夏加爾美術創造力理念

① 夏加爾！！！！！！

資料馬克·夏加爾（俄文名字 Марк шагал）（1887-1985）生於俄國，早年的猶太人習俗是他根深蒂固的想像之源。
他的風格兼有老練和童稚，並將真實與夢幻融合在色彩的構成中。由於他的國家要求某有一種類型的藝術，他被迫遠走他鄉，在美國和法國之間來回。夏加爾是個高產畫家，作品范圍包括繪畫，鑲嵌畫，舞台設計，織錦畫等，許多公共建築物，如巴黎歌劇院及紐約聯合國總部等都有他的作品。
編輯本段地位
馬克·夏加爾Marc chagall，1887 年－1985年。白俄羅斯裔法國畫家、版畫家和設計師。他的作品依靠內在詩意力量而非繪畫邏輯規則把來自個人經驗的意象與形式上的象徵和美學因素結合到一起。
夏加爾幾乎一直工作到他生命的最後一刻。他的油畫色彩鮮艷，別具一格，每每把猶太民間傳說融入作品，並從自然界天真朴實的形象中汲取素材。是一位追求天真純朴，從俄國鄉下猶太居民到巴黎的畫家。他歷經立體派、超現實主義等現代藝術實驗與洗禮，發展出獨特個人風格，在現代繪畫史上佔有重要的地位。
編輯本段個人簡介家庭背景
馬克·夏加爾生於俄國西部的小城捷布克斯。他的父親是一個普通的工人，
一心想把兒子培養成一個有學問的拉比。因此，夏加爾16歲以前一直在猶太經學院中學習猶太經典。但他從小就對繪畫有特殊的興趣，並表現出敏銳的觀察力。當他母親注意到這一點後，就果斷地讓他去學畫。在學了幾個月後，他發現他的老師不如他畫得好，就離開家鄉到聖彼得堡去學習。後又去巴黎等地觀察，與同行交流，最後終於成為一代大師。他的畫主要是表現俄國猶太人的生活，他本人也一直與猶太文化和宗教保持著密切的聯系。他說：「如果我不是一個猶太人的話，那麼我就決不會成為一個畫家，可能成為一個和今天的我完全不同的人……我在生活中的唯一要求不是努力接近倫勃朗、戈萊丁、丁托利克以及其他的世界藝術大師，而是努力接近我父輩和祖輩的精神」。
畫風
馬克·夏加爾在法國藝術的影響下，新的巴克斯特畫室聲譽鵲起。它具有現代藝術的光輝，並和法國保持著接觸。夏加爾進入這家畫室，受到深刻的震動。1914年,他決定應紐約現代藝術館的邀請去美國。他痛苦地關注著在歐洲發生的事件，在因自己種族的痛苦和自由受到威脅而發生的吶喊聲中，他的畫風大變。1944年9月，其妻帕拉·夏加爾去世。於是，對過去的和更遙遠的時期的強烈回憶貫穿了他的作品，使畫家如同畫中的一個人物，並以異乎尋常的熟巧超越了生活。他完成了從1937年就開始創作的名為《在她周圍》的大型作品。它成為以回憶帕拉為中心的全部他所喜愛的題材的綜合體。1945年，夏加爾創作了斯特拉文斯基的芭蕾舞《火鳥》的背景、幕布和服裝。
1947年，他回到法國定居，從1949年起，他住在旺斯，拿出過去的草稿，開始創作一系列新的油畫，讓巴黎的景色充滿神奇的回憶。夏加爾對於當代藝術的貢獻顯得愈來愈重要。
去世
1941年，研究超現實主義創始人的安德烈·布雷東指出：從1911年起，他的藝術便推翻了形貌成分和規律的障礙。1985年3月28日，夏加爾在法國濱海阿爾卑斯聖保羅去世。
編輯本段大事記
馬克·夏加爾
1887年7月7日，馬克·夏加爾出生於俄羅斯西部一個猶太人大家庭。
1910年來到巴黎發展。曾在獨立沙龍展出作品，
1914年在柏林舉辦個人展。他回家鄉探親訪友時，恰好趕上第一次世界大戰
爆發，然後是布爾什維克革命。
1923年返回巴黎。在巴黎開始從事版畫創作，為許多紀念版圖書製作了數百幅蝕刻畫。
1941年他離開巴黎前往紐約，為斯特拉文斯基的芭蕾舞劇《火鳥》設計舞台背景和服裝。
1948年再度定居法國之後，他為耶路撒冷、巴黎和美國的一些公共建築製作了不少彩畫玻璃窗和壁畫。
1949年起，他住在旺斯，拿出過去的草稿，開始創作一系列新的油畫
1985年3月28日，夏加爾在法國濱海阿爾卑斯聖保羅去世。
編輯本段職業生涯家庭
1887年7月7日，馬克·夏加爾出生於俄羅斯西部距離波蘭國境不遠的維捷布斯克一個貧窮的猶太人大家庭。除他而外，家裡還有8個孩子。他家正如維捷布斯克約2萬名猶太人中的大多數一樣，非常寒酸，只是未達到一貧如洗而已。父親在一個鯡魚倉庫工作，母親開小商店，賣魚、麵粉、糖和調味品。從這個家庭，夏加爾獲得了他一生也取用不盡的寶貴財富，那就是以大量的俄國和猶太民間故事為背景的文化傳統。從小浸潤其間的夏加爾因而擁有了與眾不同、童話般的幻想感覺，在日後的藝術創作中無處不顯露出它們的存在。
少年時代
少年時代，夏加爾先上猶太宗教小學，後入用俄語教學的地方公立學校。他在學校學得繪圖的基本知識以後，就在當地的寫實派畫家J·佩恩的工作室學習繪畫。1907年，夏加爾去聖彼得堡，斷斷續續學習了3年，最後投入L．巴克斯特門下，當時巴克斯特正在開始作為舞台設計師的光輝歷程。
夏加爾在其成熟早期的代表作品是令人毛骨悚然的《死人》(1908)，其中有一名屋頂小提琴手；《我的戴黑手套的未婚妻》(1909)，在這里，一幅肖像變成了試驗黑白對照的大好機會。
贊助生活費
1910年，夏加爾由聖彼得堡的一位贊助人提供生活費，前往巴黎。在蒙帕爾納斯的一套房間里住了一年半之後，他遷移到鎮邊專供放盪不羈的藝術家們居住的被稱為「蜂箱」的破爛不堪的住宅區的一個工作室。在這里，他結識了先鋒派詩人B·桑德拉爾、M．雅科布和C．阿波里耐，以及一些將來必定成名的青年畫家——表現主義派C．蘇蒂恩，抽象彩色派R．德洛內，立體主義者A．格萊茨、J．梅桑熱、F．萊熱和A．洛特。在這樣一夥人中，幾乎每一種繪畫的大膽嘗試都受到鼓勵，夏加爾在激發推動下迅速展開他在俄國已經略見端倪的富有詩意而似乎不合情理的獨特風格。同時，由於他在巴黎各博物館和商業畫廊所見到的印象派、後印象派和野獸派繪畫的影響，他放棄了在家鄉時經常使用的陰沉的色調。
黃金時期
一般認為，在法國首都第一次逗留的4年是夏加爾的黃金時期。這一時期的代表作有《七個手指的我》(1912)、《我和我的村莊》(1911)、《向阿波里耐致敬》(1911—1912)、《髑髏地》(1912)、《拉小提琴的人》(1912)和《從窗口見到的巴黎》(1913)。在這些畫里，夏加爾已經基本上確立了他此後60年的畫風。他所用的顏色雖然偶爾很淺，但已開始具有錯綜復雜和交相輝映的最終特性。形象往往稀奇古怪，常上下倒置，任意放在畫布的某個地方，產生的效果有時類似電影蒙太奇，並顯然故意使其能暗示出幻夢的內容。一般氣氛可以含有一個意第緒語笑話、一段俄國神話故事或一場滑稽歌舞劇的表演。主要人物常常是風流英俊、一頭卷發、面孔頗像東方人的青年畫家自己。對兒童時代和對維捷布斯克的回憶已經是構思的主要源泉之一。
第一次個展
在巴黎每年的獨立沙龍和秋季沙龍展出作品之後，1914年夏加爾在柏林現代派出版

物《突擊》的畫廊里舉行了他的第一次個展，給德國表現主義集團留下深刻的印象。他去看了展覽就返回維捷布斯克，正趕上第一次世界大戰爆發。這時他以比較寫實的風格畫當地景色和一系列老年人的習作，這些習作的例子有《在祈禱的猶太人》，或名《維捷布斯克的拉比》(1914)，以及《穿綠衣服的猶太人》(1914)。1915年，夏加爾與維捷布斯克富商的女兒貝拉·羅森菲爾德結婚。婚後，貝拉在許多幅畫中出現，其中有一幅題名《生日》(1915—1923)的畫，描繪情人私奔；另一幅《雙重肖像和一杯葡萄酒》(1917)，神工鬼斧，活靈活現。
十月革命
1917年俄國十月革命時期，夏加爾起初熱烈擁護革命，出任維捷布斯克地區藝術人民委員，著手在當地創辦美術學院和博物館的宏大計劃。但是，在兩年半的緊張活動中見到美學上和政治上的爭吵日益加劇之後，他放棄了工作而移居莫斯科。在那裡，他一度把注意力轉向劇場，為猶太作家S．阿萊切姆的劇本製作舞檯布景和服裝，為莫斯科小劇院作壁畫。1922年夏加爾永別了俄羅斯，首先前往柏林，在那裡發現他1914年留下的大批繪畫已經失蹤。1923年再次定居巴黎，這回是帶著妻子和—個女兒。
學習雕版技法
夏加爾在柏林時曾學習雕版技法。通過友人桑德拉爾介紹，他結識了巴黎經營藝術品的商人A．沃拉爾，後者立即委託他為N．果戈理的長篇小說《死魂靈》的豪華版蝕刻一套插圖，從而使他有長期從事版畫的經歷。在此後3年間，他為果戈理的名著製作了107塊整頁大的圖版。這時，沃拉爾又心生一計，要仿照18世紀的印本刊行拉封丹的《寓言》，加彩色插圖。夏加爾制出100幅用於復印的廣告色畫，但很快就了解到他所用的顏色過於復雜，付印的工藝過程無能為力，於是他改作黑白蝕刻，全部圖版於1931年告成。當時沃拉爾又產生另外—個主意：為《聖經》蝕刻—套插圖。1939年由於第二次世界大戰開始和沃拉爾去世，工作計劃停止進行，這時夏加爾已完成66塊圖版。到戰後，總共達到105塊。巴黎出版商E．泰里亞德拾起沃拉爾的許多遺業，1948年出版《死魂靈》，每章章首加一蝕刻版畫，增11幅，總共118幅；1952年出版拉封丹的《寓言》，加封面蝕刻版畫2幅，總共102幅；1956年出版《聖經》。除了這些大大推遲完成的業績外，夏加爾還製作了一些較小的蝕刻版畫集，許多單個的圖版，以及數量可觀的彩色石版畫和單版畫。在20世紀20年代和30年代初期，他所生產的大幅油畫數量減少，據許多批評家的意見，質量也降低了。但是不論如何，它們顯然更富有詩意，而且越來越受一般群眾的歡迎。例子是《新娘新郎和埃菲爾鐵塔》(1928)和《馬戲表演》(1931)。但是，隨著希特勒的上台以及一場新的世界沖突的威脅增大，這位畫家開始具有一種完全不同的視覺，在氣勢磅礴的《白色的耶穌受難像》(1938)中反映出來。
蝕刻版畫
在兩次大戰之間的時期，夏加爾一直漫遊天下，1924年在不列塔尼，1926年在法國南方，1931年在巴勒斯坦(准備作《聖經》蝕刻版畫)，1932——1937年在荷蘭、西班牙、波蘭和義大利工作。1931年出版過去用俄語寫成的《我的生平》的法譯本。1933年在瑞士巴塞爾藝術大廳舉行大規模的回顧展，1939年獲得卡內基獎金，確立了他作為已有定評的現代巨匠的聲譽。
第二次世界大戰爆發後，夏加爾移居到法國的盧瓦爾地區。此後，當納粹對整個歐洲的猶太人的迫害越來越成為現實的時候，他一再向南移動。最終，在1941年7月，他帶領全家去美國避難。在
隨後的幾年中，夏加爾大都在紐約市或其附近度過。夏加爾在繪畫中一度繼續發揮他在法國已經用過的主題，這一時期的典型作品是《黃色的耶穌被釘死在十字架上》(1943)和《羽毛和花朵》(1943)。但是，他的妻子貝拉在1944年去世了，夏加爾對她的回憶往往以維捷布斯克為背景，變成反復採用的繪畫主題。在《在她身邊》(1945)中，她的形象是一個哭泣的妻子和夢幻的新娘，而在《洞房花燭》(1945)和《夜曲》(1947)中，她又是新娘了。1945年紐約市演出I．斯特拉文斯基的芭蕾舞劇《火鳥》，夏加爾為之設計了背景幕和服裝。美國的藝術批評家和收藏家們對他的作品不是始終抱有好感，1946年在紐約市現代藝術博物館以及幾個月後在芝加哥藝術學院舉行的一次大規模回顧展給予他們糾正自己看法的機會。
再次定居法國
1948年，夏加爾再次定居法國，起初在巴黎郊區，最後在法國里維埃拉地中海濱的旺斯和聖保羅附近。1952年，夏加爾與瓦娃·布羅德斯基結婚，並且以65歲的高齡開始了一個幾乎可以稱為新的藝術生涯。不過，他的作品中繼續出現司空見慣的、富有詩意的、來自記憶的主題。1953——1956年間，夏加爾一方面不忘記自己的老家維捷布斯克，同時在熱愛巴黎的激情下創作出一系列繪畫作品。1958年巴黎歌劇院上演M．拉威爾的芭蕾舞劇《達菲尼與克羅埃》時，由他設計了布景和服裝。1958年以後，他設計了不少彩色玻璃窗畫，首先是為梅斯大教堂(1958——1960)和耶路撒冷哈達薩—希伯來大學醫
學中心會堂(1960——1961)。1964年他為紐約州富爾頓的一座教堂完成了窗畫，又為巴黎歌劇院完成了新的天頂畫。兩年後，為紐約林肯中心的大都會歌劇院新館完成兩個大型壁畫《音樂的源泉》和《音樂的勝利》。1967年大都會歌劇院上演莫扎特的《魔笛》時，由他製作布景和服裝。1973年，馬克·夏加爾聖經啟示博物館在法國尼斯舉行奉獻典禮。1977年法國對他表示尊敬，在巴黎羅浮宮舉行一次回顧展。同年，夏加爾的《美國之窗》在芝加哥美術館揭幕。
包括巨大的花束、悲哀的小丑、私奔的情人、奇異的動物、聖經的先知和屋頂小提琴演奏者等在內的一大套形象使得夏加爾成為20世紀巴黎一派卓越革新家中最受歡迎的人物之一。他用豐富的色彩和流暢的畫筆表現了這種有如夢幻的主題。他的作品反映出他很熟悉表現主義、立體主義、甚至抽象等等1914年以前的各種流派，但是依然不變獨特的畫風。批評家們有時對這位藝術家的大量產品發點牢騷，說它們常帶感傷情緒，質量好壞不等，主題重復過多，但是大家一致同意：他在最佳作品中達到了現代藝術界很少有人能望其肩項的視覺隱喻的水平。
1985年3月28日，夏加爾在法國濱海阿爾卑斯聖保羅去世。留給世人的是他那充滿濃濃的鄉愁情結的繪畫作品：「即使來到巴黎，我的鞋上仍沾著俄羅斯的泥土；在迢迢千里外的異鄉，從我意識里伸出的那隻腳使我仍然站在滋養過我的土地上，我不能也無法把俄羅斯的泥土從我的鞋上撣掉。」這就是夏加爾。
編輯本段個人評價汲取素材
馬克·夏加爾，俄國出生的藝術家。夏加爾幾乎一直工作到他生命的最後一刻。他的油畫色彩鮮艷，別具一格，每每把猶太民間傳說融入作品，並從自然界天真朴實的形象中汲取素材。
夏加爾以其夢幻式、奇特的意象且色彩亮麗的帆布油畫聞名。其作品中有兩幅為紐約市都市歌劇院設計（1966年）的大型油畫。弗蘭茲·邁耶爾認為，1937—39年畫中的「新自然
感覺」是夏加爾在那一時期個人事務的安全感不斷增強的結果。夏加爾的作品遵循一種永恆的可以適用於任何時代、任何社會的主題，而且這主題能使人聯想到生活本身的持續性。夏加爾回到俄羅斯以後，因為沒有以前的作品用來對照以激發靈感和一較高低，只好再次改弦易轍，專攻肖像畫及生活情景畫。夏加爾對貝娜的愛情始終是他繪畫作品中不斷表現的靈感。在法國，夏加爾重新開始早在1931年就已著手進行的為《聖經》繪制插圖的工作，這次是一種嶄新的、比較自由的風格。
風格特點
他的風格兼有老練和童稚，並將真實與夢幻融合在色彩的構成中。由於他的國家要求某有一種類型的藝術，他被迫遠走他鄉，在美國和法國之間來回。夏加爾是個高產畫家，作品范圍包括繪畫，鑲嵌畫，舞台設計，織錦畫等，許多公共建築物，如巴黎歌劇院及紐約聯合國總部等都有他的作品。夏加爾是一位追求天真純朴，從俄國鄉下猶太居民到巴黎的畫家。他歷經立體派、超現實主義等現代藝術實驗與洗禮，發展出獨特個人風格，在現代繪畫史上佔有重要的地位。
編輯本段個人軼事
蒙巴那斯的「蜂箱」里住的大多數是東歐國家來的青年藝術家，當他們三五成群喧鬧著經過天井時，總把小石子扔到夏加爾房間的窗前，約他一起出去玩。但是夏加爾很少參加，他生活虔誠嚴肅，經常獨自工作到深夜。
夏加爾生於維切布斯克，這是一座猶太人占人口百分之四十五的白俄羅斯城市，他1910—1914年住在巴黎時，用他自己的話說就是帶著流放者的心情。他大半生離開俄羅斯，但是俄羅斯沒有離開過他。雖然他說到了法國是他第二次出生地。在俄羅斯顏色是黑白灰，在巴黎顏色是五彩的，他的作品中處處表現出他的俄國根與猶太背景。
夏加爾認為繪畫首先是在平面上布設各種表現：野獸、鳥、人，講究畫面結構的視覺效果，其他附加結構的考慮都是次要的。他反對什麼「幻想」、「象徵」這類的話。他說：「我們的內心世界就是真實，可能還比外面的世界更加真實。」他還說：「把一切不合邏輯的事稱為幻想、神話和怪誕，實際是承認自己不理解自然。」夏加爾強調自己跟畢加索不一樣，他說：「畢加索用肚皮作畫，我用心畫畫。」他兩次大戰之間的大部分心力用在為幾部古典名作果戈里《死魂靈》(107幅)、拉封丹《寓言》(100幅)和《聖經》(108幅)做插圖的蝕刻銅版畫上。
1964年，安德烈·馬爾羅擔任戴高樂政府的文化部長，他請夏加爾畫巴黎歌劇院的天頂畫。夏加爾畫上風姿輕盈飄逸的神與人，浮沉在半空中，既有童話的純真，又有天堂的神秘，竟與十九世紀加尼埃專為歌劇院設計的所謂「拿破崙三世」風格非常和諧。歌劇院這幅天頂畫與八十年代貝聿銘為盧浮宮大院子里增添的玻璃金字塔，被稱為巴黎建築中現代藝術與古典風格完美結合的雙璧。
夏加爾的畫上了天頂，這對他已不是第一次，但是上一次沒有那麼幸運。1914年歐戰爆發前，夏加爾已離開巴黎回家鄉度假。戰爭開始，他只能滯留在維切布斯克，直至1923年才又回到巴黎。戰時「峰箱」的大部分房客也都離去，有的回國參加戰爭，有的到其他地方謀生。「蜂箱」公寓的門房走進夏加爾的畫室，看到裡面的畫，畫上的顏料有的很厚，顯然有防水作用，很高興地拿了幾幅走進自己鴿棚似的小屋，把漏水的屋面拆掉，用夏加爾的畫來堵漏洞！
編輯本段名人名言
馬克·夏加爾
·即使來到巴黎，我的鞋上仍沾著俄羅斯的泥土；在迢迢千里外的異鄉，從我意識里伸出的那隻腳使我仍然站在滋養過我的土地上，我不能也無法把俄羅斯的泥土從我的鞋上撣掉。
·很多人都說我的畫是詩的、幻想的、錯誤的。其實相反地，我的繪畫是寫實的。
·我不喜歡「幻想」和「象徵主義」這類話，在我內心的世界，一切都是現實的、恐怕比我們目睹的世界更加現實。
·我們的內心世界就是真實，可能還比外面的世界更加真實。把一切不合邏輯的事稱為幻想、神話和怪誕，實際是承認自己不理解自然。
·畢加索用肚皮作畫，我用心畫畫。
-------- 馬克·夏加爾

② 有誰了解，夏加爾少兒美術實力如何

夏加兒少兒美術實力的相當的好，而且牌子也非常的響亮，在全國都非常的有名

③ 夏加爾的畫賞析 一定要多一點 5副以上

馬克·夏加爾出生於俄國維切布斯克的一個猶太人家庭。21歲時到聖彼得堡考中央高等工藝美術學校未取，入具有現代藝術傾向的巴克斯特畫室學習。

23歲赴巴黎，在巴黎參加了立體主義畫家的活動，並成為莫迪利亞尼、蘇丁等巴黎派中的成員，他在很短的時間里，接受並融會了凡·高、野獸派和立體派的藝術精髓。

1914年大戰爆發，他回到俄國應征入伍。1915年與帕拉結婚，這時他對悲慘現實有了新的認識。當俄國革命爆發時，被新政權主管意識形態的盧那察爾斯基任命為故鄉的美術委員，這期間他積極地籌建創辦美術學院和美術館。他畢竟是位現代藝術觀念的畫家，不適應新政權又於1922年重返巴黎。在以後的戰爭和種族迫害的動亂年代裡，夏加爾在作品中引進了悲劇的、社會的和宗教的素材。二次大戰時遷居美國，當妻子去世後，他對過去的和更遙遠時期的強烈回憶又貫穿了他的作品。大戰結束後，夏加爾成為西方畫壇一位活躍的藝術家並往返於世界各國從事創作和活動。
夏加爾對現代藝術的貢獻是重要的，現代藝術理論家布雷東指出：從1911年起他的藝術便推翻了形似成分和規律的障礙。事實是，在新繪畫的許多轉折點上，人們都遇到了他的這一藝術，他看上去如此特別和經久不變，然而卻以極其肯定的本能，服從於最流行的研究，並給予它們解決辦法。

《我與村莊》

夏加爾於1910年來到法國巴黎參加了立體派和巴黎派畫家的活動，這是他創作的多產時期，他用身上沸騰著的力量，把現代世界的形狀和野獸派、立體派的理論結合起來。《我與村莊》是他到巴黎後第二年創作的，他用有條不紊的組織方法來描繪不同時空下的現實生活，他以想像和回憶來構思畫面形象。對於他來說現實總是含有對過去和對將來的投影，所以畫面形象從幾個方面展開。他筆下的人物和景物都超脫了呆板的規律，每個細節都保留著生活的真實、完全的自由和盡可能的優美雅緻。這幅畫充滿對童年的追憶、對故鄉的深情、對生活的熱愛。運用的是超現實表現方法，內中有野獸派和立體派影響，但主要是他自己獨特的創造。

《生日》夏加爾於1914年回到俄國，大戰爆發應征入伍駐扎聖彼得堡。1915年與猶太小姐帕拉結婚，這幅《生日》就是對他們婚後幸福生活的描繪。畫家運用超現實的夢幻手法表現生日的一個夢境：畫面上出現的畫家本人和愛妻心醉神迷地飄浮在空中，當帕拉手捧鮮花走過來時，他們熱烈地相吻。在這幅畫中，夏加爾拋棄了形體分解而採用色面分割的手法，以人物黑色禮服、黑褲子與紅色的地毯、桌子檯布等相配造成一種熱情而溫暖的愛的氣氛。他稱自己的藝術是「心理的寫實」，他描繪的不是物體的外觀形象，而是心理感受的世界，他突破時空的限制，多種形象同時出現於畫面

④ 夏加兒兒童繪畫產品特色有哪些

下面小編就來為您一一講述。 夏加兒兒童繪畫產品特色一、BABY塗鴉班(3-4歲) 強化學員對線、形、色的好奇，激發學員的繪畫表達與興趣，進行啟蒙式感覺訓練。 夏加兒兒童繪畫產品特色二、藝術游戲班(4-5歲) 以色彩游戲和圖形游戲的教學形式，開展多方式的創作活動，使學員建立藝術多元化的觀點。 夏加兒兒童繪畫產品特色三、幼兒創想班(5-6歲) 鼓勵學員開始學習和運用多種繪畫材料進行畫面表現，學習對稱與均衡，多樣與統一，主體與背景，重復與變化等形式法則。 夏加兒兒童繪畫產品特色四、大師創意班(7-9歲) 以培養學員想像力和創造力為主，通過實物、圖像、語言及對自然環境的觀察和體驗，系統學習構圖、著色技法，提高畫面的組織能力及色彩感覺。 夏加兒兒童繪畫產品特色五、大師創作班(10-12歲) 通過視、聽、嗅、觸等全方位感知和觀察，引導學員進行感覺寫生、圖片創作、故事創作等多種創作內容，培養孩子對畫面節奏、疏密、空間等藝術處理的自主駕馭能力。 夏加兒兒童繪畫產品特色六、現代動漫班/色彩印象班/版畫班(10歲以上) 藝術拓展學段旨在拓展學生藝術視野，了解藝術的多元化與豐富性，學習不同藝術門類的不同藝術語言，提升審美水平。 夏加兒兒童繪畫產品特色七、素描班/色彩班/油畫班/中考強化班(12歲以上) 藝術專業階段，增強專業性的訓練，深入美術技巧學習，提高審美水平。 以上所介紹的就是夏加兒兒童繪畫產品特色的具體內容，不論您是家長還是加盟商，看完之後，是不是覺得夏加兒兒童繪畫產品很好呢?

⑤ 大家說說，夏加爾兒童美術可以選擇么

參考下，小央美看看就行

⑥ 夏加爾屬於什麼主義

超現實主義（surrealism）是在法國開始的文學藝術流派，源於達達主義，並且對於視覺藝術的影響力深遠。於1920年至1930年間盛行於歐洲文學及藝術界中。探究此派別的理論根據是受到佛洛依德的精神分析影響，致力於發現人類的潛意識心理。因此主張放棄邏輯、有序的經驗記憶為基礎的現實形象，而呈現人的深層心理中的形象世界，嘗試將現實觀念與本能、潛意識與夢的經驗相融合。它的主要特徵，是以所謂「超現實」、「超理智」的夢境、幻覺等作為藝術創作的源泉，認為只有這種超越現實的「無意識」世界。才能擺脫一切束縛，最真實地顯示客觀事實的真面目。超現實主義給傳統對藝術的看法有了巨大的影響。也常被稱為超現實主義運動。或簡稱為超現實。
註：不能與超級現實主義混為一談，超級現實主義又稱照相主義，是七十年代美國最為流行的一種資產階級美術流派，和超現實主義不同。
[編輯本段]產生背景
第一次世界大戰後在法國興起的在文藝及其他文化領域里對資本主義傳統文化思想的反叛運動，其影響波及歐美其他國家。它的內容不僅限於文學，也涉及繪畫、音樂等藝術領域。它提出了創作源泉、創作方法、創作目的等問題，以及關於資本主義社會制度和人們的生存條件等社會問題。超現實主義者自稱他們進行的是一場「精神革命」。
運動是由一群參加過第一次世界大戰的法國青年發起的，他們目睹戰爭的荒謬與破壞，對以理性為核心的傳統的理想、文化、道德產生懷疑。舊的信念失去了魅力，需要有一種新的理想來代替。超現實主義就是他們在探索道路上的嘗試。
超現實主義為現代派文學開創了道路。超現實主義作為一個文學流派，實際存在的時間並不很長，作為一種文藝思潮，作為一種美學觀點，其影響卻十分深遠。
超現實主義者的宗旨是離開現實，返回原始，否認理性的作用，強調人們的下意識或無意識活動。法國的主觀唯心主義哲學家柏格林的直覺主義與奧地利精神病理家弗洛伊德的"下意識"學說奠定了超現實主義的哲學和理論基礎。
超現實主義文藝思潮的出現，反映了第一次世界大戰後歐洲資產階級青年一代對現實的恐懼心理和狂亂不安的精神狀態。參加超現實主義集團的作家有布洛東、蘇波、查拉，畫家阿爾普、馬松等等。屬於這一流派中的有些作家，如路易·阿拉貢、保羅·艾呂雅等，由於受到無產階級革命運動的積極影響，後來轉向進步的文藝陣線。第二次世界大戰後，超現實主義在美國風行一時，出現了所謂"新超現實主義"流派，成為帝國主義御用的宣傳工具。
超現實主義的文學作用甚多。1921年，布洛東和蘇波合著的《磁場》，是超現實主義第一部實驗性的作品，首次提出了無意識書寫和自動的寫作的問題。但典型的超現實主義作品則產生在1924年之後，如布洛東的小說《可溶解的魚》1924）和《娜嘉》（1928）是超實現主義的代表作。阿拉貢在1926年發表的散文集《巴黎的農民》，艾呂雅的詩集《痛苦的都會》、《生活的內幕》均屬超現實主義之作。
[編輯本段]歷史
達達派之後，法國產生了一個近代藝術史上影響力最大的畫派——超現實派，此派從達達派發展而來，但事實上要對此兩流派的時代作明確區分，則相當困難。因其演變過程並沒有明確的在造型藝術上出現。不過，如果因此所把達達派精神與超現實派的本質視為同一，則是一大謬誤。達達派雖成為超現實派誕生的溫床，但超現實派多少還是承受了19世紀的浪漫主義及象徵主義的遺產，另外還吸收了新的要素。現在我們談超現實主義發生之年代，都是根據宣言文字的發表時間作區分，無法在藝術作品上對產生年代作正確說明。
在理論上，超現實主義藝術運動的發起者是兩位作家，布列頓和阿波利奈爾。超現實一詞是詩人阿波利奈爾首用的，原是哲學上的術語，最初稱為「超自然主義」，後來才用於繪畫上。1924年，布列頓發表了第一篇超現實主義宣言，1928年發表了一篇重要論文《超現實主義與繪畫》其思想的基礎是在求取人間想像力的解放。布列頓對超現實主義的定義是：「超現實主義，名詞。純粹的精神的自動主義，企圖運用這種自動主義，以口語或文字或其他的任何方式去表達真正的 思想過程。它是思想的筆錄，不受理性的任何控制，不依賴於任何美學或道德的偏見。」布列頓又說：「我相信，在表面上被認為矛盾的兩個狀態，將來是有辦法解決的，那便是夢與現實的統一。那可以說是絕對現實的一種，也可以說是超現實的一種。」從這宣言中可以明了超現實主義是追求夢與現實的統一，並且是以人類為對象作為表現的范圍。布列頓在文章中要求人們注意那些可能與文學超現實主義有聯系的藝術家，其中有馬蒂斯、德蘭、勃拉克和畢加索。實際上這些畫家並不符合布列頓對超現實主義所下的定義：純粹的心理自動。但他所推祟的另一位畫家基里柯則可能是最早的超現實主義畫家。基里柯從1911年到1915年一直住在巴黎，他的畫很受阿波利奈爾的贊賞，阿波利奈爾在1918年寫的劇本《蒂里西亞的乳房》冠以「超現實主義戲劇」的副標題，最早使用了「超現實主義」這個術語，他對基里柯的看重顯然是注意到了基里柯畫中那種超驗的精神與內心世界的表現。
給予超現實派最大的啟示是奧地利維也納大學精神病心理學教授佛洛伊德的精神分析學和下意識心理學的理論。從整體上說，超現實主義作為一個藝術運動，與弗洛伊德的精神分析學還是有非常密切的聯系。超現實主義的精神與思想領袖布列頓有過學醫的經歷，他在讀了弗洛伊德的著作後，立即領會到精神分析與達達派的無意識表白之間的關聯。精神分析注重對夢想、幻想和幻覺的分析，並把白日夢作為一種可能的藝術創作方法加以誘導。依此而從事於下意識的夢幻的世界的研究，與自然主義相對立，不受理性支配而憑本能與想像，描繪超現實的題材，表現比現實世界更真實的，比現實世界的再現更具重大意義的，想像領域中的夢幻世界。
此派的畫家們可舉出阿爾普、米羅、艾倫斯待、達利、馬松、基里柯、克爾諾、坦基、馬格里特 、夏卡爾 等。他們以布列頓的「自動的活動、無意識的自動作用（Automatisme）和夢幻世界的采求」展開創作，部分也受哲學家柏格森（H Bergson）的影響，在思想上企求打破心物二元的宇宙觀，建立一元化的形而上學，因此他們任意表現夢與想像，很多奇異的變形與線條令人無法了解。他們的創作活動自由自在的安排在一種時空交錯的世界中，毫不受空間與時間的束縛。
但是，如果用布列頓的這種視覺形象來解釋超現實主義繪畫的話，還只說明了超現實主義繪畫的一種主要風格，即以達利、馬格利特、德爾沃為代表的風格。這種風格以精細的細部描繪為特徵，通過可以識別的經過變形的形象和場面，來營造一種幻覺的和夢境的畫面。它的來源是盧梭、夏加爾、思索爾、基里柯及19世紀的浪漫主義藝術。它企圖運用弗洛伊德所下的定義，創造一種不受意識和理性控制的形象。但是其作畫的過程實際上與寫實畫法沒什麼區別的理性過程，因此這種風格又被稱為自然主義的超現實主義和古典的超現實主義。另一支超現實主義的繪畫則是以米羅、馬宋等人為代表，他們追求作畫過程的無意識性，以致在畫面上出現純粹受心理作用支配的意象，最終結果總是充滿幻覺的和具有生命形態的抽象畫面。因此，它又被稱為有機的超現實主義或絕對的超現實主義，這一傾向與達達主義者和某些未來主義者所從事的偶然機遇和無意識行為的試驗有關聯。
自布列頓於1924年發展宣言後，1925年6月在巴黎舉辦了首次超現實主義畫展，參加者包括畢加索、阿爾普和克利等人，他們顯然都不是真正意義上的超現實主義畫家，只有恩斯特在他的達達主義的拼貼中首次嘗試了具有超現實主義傾向的作品。1926年超現實主義者組織了超現實主義畫廊，1936年和1947年他們先後在倫敦和巴黎舉辦了重要的展覽。曾一度風行歐洲的超現實主義熱潮雖於30年代之後漸趨式微，但這一運動並末消失，並且在第二次世界大戰後仍然具有一定影響。因為二次大戰前很多此派畫家從巴黎到美國，所以超現實派繪畫從歐洲影響到新大陸。此外，其影響力擴及戲劇、舞台裝飾、攝影、電影、建築、雕刻等藝術領域。
超現實主義致力於探索人類經驗的先驗層面，力求突破合乎邏輯與真實的現實觀，嘗試將現實觀念與本能、潛意識與夢的經驗相揉合，以展現一種絕對的或超然的真實情景。超現實主義運動以其充滿幻想色彩和異國情調的奇特風格，對20世紀美學產生了重要影響。
[編輯本段]代表人物和作品
超現實主義藝術家主要有盧梭（H.T.Rousseau）、米羅(joan miro)、達利(salvador dali)、恩斯特(m.ernst)、馬格利特(r.magritte)等人。 米羅的創作表現方式是有意的打亂知覺的正常秩序，在直覺式的引導下，用一種近似於抽象的語言來表現心靈的即興感應。因此在它的作品中會有象徵的符號和簡化的形象，使作品帶有一種自由的抽象感，也有兒童般的天真氣息。主要的作品有《向鳥投石子的人》、《荷蘭式家居室內》等。 達利相較與米羅，他採用相反的表現手法。達利認為藝術家要將潛意識的形象精確第紀錄下來，所以他採用「具象」，精確地復制非正常邏輯思維產生的幻象，把毫不相乾的事物全部組合在一起，使畫面中充滿戲劇效果，帶給人視覺與新心靈的震撼。主要作品有《永恆的記憶》、《內戰的預感》等。
[編輯本段]超現實主義文學
超現實主義文學否定現實主義和傳統的小說，敵視一切道德傳統，認為它是平庸、仇恨的根源，而小說之所以成為文學的寵兒，是因為它適應了讀者要求合乎邏輯地反映生活的追求。它要打破這一切，追求「純精神的自動反應，力圖通過這種反應，以口頭的、書面的或其他任何形式表達思維的實際功能。它不受理智的任何監督，不考慮任何美學上或道德方面的後果，將這思維記錄下來」。它強調潛意識和夢幻，提倡寫「事物的巧合」，倡導「自動寫作法」。超現實主義者在咖啡館、電影院等公共場所尋找、搜集人的思維的原始狀態，並在此基礎上進行創作，其代表作是勃勒東1928年發表的小說《娜佳》。20 年代末以後，運動內部發生分裂。1930年勃勒東發表《超現實主義第二宣言》，重申了運動的原則：反抗的絕對性、不順從的徹底性和對規章制度的破壞性。此後運動處於低潮，幾乎只剩下勃勒東一個人還在堅持，在第二次世界大戰期間流亡美國時，他這種宣傳也沒有停止過。1946年勃勒東回法國後，繼續辦雜志，舉辦作品展覽會，發表廣播講話，又掀起過超現實主義運動的浪潮，影響波及歐美許多國家，但其聲勢已遠不及20年代。
超現實主義存在的時間較長，這個流派頗有吸引力和生命力，不少的現代派都受其理論影響並加以發展。
[編輯本段]超現實主義電影
超現實主義電影(surrealist film) 把文學上的超現實主義的創作方法運用於電影創作的電影流派。承襲了這一創作主張的倡導者安德烈-布菜東的原則，強調無理性行為的真實性、夢境的重要意義、不協調的形象對列的情緒力量和對個人快感的執著追求。一度成為二十年代法國先鋒派電影的主要傾向，後來又成為美國實驗電影和地下電影的重要一翼。在供商業發行的故事片領域，超現實主義不構成獨立的流派，它的影響只見於影片的個別鏡頭或段落。阿杜-基洛的《電影中的超現實主義》是進行這種研究的典型論著。
二十年代，法國先鋒派電影人士發現電影的照相本性和蒙太奇對列技巧使它成為超現實主義最理想的表現手段。這一觀點始終流行在反傳統的影片製作者中間，並被不斷付諸實踐。 超現實主義電影公然反對敘事體。
通常認為，杜拉克的《貝殼和僧侶》是第一部超現實主義影片，但更受到重視的則是路易斯．布努艾爾的《一條安達魯狗》和《黃金時代》，前者是一個精神困頓的流浪漢的一連串夢境r後者則是對性慾和愛情的一次弗洛伊德主義的分析。性慾和高潮，暴力和瀆神，以及怪異幽默，是超現實主義電影用來與傳統電影形式抗衡的題材。影片真正的目的是希望用自由的電影形式，來激發觀眾潛在心底最深處的沖動。布努艾爾曾宣稱《一條安達魯狗》是「向謀殺熱情地呼喚」。西方的電影研究家們一致認為，超現實主義的影響在布努埃爾轉而拍攝故事片後仍不時在他的作品中隱現•在實驗電影和地下電影中，超現宴主義傾向的代表人物是美國瑪耶-德連和肯尼斯-安格爾•在故事片領域里，西方電影研究家傾向於把對變態心理、潛在的性沖動、無理性行為等的描寫歸結為超現實主義在故事片中的表現。因此，象希區柯克的一系列影片：《愛德華大夫》(1945年)、《眩暈》 f1958年)、《西北偏北》(1959年)、《精神變態者》(1962年)和《群鳥》 f1963年)，馬克斯三兄弟的狂亂喜劇片，以及塞繆爾-富勒、約瑟夫-馮．斯登堡等人的一些影片，都成了闡明超現實主義在故事片中的影響的典型例證。
[編輯本段]超現實主義色彩
如果說現實主義處理色彩是在真實的基礎上力求發揮色彩的表意作用的話，那麼，超現實主義色彩處理則十分強調主觀色彩的運用，只求色彩的表意功能，不再考慮色彩處理的 真實性，超現實主義起源於西方現代派電影。被稱為西方現代派電影創始人的義大利著名導演安東尼奧尼在他拍攝的影片《紅色沙漠》中，紅色、黃色和藍色是重要的表意色彩，他把工廠的廠房刷成紅色和黃色，把樹也刷成紅色。紅色和黃色在西方象徵著動盪和恐懼，這里的紅色和黃色構成的環境，暗喻現代工業文明正在摧毀著人類。煙囪冒出的黃色煙霧暗示有毒。女主人公朱莉亞娜居住的房間塗上藍色，暗示神精病患者---朱莉亞娜看到的世界是冷寞無情的，她無法和外界和家人溝通，她的精神世界已經完全崩潰。綠色是象徵生命的色彩，在影片中很少看到綠色，暗示被現代工業污染的現代世界一切生命都受利危脅，甚至不能存活。這部影片的色彩處理是超理實主義的，色彩不再是自然景色的真實再現，而是依照作者的主觀意願把色彩作為獨立的表意手段。

參考資料：http://ke..com/view/39616.html?wtp=tt

⑦ 夏加兒兒童繪畫項目怎麼樣

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⑧ 問大家一下，夏加爾兒童美術怎麼樣

小央美兒童美術比較正規一些

⑨ 夏加爾兒童美術怎麼樣

這個時期的父母多半都面臨著是否要送寶貝去繪畫班的問題。選擇繪畫班專成了這個階段的重要任務。我常屬常建議父母們從這幾個方面多加考慮： 優秀的美術老師，一定不是一個教寶貝依葫蘆畫瓢地畫只老虎或畫個蘋果的老師，而是懂得解讀寶貝、有耐心、善於發現寶貝的長處和敏感點、幫助寶貝克服困難發揮潛質、使寶貝能更加獨立主動去探索的老師。 如果看到畫班出來的寶貝，畫的畫都大致相同，甚至有成人修改的痕跡，建議家長離這樣的畫班越遠越好。 其次是考察上課的環境。