,在于它给我们提供了一个具有广阔想像空间的非现实世界。这种超越性被认为是判定 审美经验的指标。
对自然的审美经验有着显著的不同。首先,我们所有感觉在自然的撞击下都被激活了。在自然中,我们不仅看、听、而且还用到触觉、嗅觉甚至味 觉。重要的是,所有这些感觉是作为一个感觉整体而存在的。它们互相联系着共同形成我们对自然的整体感受。因此,同艺术审美以知觉为中心不 同,在自然审美的多种多样的感觉因素中,没有一个中心因素,无论是感知、认识还是情感,没有哪一个是主要的或中心的成分,所有感觉因素都平等 地发挥作用,因为自然不是一种语言,不是一套记号或符号体系。其次,对自然的审美也不可能让我们逃离现实。我们始终被自然所环绕,我们无处逃 身。变化着的自然始终提醒我们它是真实地存在着的。同时,自然的实体性,使我们想像的空间大大缩小了。完全充满的、自行其事的自然在根本上 不服从我们的想像。借用茵伽登的术语来说,我们可以用想像将艺术品中的“未定点”填充起来,从而使审美对象生成为纯粹的意向对象。但我们不 能用想像去补充自然,因为自然中根本就没有所谓的“未定点”,自然在根本上也不是意向世界,而是不断撞击着我们的、体现出不服从想像的必然 性的现实世界。对自然的审美欣赏,不仅不能使我们逃离现实世界,相反使我们更加接近现实世界,进入一个比实践事物组成的现实世界更为真实的 世界。正如伽德洛维奇所指出的那样,即使对自然的审美经验给了我们从“实践事物所组成的真实世界”中一种愉快的逃逸或至少是一种愉快的慰
2010/6/16
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藉,但它仍然没有像艺术欣赏那样,使我们整个地离开真实世界。相反,对自然的审美兴趣,必须有对真实世界的兴趣。而且,自然事物所组成的世界, 比我们的实践事物所构成的世界要更为真实。
第三,从作品的起源上来看，艺术品是由艺术家创造的。艺术家将自己对艺术的理解,对整个宇宙人生的理解和自己的艺术技巧,灌注到作品中。艺 术品的起源,不仅使作品得以存在,而且决定了作品作为艺术品而存在,决定了艺术品的艺术价值。自然不是人创造出来的。我们即使知道某个自然 物有一个明显的起源,那也是自然过程的产物。更多的情况是,我们对自然的起源没有明确的知识。自然中没有明显的意图。这不仅给我们对自然的 理解带来了困难,而且使我们对自然的审美评价几乎成为难题。
第四,从鉴赏或评价的角度来看,自然美是无法估价的。任何欣赏都意味着价值判断,但在对自然美的价值判断上,我们遇到了前所未有的困难。因为 自然美的来源问题始终是一个认识的界限。在以艺术为中心的美学体系中,艺术被视为审美观念、审美趣味的集中反映。艺术之所以美,其根源在于 艺术家在创作艺术品时就将它设计为美的。自然物不是人类创造出来的，我们根本不知道自然物是怎么产生的,也不知道自然物究竟是谁创造出来 的。我们既不能依据观念的高低,也不能依据技巧的好坏来判断自然物的美丑。如果我们的思想文化中有上帝的观念的话,很容易将自然美归结为上 帝造物时的审美观念和技巧的反映。但即使我们接受这种观念,仍然不能成功地对自然物的审美价值做出判断,因为既然所有自然物都是上帝创造出 来的,它们就应该具有同样的审美价值,因为全能的上帝的手艺应该始终如一。这一点令现有的美学理论难以接受。许多美学家意识到,人们在欣赏 自然物和艺术品时有两种截然不同的反应。欣赏艺术品时往往喜欢评出个高低优劣来。但当人们面对自然物的时候,往往只有一致的赞叹,而不进行 高低优劣的等级区分。即使存在对自然物的审美价值的高低区分,也是由于受到了欣赏艺术品的习惯的影响,将适宜于文化领域中的头衔强加给自 然。自然美所引发的困惑使得英美美学界出现了一种反估价的趋势,作为这种趋势的代表就是近来在英美美学界十分流行的“肯定美学”。伽德洛 维奇将“肯定美学”的主要观点表述为两个相互关联的命题: (1)自然中的所有东西具有全面的肯定的审美价值; ( 2)自然物所具有的全面的肯定 的审美价值是不可比较和不可分级的。卡尔松则认为:“自然界在本质上具有肯定的审美价值”。哈格若夫说:“自然是美的,而且不具备任何负面 的审美价值”; 甚至断言“自然中的丑是不可能的”。这种以自然为对象的肯定美学在根本上不同于以艺术为对象的传统美学。因为艺术特别倾向 于服从分级和比较估价;艺术的审美价值总是以分等级的方式被构想出。然而当人们将自然仅仅看做自然的时候,情况就大不相同了。这里没有一个 最终的、决定性的情感或智力反应,没有确定的快乐或认识结果,没有自然批评家和鉴赏家等权威阶层那里发出的权威规定;而且这里没有编成法典 的正确对象和性质,没有享有特权的范畴,没有规范,没有规范人们对自然的审美反应的“机构”,没有诞生在美学理论中的自然世界。全部自然物所 具有的全面的肯定的审美价值是不可比较、不可分级的。肯定美学要求我们超越一切价值判断,以纯审美的眼光接近自然,将自然纯粹地看做自然而 不是文化世界中的价值的象征。“如果我们希望摆脱价值判断的束缚而面对自然本身,我们不仅要有解经济化的自然,而且需要解道德化、解科学化 和解审美化的自然———一句话,解人化的自然。解审美化的自然,意思是将我们的经验同我们正确地应用于艺术的不可避免的评价模式区分开来。 这种从评价焦点中的折回,差不多可以等同于审美反应。只有解除对艺术品的估价式的审美反应,才会有真正的对自然的审美反应。
哲学美学家们则试图倡导一种崭新的审美观甚至人生观。作为审美对象的环境,不再是一个静止的、孤立的对象,而是一个相互粘连、没有边界的整 体。不仅对象之间没有明确的边界,而且对象与主体之间的界线也不明确。主体既是欣赏者,同时又是景观的构成因素。审美经验不再局限于认识和 思考,而是包含了整个身体的感觉。审美不再是对对象的审美价值的客观评估,而是破除主体的偏见,全面地亲近不同风格的自然景象。对于纯粹的 自然物来说,在审美上只有风格的差异,没有美丑的区分。
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6. 如何理解美术是一门创造美的艺术
现在的社会已经有很高端的相机了，为什么还要有绘画之类的呢？
那肯定是因为内绘画有相机不可取代的一面。容艺术家创作出来的作品往往是和现实有出入的，你去看看莫奈的话就知道了。创作出来的作品往往有着艺术家在创作过程的思想情绪在里面，这是相机无法比拟的。
美术是一个创作没得艺术的手法之一。楼主应该也见到过一副画它往往和现实不一样却给人一种很美的感觉。这种视觉和心灵上的差距是不合复制的，它是一种创造。同一个画家也不会有2张一样的创作作品出来。正因为它的不可复制性，所以才称之为艺术
是一种创造美的艺术。
7. 在艺术美中如何体现艺术家的创造性劳动
首先说创造性概念，在继承前人的技法或是手法风格的基础上，又有别于前内人的自我表达。不容过艺术美的根本目的并非是为了创新，而是为了更好地表达。正如康德所说无目的的目的性，老子的意思则是无为而无不为；金刚经讲的应无所住而生其心。一切有为法如梦幻炮影。所以最高的创造性是无为，对情、对景表达人的最平和的心态。面对美景山是山，水是水！
8. 艺术家创造优美的根本动力是什么
倘若我们对于人生、对于人性从根本上持一种否定的态度，我们就绝不会创造出优美来。固然，我们对于人生、对于人性持肯定的态度，并不等于我们没有发现这个世界的缺陷，而是虽有缺陷，仍对人性的理想保持真诚的向往和希望。这就是让艺术家去创造优美的根本动力。
9. 所谓艺术美,就是按美的法则,创造出
艺术美是指各种艺术作品所显现的美。艺术美作为美的一种形态，它是艺术家创造性劳动的产物。艺术家的创作活动作为一种精神生产活动，从本质上说，也是人的本质力量的定向化活动。因此，艺术美也就是人的本质力量在艺术作品中通过艺术形象的感性显现。是指存在于艺术作品中的美，是艺术家按照一定的审美目标、审美实践要求和审美理想的指引，根据美的规律所创造的一种综合美。