人體繪畫設計與創造

1. 繪畫與設計的異同

繪畫跟設計來有很大的不同，繪源畫大多考慮的是物體與環境因素，隨著繪畫者的感情色彩而動，比較自由：而我們學設計的，在完成一個設計的同時，設計師必須得考慮更多的是外在因素，例如：你所面對的消費群是哪些，你的設計是否符合人機，設計的價值定位、創新點、運用哪些材料……設計往往有很多條條框框，而一個優秀的設計師，往往在這些條條框框內，還能創造出有價值的設計。

設計裡面是包含繪畫以及雕塑，多媒體等等的，設計可以是設計一件事情，可以是設計室內，可以設計任何東西，設計就是對事物的規劃，而繪畫可以是設計素描，繪畫也離不開設計，設計離不開繪畫，兩個概念不可分割。

2. 闡述美術的兩大分支，繪畫與設計的區別和聯系。

1．現代繪畫是個性的表露

繪畫的意義在於創新，而創新只有通過個性化才能夠得以實現，重復的繪畫沒有生命力。如果我們回顧一下繪畫的發展歷史就會發現：無論任中國還是在西方，每一位傑出的大師都曾經創造過極端個性化的作品。每一位巨匠都具有自己獨特意義上的典型符號。畫家尤其是現代派畫家，他們在創作時完全可以不考慮其作品的社會性。在某種意義上，任何畫家其作品的生命力都在於極端個性化，通過作者對美的形式法則的特殊理解以達到創造新的形式美。可以這么說，任何一個偉人的畫家，在他的身後都會有自己獨特的美的符號存在。從這種意義上說，畫家不得不把自己個人主觀意志的潛能發揮出來，最大限度地表現自我。為此，梵高無疑具有著最典型的代表意義。梵高在他生前生活的極端艱辛的條件下所創造出的大量作品未曾被拍賣過，就是因為其作品太個性化太超前以致不能被當時的人們所理解。而設計師作為商品的美化師，他們的個性公很多場合下必須被泯滅，其作品的意義才能夠被實現。現代繪畫個性化的表露還體現在五花八門的創新觀念上。當今的世界走一個信息高度發達的世界，如何反映這一時代特徵，是每一個前衛藝術家思考和創新的課題。在西方藝術形式復雜多樣的今天，繪畫似乎處於一種低迷的形態。藝術家們為了發現具有個性的獨創，往往採用一些不同種類藝術間的結合，或是運用藝術和科學的結合以實現自己的藝術目標。我們在展覽館里常常可以看到，一幅繪畫作品一部分是用超寫實繪畫的形式表現，而另一部分則是用活人的軀干與畫面組合讓你真假難以分辨，或是看到繪畫作品用電腦形式去播放以吸引觀眾的注意，這些所謂個性化的藝術品在現代派繪畫的展覽中屢見不鮮，這些藝術的生命力也在於它們獨特而富於個性化的形式上，藝術家們完全不必去考慮觀眾能否接受，而只要考慮自己的藝術如何新，如何具有個性就可以。對此，設計家是絕對做不到的。

2．依附性是現代設計在商品經濟中的本質反映

設計與繪畫最大的區別在於其對商品的依附性上。設計作為商品在為市場服務時必須具備價值與使用價值，要想贏得客戶的信任與滿意，最終實現設計的價值，它必須通過市場競爭的檢驗，設計最後的成功與否在於它能否達到美化產品最終實現促銷的日的。現實中幾乎每一位設計師在為客戶服務時，都盡量去迎合和滿足客戶對設計的需要。一方面設計師必須站在客戶的角度去猜測客戶的心理以使得自己的設計方案得以通過。另一方面，客戶可能對市場的把握了解遠勝過設計師，設計師不得不服從客戶對他的要求。在設計過程中設計師絞盡腦汁去思考去解釋自己的作品，也許自己認為很滿意，但最終的評判則要通過客戶對其設計能否認可。在這里有一種情形可以肯定：那就是被客戶選中的未必就是「好作品」，未通過的方案不一定就是「壞作品」。我們常常可以碰到這樣的情況，設計師為某一設計出了一組方案，對其中，二個方案很滿意，而客戶往往選中的卻是設計師自認為的「陪襯方案」，最終的裁決是客戶，設計師只有屈服於他們的「上帝」，這就是市場。設計對商品的依附性還體現代市場是設計的指揮棒，市場的強勁與疲軟將直接影響設計行業的起伏。一種情況：與市場處於經濟危機形態、商品大量積壓、消費者購買力下降時，商家對設計就不很關心。如1991年海灣戰爭爆發之初，歐洲主要工業化國家生產過剩，各廠家處於嚴重的經濟蕭條狀態，生產停滯不前。荷蘭的頓巴設計公司上門為一些廠家服務時得到的回答是：「經濟不景氣我們暫時不需要設計，現有的設計就足夠廣」另一種情況是：當市場某種產品在賣方市場產品供不應求時，廠家對設計根本不屑一項。可以這么說，在商品經濟不發達的社會狀況下上談論設計水中的提高根本不現實。我國的設計業所經歷的坎坷歷程足以說明這個基本觀點。

3．對混濁美的追來是繪畫藝術的本質體現

繪畫與設計的區別不僅僅體現任「個性化」與「依附性」上，還體現在對形式美規律追求的差異性上。「混沌」一詞翻開詞典，釋意曰：「指宇宙形成以前模糊一團的景象。」中國人喜歡含蓄，認為「含蓄」就是美。「混沌」本身就體現著一種不確定耐人尋味的因素，這和中國的古典哲學與宗教相關聯。中國古典繪畫所體現的「空」、「靈」、「氣韻」以及「墨分五色」用有限的筆墨表現無限的意境等美學思想，都是為了在尋找一種不確定的混沌美。雖然這些手法在設計中也偶爾能見到，但一般來說僅是借用繪畫的表現手法，以增強設計的藝術性而且。它不是設計最終追求的表現手段和美學思想，我們從杉浦康平等大師的作品中就可以體會出這一觀點。具體來說：杉浦康平為敦煌設計的系列從書，從表面上他是在追求中國畫「空」、「靈」、「氣韻」的境界，而更深刻的是他把敦煌中的圖形元素，運用現代設計的基本構造原理加以組合。這種「空」「靈」混沌美的境界只是作為設計的一個組成部分而不是全部，希望最終能真正反映出這會系列叢書的內涵。這充分表示出大師的獨具匠心和對繪畫與設計關系的把握上。在西洋繪畫方面，雖然流派眾多，追求的目標形式各異，但整體精神同樣是在追求「混沌美」。古典油畫盡管形態表現細致、逼真，但其意境追求的則是深奧悠遠，發現出不確定的「混沌美」。而現代派追求的則是標新立異的多變，這樣追求的是超現實荒誕的不確定，米羅追求的是童趣下海底世界般的夢幻，體現著不確定的「混沌美」，柏洛克則拎著顏料桶在畫布上同處滴灑不拘一格，他似乎是更接近在追求著「宇宙形成以前模糊一團的景象」。

繪畫對「混沌美」的追求不僅僅體現在流派上，而且更體現在對材料肌理的選擇上。何種題材何種效果，需要何種肌理是繪畫追求混沌美的因素之一。繪畫，尤其是現代繪畫，在一幅作品中選擇綜合材料已到了隨心所欲的境地，多種材料的運用旨在加強畫面的混沌美效果，通過撲朔迷離不確定的材質肌理因素以達到變化多端的目的。

4．秩序美是平面設計的核心體現

設計不同於繪畫還體現在對秩序美的追求上，現代設計對實體的進一步把握是形式法則。形式是實體的具體化、豐富化、精確化。可以看出德漠克得特以原子結構來解釋宇宙實體的內在形式，畢達哥拉斯派則以數理描述宇宙實體的外在形式，他們從天空星辰的布局中悟出了點、線、面的幾何關系，從而把數推為宇宙的本體（「宇宙」這個詞在古希臘就包含著和諧、數量、秩序等意義），在設計方面數對設計的影響，遠的不說，僅從近代有關設計理論，對平面設計的貢獻就可以看出它的重要性。如瑞士設計家約翰·契肖德所發明的數字邏輯形體設計在書籍設計中的運用。再如設計家羅爾·羅塞利奧對哥特式聖經內頁邊緣數值比例的發現，即著名的九段劃分法，他求出了開本寬度尺寸的一個1／9作為內邊，兩個1／9作為外邊，開本寬度尺寸的一個1／9作為天頭，兩個1／9作為地腳的規律。而在1946年，方·德·格拉夫根據羅爾羅塞利奧的九段劃分法，求邊緣的比例圖，發現了用幾何計算的簡單方法取代九段劃分法，這種方法被稱為「蛇瓜式劃分法」。在現代設計史上對20世紀影響最大的代表人物是勒·科布歇，他運用建築學的基本理論根據人體比例進行黃金分割，被稱為模數設計體系。模數最初對於建築形式有著重要的貢獻，後來被運用到平面設計中。模數理論的基本原理就是對太陽神的肚臍、頭頂和伸直手臂的指尖進行分割，之後勒·科布歇將之變為44個長方形進行空間分割。模數體系的核心，就是試圖利用人們對級數變化心理反應所產生的秩序美進行設計。在勒·科布歇發明模數之後，歐洲各國設計師紛紛運用這一設計原理並將之進一步推進，最終形成了網格設計的理論體系。網格設計體系把幾例分析法和數在平面設計中的運用達到了空前的高度，其特徵是重視比例感、秩序感、連續感、清晰感。總之，它是以理性的數理為基礎的形式法則在平面設計中的運用。從上述的例證來看，設計的美感體現在有秩序數理的韻律上，這點與繪畫有著本質的不同。

5．平面設計的獨立性體現在版式編排和字體形態上

繪畫是以圖的形態傳達著信息，一幅好的繪畫作品可以濃縮巨大的信息內容，是文字高度濃縮的載體，在某些場合它可以代替或補充文字的不足。雖然如此，由於繪畫與文字傳播的功能存在著較大的差異，繪畫作為單獨的藝術作品其畫面不存合文字說明，而設計無論是作為專門獨立的藝術，還是特地為某種產品服務都必須有文字說明。只有通過文字形態的存在，其自身價值才能夠得以體現。既然繪畫藝術可以無文字表述出現，故此它也就不存在版式編排問題。現代平面設計作為版面設計（typography）有兩種概念意義上的版式編排：一種是圖形與文字的結合，另一種是純粹文字間的自由組合，這兩種形式均可稱為版式設計。但無論哪一種形式的版式設計都離不開文字的存在，一方面版式編排需文字組成，另一方面文字本身形態的差異豐富了版式編排的多樣性。從世界范圍來看，各國各民族文字從形態演化過程都來源於「畫圖記事」與圖相聯系。如果把這種「圖形」稱之為繪畫的話，那麼文字和繪畫在他們幼年時代本是同根同源，但從現代設計的角度和世界文明史的進程來看待這一問題，就會發現文字的形態特徵顯然已完全抽象獨立於「繪畫」。此外，在世界所走過的近一個世紀的現代設計發展歷程中，前輩設計師們在實踐中總結出了一系列版式編排的形式法則，構成了現代設計的基礎理論，如：比例、力場、中心、方向、對稱、均衡、韻律、對比、分割等，以及黃金分割在設計中的運用，德國標准比例、動力對稱學說、草席形、立體派格調、螺旋形、模數等等都集中體現了平面設計的獨特諾言。而影響版式編排藝術性的字體形態已逐漸發展成為新的設計學科。從本世紀初至今，西方許多發達國家相繼成立了字體設計公司並在高等學校開辦了字體設計學科。亞洲的日本、韓國等也沒有相應的機構。由此可見，設計有別於繪畫是獨立於繪畫而具有時代特徵的專門學科。

6．繪畫與設計的差異性體現在各自的實現方式上

由於繪畫與設計存在著巨大功能上的差異性，同此，在工藝製作的實現方式上也就存在著本質的區別。繪畫雖然是一門藝術，但在製作過程中技術的成份佔有相當大的比例。如果說繪畫在藝術的再創造下是一個新觀念新手段的思維過程，那麼繪畫在技術中所包含的材料、技巧等一系列加了手段則是完成和實現這種思維的最終目標。任前文中曾提到的繪畫是個體勞動並突出表現個性的單一行為。同此，這就決定了作為同一內容單幅獨立的繪畫作品，絕對不能重復存在，並且呈現給觀眾的必須是手工製作的真實的肌理材料。如油畫用的是以油為結合劑的油性顏料畫在布面或其它材料上。國畫以筆、墨、宣紙、帛以及以水溶性顏料為主的肌理特徵。而作為設計其產生與發展和商業行為結伴而來，是隨著商品經濟的激烈競爭而出現的。它的目的是為整個市場服務，具有顯著的商品特徵，在其實現方式上必然是在腦力勞動創造下的和機器大生產相結合的物化過程。在過去近一個多世紀的發展歷程中，設計從來都是以機器印刷的方式來證明自己的價值。它從未脫離過大機器生產而獨立存在。即使是在國際各種設計比賽中，設計作品的機器生產工藝水平也是評判的重要組成部分。現今雖然時代變了，科技有了長足的進步，電腦的產生無疑給設計業帶來革命性的變化。設計作品的產生方式更加體現f機器的智能化、工業化、系列化，越來越顯示出機器的重要性。因此作為一個設計師不僅應懂得設計還應懂得機器的印刷功能，印刷裝訂工藝，還應懂得在何種狀態下，機器墨色套排序列會對作品產生什麼樣的效果，紙張的品牌、種類、性能都會影響設計作品的最後質量。而繪畫作品的產生方式屬於純手工藝品，它和機器大生產無關，故此也就不必去勞神考慮機器的性能和工藝加工程序。

綜上全文，繪畫與現代平面設計有著巨大的差異，二者之間的關系屬於兩個不同性質行業之間的關系，是實用性與觀賞性的關系，是多層次、多社會性的理性思考與情感宣洩，表現個性才氣的關系，是體現工業化水平與千萬藝者技巧的關系。雖然本文在此強調了二者之間的差異性，但並不否認二者之間的聯系性，如：早期繪畫與設計的起源、藝術規律的相似性、設計必須具有繪畫審美意識的基本特徵、審美意識的趣同性等一系列重要課題，都不能將之人為地割裂開來。我們只有正確地把握繪畫與設計的養異性，掌握適度的分寸關系，運用二者之間共性的基礎理論才能對這一問題有著客觀深刻的科學認識。

3. 學「動漫設計與製作」需要畫畫功底嗎

如果您上的來是國內的學校~源
應該是招特長生~
如果是那種花錢能進的學校
這個問題就不存在~~
課程基本上是第一年打繪畫基礎~
第二年開始學軟體~（當然還是要繪畫~）
軟體沒必要先學~~
先學會了容易偷懶~
說需要繪畫功底~
不如說需要耐心~（課程很枯燥……）
繪畫課一般分色彩和素描~
老師對繪畫技巧的重視
不及比例結構的正確
於是往往就看到自己很得意的素描/色彩作業上~
老師的評語是：型=基礎
切記~！！多練人物、場景及其相互比例關系~！！
但之後更重要的是掌握軟體~（= = |||誰讓現在是CG動畫時代……）
不過這個不急~
到第二年再說~
掌握軟體並不是指軟體運用熟練程度~~~
我指的是對手寫板之類作畫工具的操作~
大概就是這些了~
前面也說過了~
如果是正規學院~
那一般只招特長生~
要是交錢OK的~
即便沒有功底好好上以後也有飯吃~
還有就是動畫的一些基本常識最好先掌握~
比如日、美、法、disney、pixar的動畫發展史~
還有諸如手冢治蟲、宮崎駿等動畫大師的發展歷程
以及動畫術語、藝術動畫、商業動畫的最基本的概念要在腦子里明確~
其他~也就沒什麼可說的了~~

4. 沒學過畫畫，可以學設計類的專業嗎

沒學過畫畫，不可以學設計類的專業，設計類專業都要求有美術基礎。

設計方向強調堅實的繪畫基礎和美術功底，注重學生的審美素質和創造性思維的培養。

高等教育自學考試藝術設計專業（專科），要求考生以馬克思主義、毛澤東思想、鄧小平理論和「三個代表」重要思想為指導，較系統地掌握藝術設計的知識、技能，並具有藝術設計的能力，成為能較好承擔藝術設計的相關專門人才。

(4)人體繪畫設計與創造擴展閱讀

主幹課程：

1、設計素描、設計表達技法、平面構成與設計、色彩構成與設計、立體構成與設計、工業設計導論、工業設計史、模型製作、工程制圖、工程力學、機械設計基礎、機械製造基礎；平面設計、產品形態設計、多媒體設計表達、技術美學。

2、產品設計程序與方法、產品計劃與價值分析、產品創新設計、計算機輔助產品設計、計算機輔助工業設計、產品設計原理等。

藝術設計專科的基本要求：具有從事藝術設計相關工作的職業道德修養，掌握藝術設計的基本理論、基礎知識和基本技能；具有一定的運用專業知識實際操作的能力。

根據高等教育自學考試的特點，強調實用性，強調考生實際能力的培訓，注重考生對基本理論，基本知識和基本技能的掌握，培養考生運用所學知識分析問題、解決問題和實際操作的能力。

5. 藝術史的創新和創造性對美術教育的啟發

創造性思維通常指創造性地發現問題和解決問題的思維，它具有新穎性 和獨特性的特點，能使學生的學習活動中發現問題，有助於培養學生的鑽研精神，開發學 生的智力和發展能力。而美術學科是以培養學生對藝術的興趣與愛好，以教授學生的美術 基礎知識與基本技能;開發學生的藝術素質;培養和發展他們的審美能力，激發學生學習 活力與創造力為其特點的。作為美術教師在引導學生學習美術基礎理論和技法的同時，更 應注重培養和發展學生的創造性思維。那麼，如何在小學美術課堂教學中，培養學生的創 造性思維呢? 一、精心做好教學設計，充分調動學生的學習積極性，激發學生的求知慾望，培養學 生的創造意識。 二、樹立學生為主體的意識，引導學生多角度觀察問題、發現問題，培養學生的求異 思維，發展學生個性。 三、鼓勵學生多方聯想，引導學生學習必要的知識與技能，發展學生的想像力，培養 學生的自信心。 四、認真進行作品評價，激發學生的學習動機，提高學生的審美評價能力，培養學生 的思維獨創性。 關鍵詞:創造意識 求異思維 想像力 美術教育 正文:人類已經步入二十一世紀，以知識經濟為特徵的現代社會的高速發展，需要的 是高素質的人材，而高素質的人材要靠教育來培養，作為藝術教育之一的美術教育其根本 目標是全面培養學生的素質與能力，而對學生創造思維能力的培養更是美術教育的重中之 重。美術學科與其他學科相比，在對學生創造思維能力培養方面有其不可替代的作用。因 為美術無固定的答案，作品貴在創新。即使兒童的作品也具有獨立的審美價值，這對培養 學生創新與創造能力方面無疑超過其他學科。 創造性思維通常指創造性地發現問題和解決問題的思維，它具有新穎性和獨特性的特 點，有助於培養學生的鑽研精神，開發學生的智力和發展能力。由於美術學科的特殊性和 無窮的藝術表現力，美術表現形式的不斷創新，而這些創新又必須從發現問題開始，才能 有創造性地解決問題。作為美術教師的在引導學生學習傳統基礎理論和技法的同時，更應注重培養和發展學生的創造性思維。那麼，如何在小學美術課堂教學中，培養學生的創造 性思維呢? 一、精心做好教學設計，充分調動學生的學習積極性，激發學生的求知慾，培養學生 的創造意識。 課堂教學是實施素質教育的主渠道，而進行課堂教學的基礎又是好的教學設計。可以 說教學各環節組織、設計的好壞，直接關繫到課堂教學的成敗，同時也直接影響到學生對 教學內容的注意、接受與理解。在課堂教學中，學生積極性的調動，關鍵是引起學生的有 意注意。每位學生都有好奇心，這是對學生的天性，是對新事物探究的一種心理傾向，學 生一旦對客觀事物產生興趣，亦會在頭腦中產生許多疑問，而積極的去思考，並力求獲得 新的認知。所以精心做好教學的組織設計是十分必要的，可以說這是培養學生創造意識的 重要途徑。如對《生活用具--鉛筆線描寫生》一課的教學設計，從內容上看本課比較枯 燥，不易調動學生的積極性;從表現角度看，學生對線描的認識易停留在對物象外型的表 現上，不易創作出相對深入、生動的作品。所以在設計教學時，教師應在教學初始，就要 引起學生的有意注意。如:採用比較法教學導入，選取表現內容一致的兩幅作品，一幅為 素描作品，一幅為速寫作品。通過對比，引導學生認識作品的不同表現形式所產生的不同 效果。再在內容上選取學生較感興趣的用具(馬燈、斧頭等新異物象)，當教師再次用簡 練的線條迅速的表現出一幅生動的靜物速寫作品時，學生就會對如何表現這一內容產生極 強的學習慾望，對線條的運用、表現、組織方式、方法等產生興趣，再通過輔導、展評等 環節的精心設計，學生就會在高漲的學習熱情中完成各自的速寫作品。 這些對學生興趣的調動，必將引起學生對繪畫表現技能及其頭腦中深層表象內容的挖 掘，激發起創造意識，所以說，好的教學設計能夠調動學生的學習積極性，十分有利於學 生創造思維能力的發展。 二、樹立學生為主體的意識，引導學生多角度觀察問題、發現問題，培養學生的求 異思維，發展學生個性。 臵學生於學習的主體地位是素質教育的主體地位意識，是充分調動學生自覺、積極地 參與教育過程，最大限度激發其創造思維活動的最關鍵的一環。 創造思維的顯著特點是其思路具有多向性，而多角度觀察內容的積累及表現又是實現 思維多向性的基礎。通過教師給學生正確的觀察順序和觀察方法，提出明確的觀察任務， 指導學生進行多角度觀察、比較觀察，逐步養成有目的、有意識的觀察習慣;學會在觀察中發現問題，促使學生沿著不同的途徑，突破習慣的范圍，產生出變異見解，並由此而發 展學生自身的獨立表現個性，是完成學生創造思維能力發展的先決條件之一。 兒童思維是以具體形象思維能力為主要形式逐漸過渡到以抽象邏輯思維為主要形式 的，但這種抽象邏輯思維在很大程度上，仍然直接與感性經驗相聯系，具有很大成分的具 體形象。所以對兒童的藝術教育絕不能簡單地按成人的意志，以成人的標准教給學生，應 以學生的自由表現為主，重在發展學生與生俱來的創造本能與創造熱情。兒童的繪畫作品 甚至比成人更純真、更富創造性。在教學中應鼓勵學生在觀察與表現中，不拘泥於客體的 外在形象，學生可任意將觀察視點擴展，不僅表現所見，也表現所思、所感，甚至可以將 整個客體幻化成有活力的生命，承認學生審美個性特徵和差別的客觀存在，使學生始終處 於學習的主體地位，這樣他們的內在原動力就會不斷地被激活，其智力潛能就會充分地發 揮出來，逐漸形成積極認識世界，創造美的世界的能力。 三、鼓勵學生多方聯想，引導學生學習必要的知識與技能，發展學生的想像力，培 養學生的自信心。 鼓勵學生多方聯想，在聯想過程中使學生的聰明才智得以發揮，是培養創造思維能力 的又一種有效方法。在教學中，引導學生學習必要的知識與技能是培養學生創造思維能力 發展的重要條件之一。如果學生對自己的創造力並沒有真正的認識，就會缺乏應有的自信 心，教師應把創造學的觀點深入淺出的講給學生聽，使他們認識到自己是有創造才能的。 沒有這些，任何出色的構思都難以實現，樹立學生的自信心也就無從談起，更不要說全面 培養學生能力了。 在美術課堂教學中，教師還要樹立新的教學觀，從傳統的教學觀念中走出來，從過去 的「教」學轉化為「悟」學。前者的作法是要把知識講深講透，掰開揉碎填鴨式的教給學 生，學生易失去自我探究的動力的和習慣。而「悟」學的作法是以學生本身為起點，點化 學生的悟性，把學生帶入環境中，讓學生自己尋找所需要的東西。這樣無論何時何地學生 都會找到學習的突破點。記得有位名人曾說過，一般的教師教給學生的是真理，而優秀的 教師是教學生去發現真理。 促進學生進行聯想感悟的方法有很多:如運用語言描述;通過學生自身感官去感受; 組織表演等多種方法。通過這些方法能夠使學生積極的參與教學，並能使其產生與視覺形 象有關聯的形象或生活經歷、經驗的聯想， 創造出新的形象。在學生進行聯想時，教師 要根據學生課堂上表露出的想法加以引導，使學生在美術課上沒有失敗和犯錯誤的感覺， 創設一種輕松愉快的教學氛圍，在這樣的情境中，學生能夠充分的表現自我，形成自信。如對《上學路上》一課的教學，學生雖然在上學的路上會看見遇到不同的景物、人物，但 當讓他們進行創作表現時，學生就會感覺到有一定的難度，這樣非常有必要以兒童化的語 言給學生講解一些有關於創作方法的問題，如:如何構思;怎樣選材;怎樣概括取捨;怎 樣設計形象及組織畫面等問題。當然對這一部分的知識講解不要過多，過多學生就會在表 現時畏首畏尾，要使學生理清思路，學生就會很容易創作出好的作品，當學生出現表現房 屋概念化的時候，若通過學生用語言進行特徵描述，教師在根據其創意進行有針對性的語 言引導啟發，就會調動其思維的活躍，樹立起藝術表現的自信心。 再如:《畫彩蛋》一課的教學，可通過讓學生進行不同質感的(皮球、雞蛋、棉球等) 觸摸體驗，去了解物體的概念，質的問題，並進行聯想，由於學生觸摸不同物體其質感不 同，就會創作出如小豬。西瓜。雲等不同的物象。同時在對學生作品進行評價時，以鼓勵 性語言為主去引導學生。這樣做十分有利於培養學生良好的心理品質和發展他們的聯想能 力。想像是比聯想更高級的心理活動，它是在聯想的基礎上進行的創造。由於學生的素質 與表現水平的差異，有必要在表現主題上設臵不同難易的表現主題。 四、認真進行作品評價，激發學生的學習動機，提高學生的審美評價能力，培養學 生的思維獨創性。 作品評價是美術課堂教學效果反饋的一項重要內容，通過對作品的評價，從中可以發 現在教學過程中，教師的主導學生的主體地位是否擺在了恰當的位臵，學生對所學內容掌 握的程度如何等。引導學生評價作品時，可先引導學生對作品進行自我評價，再在小組中 進行相互評價，還可在組際間進行評價。通過評價，學生會對作品所呈現出的不同表現形 式，內容等方面產生興趣，去尋求運用自己所學的知識去重新進行理解再認，無論其再認 的是對是錯，學生都會有一個心理綜合的反應過程，其反應越迅速，感受能力就越強，獨 立思維就越活躍。在評價學生作品時，教師決不能以「像不像」的「客觀」標准來評價學 生作品，而應是看學生作品中是否有個人對客體獨特的感受和獨特的見解，是否抓住了客 體突出的一點進行深入刻畫。因為無論什麼樣的學生，都具有自己獨特的心理活動，教師 要善於發現其個性化的表現因素，從中采擷出閃光點，及時加以鼓勵和表揚，對於好的給 予正面肯定，對於需要改進的方面提出建議，決不能把教師的意圖強加給學生。評價時， 要以其創意為尺度，創意好，畫面效果好可評為優，創意不夠，畫面美感不強的提出努力 方向，留給改進的餘地，畫好後下堂課再評，給每位學生以再表現的機會和希望。 如對小學《人物動態》一課的教學，在學生完成作品時，由於學生表現內容的多樣， 教師要在眾多的作品中綜合成幾類典型，並啟發學生要從哪幾個方面進行評價(創作時間、表現效果、技法內容等)，怎樣評價等問題。評價時可讓學生先對自己的作品進行創意設 計表述後，學生互評，教師隨機穿插、引導補充評述，並引導學生對運動規律、人體結構、 生理現象等細節方面的觀察與理解，促進學生對作品的感悟能力與綜合評價能力的提高。 這樣做便於學生相互間交流與溝通，同時找出自己的不足，有利於教師發現學生的閃光點 及其創意與表現間的差距，為下一課有目的、有側重地進行教學或輔導提供依據。通過這 樣的訓練，學生的獨立審美評價能力就會得到增強，同時學生進行再創造的慾望也會更強 總之，培養學生創造思維能力的方法有很多，只要不斷地積極探索，學生的創造性思維能力就會得到有效的鍛煉和發展，學生一旦具備了較強的創造性思維能力，不僅能改善 學生的學習狀況，激發學生的學習動機，還能使其在藝術道路上終生受益。我們的美術教 育也就能真正落到實處。

6. 簡述藝術設計與純（繪畫）藝術的區別

藝術的定義是通過塑造形象。具體反應社會生活，表現作者思想感情的一種是會藝術形態。
藝術設計局限與市場它是為市場的需要而去設計的，它與純藝術上的創作有本質上的不同的。而藝術（繪畫藝術）是將事物、想像物經過主觀處理表現出來的的行為。
表象的是作者的感受，並能讓觀者感受的東西。
藝術設計也是將事務、想像物經過主管處理表現出來的行為但它不是表述作者的感情而是出動觀者的感情，有目的性。
藝術（繪畫藝術）是由主觀而產生，內容全由作者的當時的主觀意識決定的。藝術設計適應客觀而產生的，它需要滿足市場對它的要求。
從某種意義上他們是性質是一樣的。但是他們所面向的社會而使他們本質上產生巨大差異。本質的區別藝術是充滿感性的，設計是理性的，有嚴格邏輯的
生存意義上的區別真正的藝術只服從於創作者的個人，以滿足創作者、取悅創作者而為其誕生的唯一目的。而設計恰恰反過來，設計服從市場，服從整體市場營銷策略，是一個整體營銷策略中的一環。
藝術強調的是藝術創造者個人風格的發揮，它是個人風格的展現，而藝術設計它有依附性，它必須服從市場，服從市場營銷策略。它的目的是強調商品，讓人們更容易被吸引從而創造利潤。
設計與繪畫最大的區別在於其對商品的依附性上。設計得成功與否在於它能否通過美化產品而最終實現促銷的目的
從藝術設計者而言：藝術設計注重的是「商品」，繪畫藝術注重的是「設計者本身」；即是客觀和主觀的比重問題。一個好的藝術設計肯定是受大眾歡迎的，但一個好的繪畫作品卻不一定受大眾的歡迎。
在美術專業中有「視覺」一詞，商業中有「知名度」一詞，在人體腦部構成學中有「眼睛」一詞，簡單的說商業設計就是：將其商品進行藝術的加工來豐富人們眼睛對事物的觀感，以此來增強商品在人們心目中意識，從而擴大該商品生產商的知名度

7. 繪畫與設計的關系PLEASE詳細!詳細!

繪畫是設計的基礎．廣大設計朋友換是要先有好的繪畫基礎才能搞好設計．專

設計是繪畫社屬會化的表現．所以不要放棄繪畫．

一個真正的設計大師也是一個真正的藝術家．

做為一個設計人群的我．不的不提醒廣大從事設計的朋友們．：不要放棄繪畫．

只有提高自己的欣賞的層次．才能在這個藝術波動的年代立於不敗之地．

(你把我這擴展下就OK了!)

PS:因為本人還要去回答很多問題``沒辦法幫你回答得太全`~

8. 要成為原畫插畫師需要具備什麼條件

第一 沒有基礎可以學習原畫嗎？？

很多擔心基礎不好的游戲原畫設計愛好者，應當積極的走出誤區：「基礎」和其它事物一樣，並不會憑空產生、更不會無故消失；基礎是經過我們努力改變，得到的收獲；它不是某種阻礙，而是一種正面積極心態 產生的結果。 就好比一位飛行家，必然是從一個門外漢，經過自身努力和不斷學習研究，學會了飛行技巧，又經過日積月累，提高技術從而成為這個專業的行家裡手!

所以，簡單的一句話而言：基礎--不是憑空產生，而是可以通過努力來改變的概念!--有一個心理學前輩的說法：你的想法和你的思維模式，在創造你的未來!心理學家對人類思想的分析：正面而又積極的思維方式，在很大程度上 會影響我們的行為，不斷的激發我們的創造精神，從而成就我們的夢想和事業。

第二 游戲原畫可以自學嗎？

游戲原畫當然是可以自學的，這個是沒問題的，而有一個問題在於，很多自學的同學基本都是半途而廢沒堅持下去，為什麼呢？因為在自學的過程中遇到的各種問題，單純的靠自己是很難解決的，再說現在我們很多人都是急性子，沒有那麼多的耐心去解決學習中遇到的各種問題。

如果大家想讓自己的自學能夠真正的學有所成的話，可以過來聽一下我的原畫板繪每天直播課，每天晚上8點在網上講課，會介紹原畫板繪的各種你不知道的畫法，開闊一下你的思維，

想聽的同學可以加下面的原畫板繪教程(君羊）：它開頭的一組數字是：239，中間的一組數字是：869，位於結尾的一組數字是：377。把以上三組數字按照先後順序組合起來即可。

真正聰明的人總是會借鑒別人的思維和經驗，來解決自己的問題，單純的靠自己閉門造車，有時候只能是浪費時間，自己的努力，加上別人的思考，會讓你看的更遠，不要框限自己，沒那個必要。聽我的課，你肯定會有驚喜的收獲。

9. 想畫動漫人物 但我完全不會畫畫 應該從哪裡開始學 怎麼學 最好詳細點

那就看你是自學還是報培訓班，自學沒有時間限定，而且也是屬於半桶版水的畫渣，畢竟權是拿多餘時間去學也不能說可以學得多好。

如果是想學動漫人物的話，報班的話零基礎全日制培訓，需要學習6－9個月。這樣可以快速入門並精通，當然如果想深造的話1年左右就可以了。具體看自己的要求，如果你是想以就業這方面去學的話，建議系統學習，一定要用心學習，認真練習，仔細總結，只有這樣才能不斷提升自己的建模實力，這也是一個非常科學的學習方法邏輯鏈條。

在上一個好的培訓班的同時，自己也要多下功夫，不能全部都依賴老師，自己能掌握才是關鍵。而且選擇一個好的教育機構至關重要，以王氏教育為例，在全國13個城市都擁有直營校區，全部配備總監級老師現場面授，想知道王氏教育實體培訓有多強，線上聽一聽就get到了：點擊進入王氏教育網校(可下載APP)。

除了高質量的師資，王氏教育在教學研發上的投入更加出眾，可以在應用市場搜索下載：繪學霸APP，這款APP是王氏教育多年教學研發迭代，自己開發的一款教學輔助APP，上面有大量的課程視頻教程，有數萬新老學員在裡面交流和學習，同時還有成千上萬的公司在上面招聘，可以去了解下。

10. 如何理解解剖學是繪畫創作的奴僕和源泉

解剖學是從造型藝術角度研究人體結構的科學,又稱造型解剖學,主要研究人體解剖,著重人體的比例、體積、外部結構以及內部結構顯露在外部的部分(如外表可見的肌肉、體表靜脈、骨突起等),研究人體根據姿態、情感、運動而形成的各種變化,揭示人的情緒、心理境況、修養和靈魂等在人體上的反映,研究和感受真的生命變動和特殊性。
薩拉的《藝用人體解剖》的觀念：「人體解剖學的研究不僅僅在於各部位的名稱及對其功能的理解，更是對我們自身這一奇妙實體在這個世界上存在的一種贊美。」(第9頁)她訴諸其中的基本思想是：解剖學不僅是一門學科，其本身就是一種藝術。薩拉認為：「當代藝術家引導下的這一題材創作也會與歷史上其他時期一樣風格各異，多姿多彩。藝術家同樣地在詮釋一種視角和一種見解，以技巧、新的技術和不斷創新的想像力去創作，用果敢且富有見地的手，在對人體必定死亡的感嘆與驚詫的兩種處境中，去製作可能是供我們了解、有時又是為我們自己來描繪的人體。」(第27頁)薩拉推介的這些人體解剖作品向我們揭示了人體本身的非凡構造，也凸顯了人體在當今西方藝壇所具有的經久不衰的卓越地位。
把藝用人體解剖學的理論知識運用到實際的繪畫創作中，真正地做到理論和實踐的結合。嚴格地以人體結構的科學理論為依託，並善於利用人體構造的理論知識，才能較為深入、真實地描繪和造型，解決人體造型中的諸多問題。人體造型解剖學是藝術創作的基礎和美術基礎教學的必要，而不是醫用解剖學。二者對人體生物特性的觀察及探索是一致的，差異是研究和探索的方向不同。所以，用藝術家的眼光對解剖學的認知，提高對繪畫創作活動和教學實踐指導，不斷錘煉學生們繪畫作品的藝術語言，提高藝術表現力，用藝術家的眼光對解剖學的認知，提高對藝術創作活動和教學實踐指導，有非常重要的現實意義。
解剖學是通過剖析正常的人體組織，從中獲得對人體造型結構、表情及運動規律的科學認識。但是它不可能包羅繪畫、雕塑、服裝設計等各種人體造型專業的特定技法，更不能代替不同藝術思潮對人體造型的各種方法。學習解剖學知識，必須同觀察人體標本與造型藝術實踐練習緊密結合起來，只有這樣才能逐漸將其中的知識變為人體造型的潛在能力。由此可見解剖學是繪畫創作的奴僕。
在列賓的《俄羅斯素描解剖教程》中曾明確指出：「人體是大自然美景中最為復雜、完美的一種形式。研究人體造型可以使美術家在各種造型藝術創作中獲得所需要的專業知識。所有造型藝術大師的創作生涯都是從研究藝用解剖學開始的。藝用解剖學歷來是畫家們必須掌握的一門學科，否則，就不能塑造出真正的藝術作品來。因此，藝用解剖學是每一個希望掌握繪畫技巧的美術工作者必不可少的一門知識。」
中國近代自有了正規美術院校以來，課程中也開始注重傳授人體結構知識，開設藝術解剖學作為美術專業的必修科目是非常必要的。
將人體造型解剖結構運用到實踐的繪畫中，不僅僅只是為基礎知識而基礎知識，基礎之所以是基礎，就是因為它是為藝術創作的更高層次服務的。沒有人體造型基本知識、造型的訓練，所謂更高層次的藝術創作就是空中樓閣，這也具有非常重要的理論意義。
藝術來源於生活,藝術來源於實踐，藝術距離我們如此之近（它與我們的日常生活息息相關），又如此之遠（藝術創作是那麼的困難）。就像很多人說藝術創作是一條寂寞、艱辛、卻又充滿了無限希望的路。由於東西方傳統文化的不同,人體解剖學在西方取得了較大的發展,並產生了大量優秀的人體繪畫作品。而中國古代人體解剖學發展緩慢。隨著20世紀初,西方人體解剖以及透視等科學的繪畫原理傳入國內,給中國的人物繪畫帶來了翻天覆地的變化。本文以時間為線索,通過分析古今中外的優秀的人體繪畫作品中人體解剖學的靈活運用,探尋人體解剖學對於繪畫的意義。研究人體的結構便是為了讓我們明白事物的本質,明晰結構關系中的基本規律,正如石濤「搜盡奇峰打草稿」對自然山水的深入研究一樣,這是藝術創作的基礎。但是對結構的認識不應該只停留在技術基礎的層面,擁有了升華了的精神元素和創造性的感染力才是藝術作品的真諦。
在美術人物造型中，無論是表現裸體的，還是著裝的，造型藝術要求在造型過程中，或在作品形象的內涵中、都必須將人體客觀內在的結構視覺感受根據需要表現出來。對結構的表現，不應局限在作品的外在刻畫中，更多的應是藝術家對其內涵的感受與把握，使作品形成含而不露的藝術魅力。由此可以看出解剖學是繪畫創作的源泉。
綜合以上探究我們可以分析出解剖學為何是繪畫創作的奴僕和源泉。