现代如何创造艺术

㈠ 求教“后现代艺术的创作方法和特点”

1977年，英国建筑批评家查尔斯·詹克斯煞有介事地宣布：现代建筑已于1972年7月15日下午3时32分在密苏里的圣路易斯“死亡”。寿终正寝的是严格的功能主义精神，取而代之的则是表示全新时代的“后现代主义”。然而，空中毕竟难以建造楼阁，詹克斯的“后现代”方案不过是一种“执衷主义”的思路：现代形式与历史惯用手法的杂交。

哈哈,美史P216页上半页都是,只不过没提到是后现代艺术
最早提出“后现代”概念的是英国画家查普曼，他在1870年以此指称比法国印象派绘画更前卫的作品。恰好在100年之后即1970年，博德里拉、利奥塔和哈桑等理论家重新启用该概念，宣称在当代高科技媒体社会中，新近出现的变化和转型过程正在产生一个新的后现代。至80年代，他们发出了与现代性决裂的号角，而他们所提供的“后现代”定义和理论总是互相冲突的。破碎不堪可算是“后现代”理论的明确特征。其唯一的共性是极端的“终结”思想：“哲学的终结”、“历史的终结”、“艺术的终结”等等是“后现代”理论家的口头禅。归根结底，“后现代”理论与查普曼的用意无甚区别，无非是想用以描述一种新的历史现象，或寻求一种新的规范去包容新的理论、文化和政治话语与实践。

1985年，文学批评家哈桑首次将70年代流行于文化理论家中的“后现代”观念归还艺术界。他用此观念概括杜尚、凯奇之辈艺术家的实验。他给“现代”和“后现代”所下的区别性定义是：现代性追求“深度与确定性”，而后现代性注重“表面和非确定性”。詹姆森同年所提出的一个看法好象是为哈桑的定义作了注脚：从现代性走向后现代性是一条脱离个人独特风格的“深度”美学而进入风格多样混成的“平面”美学之路。在此之前，有些艺术批评家也曾这样区分现代性与后现代性：前者注重“起源“与“本质”，而后者则力图排除“作者的在场”。诸如此类的定义，都是随意的，无以揭示两者的特性。

凯奇的表演艺术旨在冲破现代艺术的“封闭”观念即“艺术作品是完美的完成物象”，强调“艺术的过程性”，亦即向偶然性和不可预测性开放。这种后现代意识似乎证实了上述批评家的定义。如果说现代艺术为了永恒的完美性而逃脱历史时间的限制，那么后现代艺术则将自身交付于历史的诡计，拥抱时间。就此而论，前者是“在场”的美学，后者是“缺席”的美学。但是，也可找出反证来否定这种区分。英国画家培根说过：“我在画任何东西时，都感觉到自我，一旦我不能从身体上感觉到这一点，便知手中画笔的运作是无效的。”“作者的在场”是显而易见的。

定义的混乱反映了现象的混乱。后现代艺术是一种没有统一目标的散乱现象，从中只能理出两种对立的极端倾向：一是完全抛弃对象，运用语词、身体语言和戏剧化表演技巧表现观念；二是转向巨大无比的实体化物象，大地艺术和环境艺术即属此类。

对观念艺术家来说，艺术的价值不存在于所创造的物质实体之中，它犹如数学公式，是自证自明的。真正的艺术与对现实的再现和关乎形式特质的美学毫不相干。但观念艺术否认视觉内容与形式，反而招引了“照相写实主义”的盛行；后者超越了波普艺术的逼真性，复兴了被观念艺术的纯粹形式主义所禁止之物，重新关注政治、社会、环境和个人传记性内容。后现代艺术破除了艺术与一般人工产品的界限，不仅将日常生活的材料视为题材，有时干脆将之变成艺术作品。艺术与非艺术的世界呈现了一种不稳定的关系。安德烈的雕刻，史密森的装置和环境艺术都企图模糊这两个世界的明确界线。高雅和低俗文化在此化为一体，其融合的目的不是要调和其对立的因素，而是强化它们之间令人啼笑皆非的游戏感。这更见于当代建筑之中，熟悉的物象、日常的形式与古典形式往往混合“引用”，实施着詹克斯的后现代计划。

杂糅是后现代艺术的标识。现代艺术也使用混合媒介，立体主义的拼贴艺术即是一例，但其混合理念是要融合异质媒介以求统一效果，后现代艺术的理念却截然相反，混合而不求统一，让相异的媒介始终处于显著的非同一性状态。

后现代性声称是与现代性对立的观念。概而言之，现代艺术重视作品的统一性和自主性，而后现代艺术则强调杂糅性及其上下文的复杂关系。现代性理论奠基于康德关于科学、道德和艺术的自主范围的区分。康德提出了纯粹审美的观念，认为判断艺术作品的唯一合适标准就是其自身的价值，一切外在和工具化的考虑都必须加以排除。现代性的两大支柱是统一性和自主性，体现了对“理性”的尊崇。依据米什莱和布克哈特的观念，对“人和世界的发现”是现代的标志，这种发现表明，人运用理性，不但可以发现和控制自然，而且可以求取自由。也就是说，现实是受规律支配的，而规律可以为人类的理性所掌握。掌握规律的途径就是建立统一性。现代建筑理论和文学批评典型地体现了追求这种理想的努力。理查兹、利维斯和美国新批评家坚信，艺术作品的成败及价值的高低仰仗其调和、统一复杂的非连贯性事物的程度，仰仗从不协调中创造统一性的能力。后现代理论反其道而行之，认为现实是无序的，终究是不可知的，因而反对理性，提倡非理性主义、相对主义和虚无主义。它放弃了现代理论所设定的理性的统一主体，转向被社会、文化和语言“非中心化”了的破裂主体。在时间和空间上，它肯定短暂性、偶然性。艺术作品的目的不在于确定现代性所追求的“非历史的完整性”，而是将之暴露于历史的偶然性。人类的经验被再现为转瞬即逝的、未完成的过程，而非向一个最终的智慧高点或永恒的事物的本质显现挺进的历程。

在这个过程中，任何事物都不具备自主性，艺术作品也不例外。艺术批评家格林伯格和弗里德认为，真正的艺术作品的任务不在于再现世界，而是探究其自身媒介的状况，在每一种艺术效果中必须清除一切可能借助于其他任何媒介的东西，使之纯化，而正是这种“纯粹性”是艺术品质的标准和独立性的保障。弗里德严厉批评绘画和雕刻模仿其他艺术效果的做法，这种做法转移了人们对艺术内在特质的注意力，他将之称为“戏剧性效果”。绘画不应模拟叙事和戏剧效果，那种试图建立艺术作品与展示环境的关系，将短暂的过程建构进艺术作品之中的企图，都会损害艺术的自主性。他断言：“艺术的成功乃至幸存，愈来愈取决于打败戏剧的能力了。”

在后现代主义者看来，格林伯格和弗里德的“统一性”和“纯粹性”是天方夜谭。实际有效的是它们的对立面：异质性、混合性和不纯粹性。

㈡ 艺术作品是如何创作出来的

指艺术家以一定的世界观为指导，运用一定的创作方法，通过对现实生活观察、体验、研究、分析、选择、加工、提炼生活素材，塑造艺术形象，创作艺术作品的创造性劳动。艺术创作是人类为自身审美需要而进行的精神生产活动，是一种独立的、纯粹的、高级形态的审美创造活动。艺术创作以。艺术创作是十分复杂、艰巨的精神劳动，它要求艺术家必须具有高尚的思想情操、深厚的生活积累、丰富的审美经验、出众的艺术才能和娴熟的艺术技巧。社会生活为源泉，但并不是简单地复制生活现象，实质上是一种特殊的审美创造。http://xueshu..com/s?tn=SE_xueshu_c1gjeupa&wd=%E8%89%BA%E6%9C%AF%E4%BD%9C%E5%93%81%E6%98%AF%E5%A6%82%E4%BD%95%E5%88%9B%E4%BD%9C&ie=utf-8

㈢ 现代西方艺术是如何发展的

美术和音乐是西方人文化生活的重要组成部分。进入20世纪以后，美术和音乐领域有了进一步的发展，出现了许多体现现代精神的新风尚和新流派，令人眼花缭乱。美术界出现了野兽主义、立体主义、表现主义、未来主义、行动绘画和色彩抽象绘画、欧普艺术、波普艺术等流派，音乐界产生了印象主义音乐、表现主义音乐、新古典主义音乐、电子音乐和爵士音乐等新流派。这一时期现代西方艺术的流派呈现出反传统，弘扬个性，反映现实的特点，风格和流派更加多元化，且变化频繁，艺术的中心逐渐由欧洲转移到美国。

20世纪西方现代美术发展的新潮流20世纪的西方美术是现代主义思潮占统治地位的时期，其突出的特点是反传统，从形式到内容都显示出一种叛逆者的姿态。在技法上，大都反对传统的写实主义，追求新奇，空间结构错乱，色彩配置随意，点线紊乱，缺乏透视；在创作主旨上，都主张强调自我，表现个人情感和内心世界。出现这一趋势的原因主要有：一是科技的影响。现代科技的发展改变着人类社会生活的面貌，也改变着人们的审美情趣。照相术和电影的发明对绘画的冲击最大，这两种新技术使运用机械手段准确无误地记录客观形象成为可能，从此意义上来讲，传统绘画技巧所完成的不过是照相机所做的记录事物表面的光反射反应而已。画家们再也不能以描绘事物的表面形状来引起观众的共鸣了，他们只能转向用表现精神领域里面的东西来打动人。二是现代哲学思想的影响。20世纪初出现的现代主义哲学思想为人类进一步了解精神领域的活动提供了前提，尤其是弗洛伊德的精神分析法和法国柏格森的“心理时间”观念等理论为艺术家从事创作提供了有力的思想武器，他们逐渐从描绘客观世界的“外向艺术”转向描绘主观世界的“内向艺术”，艺术的社会职能也相应地由社会和教育功能转为满足人类普遍精神需求的“泛功利主义”。三是古代美术遗产和东方文化的影响。进入近现代以来，考古学家陆续在各大洲发现了一些原始土著文化的艺术品，这些古朴稚拙却又形象生动的艺术品给艺术家带来了创作灵感。东方文化艺术品的西渐，尤其是中国的水墨山水画、印度的石窟艺术等从各种途径传到了西方，这些与西方写实风格相异的新风格为西方艺术界带来了一股清新之风。没有继承，无以创新；没有创新，无以发展。20世纪一批富有创意的艺术家正是站在历史巨人的肩膀上才攀上了一个新的艺术高度。

20世纪的西方各种美术风格流派并存多变，且与商品化的联系更加密切。二战前，美术界出现了众多的现代流派。二战后，新的风格和流派像走马灯一样交错更迭，变异得更快、更频繁，资本和资本的逻辑也已渗透其间。

二战前的现代派美术流派第二次世界大战前，野兽主义。立体主义、表现主义、未来主义、达达主义、超现实主义是影响较大的流派。

野兽主义是20世纪初出现最早的一个现代主义绘画流派。1905年，在法国巴黎举办的秋季沙龙画展中，展出了马蒂斯、弗拉芒克、马尔开、杜飞等一批青年艺术家的作品。因其技法一反常规，被评论家称为“野兽般的艺术”，野兽派由此而得名，马蒂斯为该派的代表人物。野兽派各个画家风格不尽相同，但他们都强调在创作中用大色块和豪放不拘的线条，来表现个人的主观感受和自由意志，画面一般都缺乏透视感，具有装饰性很强的图案效果。

亨利·马蒂斯（1869—1954年）是法国著名的现代派画家。二十多岁正式学画，他继承了许多著名画家的优良传统，并汲取了东方艺术的特点，逐渐形成了自已的画风，创作了大量刻意求新的作品，在美术界产生了广泛的影响，并成为野兽派中成就最高、影响最大的画家。马蒂斯的名言是“准确描绘不等于真实”。这句话成了现代艺术的纲领。他的主要作品有：《生活的快乐》。《蓝色的裸体》、《红色的和谐》、《打开的窗子》和《戴帽的女人》等。

立体主义是1907年在法国艺术界出现的一个新的艺术流派，主要代表人物是西班牙的毕加索和法国的勃拉克等，其中贡献最大的是毕加索。该画派主张把一切形象解体成最简单的几何形块，按画家的意愿组合起来。在他们的画中，一切物体、风景、人物和房子变成了几何图形和方块，既能看到物体的正面。侧面，还能看到其背面。立体派给人一种新的观察世界的方法，即多视角地观察世界，它盛行西方世界达半个世纪，20世纪二三十年代为其最繁荣的时期。

巴勃罗·毕加索（1881—1973年）是20世纪影响最大的画家之一。他7岁开始学习绘画，一生创作了数以万计的作品。最重要的贡献是创造了立体主义。1907年创作了震惊欧洲画坛的《亚威农少女》，画面上五个人物的形体，尤其是脸部、正面、侧面、斜侧面全合到一起，完全违反了人的视觉所看到的形象。这幅作品被认为立体派的开端。他热爱和平反对战争，绘制过《和平鸽》，1937年绘制的反法西斯名画《格尔尼卡》轰动世界。

表现主义产生于第一次世界大战前的德国，其代表人物是挪威的蒙克、德国的基尔希奈、马尔克、俄国的康定斯基等，其宗旨在于表现内心世界感受到的一切，通常总是将现实的东西加以变形，使画面呈现激烈的、粗糙刺目的、悲怆的、恐怖的气氛。

未来主义产生于1909年的意大利，其代表人物是马利奈蒂、波菊巴。巴拉等。他们主张在绘画中要表现感情的爆发，表现飞速运动的力，在一个画面上表现抽象的动态美。

达达主义诞生于1916年瑞士的苏黎世城。该派随便从字典上捡出一个儿童语汇“达达”作为本派的名称，他们以虚无主义态度否定一切，否定理性和传统文化，认为艺术可以不受任何限制，艺术可以是任何艺术家随心所欲的产物。达达主义的代表人物马塞尔·杜桑的作品可以说是达达派的典型之作。使他一举成名的《下楼的裸女》，是一连串如机器人一样的重叠图画；帕行车车轮》是一只现成的自行车车轮倒竖在一张木凳上；《泉》是一个钉在木版上的小便池，更是惊世骇俗。

超现实主义是1922年前后从达达主义内部分化出来的一个新流派。该派在弗洛伊德学说影响下，力图系统研究如何表达人的“潜意识”。代表人物有西班牙的达利和米罗等。达利的《记忆的静止》，勾画了一个产生错觉的痛苦世界成内战的预感》描绘了战争给人带来的恐惧。米罗的代表作为《海滩上的女人》等。

二战后的现代派美术流派第二次世界大战并未使艺术发展本身的趋势得以中断，自20世纪初出现的各种现代主义美术流派，在战后依然显示着它们的创造力。但战争和社会的变迁毕竟还是会对艺术的发展带来了重要影响，出现了一些新的流派。其中比较著名的有行动绘画和色彩抽象绘画、欧普艺术、波普艺术、照相现实主义等。这一时期，现代主义艺术运动的中心从法国的巴黎逐渐转移到美国纽约。

行动绘画和色彩抽象绘画是五十年代在纽约产生的最为风行的一个美术流派，它属于抽象表现主义艺术，在战后西方艺术史上有着重大的意义。行动绘画又称“滴画”，最著名的画家是杰克逊·波洛克，他用在画布上滴溅颜料的方法，开创了绘画活动与下意识活动相结合的新途径。画家沿着画布边走边滴，他自身的运动与滴色动作相协调，由此来反映画家的绘画行动，所以得名为“行动绘画”。这种随意性极大，不受任何绘画技巧理论的支配，最终出现何种效果连画家本人都难以预料的方法，是与绘画中一切传统形式相背离的，它只关注于绘画材料本身和绘画语言，去追求色彩的的偶然效果。色彩抽象绘画，亦称“大色域绘画”。五十年代，以美国的马克·罗斯科为该派的代表。他的画往往是由简单的形状、彩色的方块、粗粗的线条组成，构成了一种抽象的空间，似乎表达了某种信仰或精神要素，常人往往是看不懂的。

欧普艺术又称“光效应艺术”或“视幻艺术”，兴起于六十年代的欧美。这一流派的艺术家运用各种黑白或彩色几何形体排列、组合、对比，或重叠，‘或交错构成复杂的图像，给人造成视角的错乱，形成变形、颤动等幻觉。该流派在英法意美等国颇为流行，拉丁美洲的阿根廷等国也出了一些名家。其代表作有：英国女画家赖利的《羽纹》、《三场暴雨》、《领悟》，法国画家瓦萨莱利的《索拉塔—T》，阿根廷的莱帕克的《三棱镜视幻作品》等。由于这种艺术的商业广告效应很好，因此，被广泛用于装饰艺术品的设计。

波普艺术是20世纪六十年代最典型的具象艺术。波普是大众的意思，所以，波普艺术又叫做“大众艺术”。1952年，一批英国的年轻画家、雕塑家、建筑师以及艺术评论家聚会，成立团体，倡导关注大众文化，由此掀起了一股波普艺术热。以后，在美国这种艺术流行起来。美国人罗伯特·劳申堡成为该派最著名的代表人物，他用照片、剪报和各类印刷品拼装起来，再用油彩画上几笔，构成一幅作品，后来，干脆用一条薄棉被作底，加一个枕头上去，再泼上颜料任其流淌下去，构成作品。这种作品与原来意义的画不完全相同，既有画的成分，亦有雕塑品的成分，还带有实物装拼的成分。

照相现实主义又称超级现实主义，是六十年代后期出现的绘画流派，也是高科技时代出现的一个新流派。该派的基本方法是摄影的放大和临摹。在题材选择方面比较广泛，往往借助于一张好看的照片或幻灯片放大作画，通过极端琐碎的细节临摹，以期达到比照片更真实的视觉效果二他们认为“逼真”和“酷似”才是艺术的要素。该画派最有影响的代表人物是查克·克洛斯，其代表作是《裸女》、《约翰》、《自画像》等。

20世纪西方现代音乐发展的新潮流20世纪西方音乐艺术进入了一个前所未有的复杂时期，多样性、复杂性和多变性是其明显的特点，多种多样的风格和流派层出不穷。它们互相并存，互相影响。一方面它们和其他艺术形式一样也具有典型的20世纪特性，即挣脱传统束缚，主张标榜自我和反理性。另一方面，又有唯理性和反浪漫主义的一面。认为音乐是抽象的，除了自身。它不能表现任何东西。现代音乐与传统音乐相比在技巧上出现了许多新变化，如调的概念与和声概念的变化，乐曲节奏和旋律的变动，电子音乐的出现等。目前，随着科学技术的发展、传播技术的进步和交通的发达，各国间文化交流日趋增多，音乐的国界正在逐渐消失，流行的速度与频率也日益加快。20世纪主要的音乐流派是印象主义音乐、表现主义音乐、新古典主义音乐、电子音乐和爵士音乐等。

印象主义音乐、表现主义音乐和新古典主义音乐印象主义音乐出现于19世纪末期，其影响主要产生于20世纪，其代表人物是法国作曲家德彪西。印象派音乐大师德彪西，被认为是20世纪音乐界承前启后的天才，他结束了一个时代，并把那个时代的成就推向高峰，同时又为一个新的时代开辟了道路。

德彪西出生于巴黎近郊，家庭没有任何音乐背景，11岁入巴黎音乐学院学习，不断探索音乐的表现手法，1884年获罗马大奖。在19世纪九十年代，开创了音乐史上的印象派。作品多以诗、画、自然景物为题材，着意刻画人物的感情，揭示人的精神世界，在调式、和声、音色等方面逐步形成独特的艺术个性，并以崭新的音乐语言开拓了现代音乐的发展道路。在他创作的音乐中，人们可以领略到一种朦胧、飘忽、空幻、幽静的意境。他先后写成的管乐序曲《牧神午后》、歌剧《佩利亚斯》、管弦乐《夜曲》。《火海》以及钢琴曲《月光》等，都是印象主义的代表作。

表现主义音乐是19世纪末20世纪上半叶西方现代派音乐的一种重要流派，它同印象主义音乐观点相反，印象主义音乐重在反映外部世界，强调客观性；表现主义音乐重在表现内部世界，强调主观性。表现主义音乐的主要代表人物是勋伯格及其弟子贝尔格和威伯恩。

勋伯格生于维也纳，一生中没有受过多少正规音乐教育，几乎是自学成才，1908年后，在表现主义思潮影响下追求无调性等现代派创作手法，创造了无调性音乐。这种音乐总是处于紧张状态，刺激人的听觉，适合于表现处于紧张状态的20世纪的“人”。二十年代他创造了十二音体系，并按此体系写了大量乐曲。所谓十二音体系，就是摒弃传统的调式、调性与和声体制，将半音音阶中的十二音体系任意排成一个音列，然后以倒置、进行等技法加以处理。为了避免任何一个音成为主音。在十二音未全部出现之前，其中任何一个音不得重复。十二音体系对70世纪音乐产生了巨大影响。他的学生贝尔格和威伯恩以后对十二音体系进行了创新和发展。勋伯格的作品主要有：弦乐六重奏《升华之夜》、歌曲《摩西和艾伦》、大合唱《华沙幸存者》。

新古典主义音乐是在两次世界大战期间兴起的。一些作曲家把18世纪古典主义原则与20世纪新文化结合在一起，简化乐曲的素材、形式，大大压缩乐队的编制，使音乐风格简洁、冷静而富于理性。主要代表人物是斯特拉文斯基。

斯特拉文斯基（188—1971年）生于俄国，1934年加入法国籍1945年取得美国籍。他的作品种类多，风格变化大，几乎涉及所有的重要现代流派。其著名的作品有：芭蕾舞剧《火乌》、《春之祭》、歌剧《浪子的历程》等。

电子音乐和爵士音乐电子音乐就是运用电子技术与设备制作出来的音乐。20世纪科技发展迅速，音乐与科技相结合成为现代派音乐的一大特色，一些作曲家不满足传统的乐器音响，开始大胆创新，尝试电子音乐。1951年，西德科隆广播电台首创电子音乐制作室，并于1953年生产第一件作品。1956年左右出市。电子发声器装置”，把各种发声器和声音变化器结合到一起．由统一的系统进行控制，使电子音乐的制作过程大为简化。六十年代出现半导体技术后，合成器更加完善和小型化，并能参加现场演奏。随着电子计算机进入音乐领域，人们通过编制好的程序复制出特定风格的音乐，制作者运用电子技术可以任意组合各种奇异的音响，随心所欲地按照自己的想象进行创作。电子音乐开辟了一块新的领地，开拓了无穷无尽的声源，发展前景为音乐界人士看好。

爵士音乐是19世纪末叨世纪初在美国密西西比河下游的新奥尔良产生的一种全新的音乐流派，十几年后风靡美国，迅速传遍西方世界。它最初多数为新奥尔良黑人乐队演奏，当地黑人的祖先多数源于西非洲，因此，爵士乐具有强烈的西非洲音乐风格。

黑人处于美国社会的最低层，处处受到歧视和压迫，他们想摆脱现实生活的苦闷，因此在劳动、社交场合唱的歌曲中探合了白人的其他音乐，造就出了深含忧郁的歌调，被称为“蓝调”，这是爵士音乐的前身。后来当地一些乐队和黑人歌曲进一步合流，不久形成了最初的爵士乐。爵士音乐是一种喧闹、狂热的音乐。这种音乐以即兴演奏为基础，节奏感强，富于变化，适合表现现代生活。美国作曲家格仁文的《蓝色狂想曲》是现代最著名的爵士音乐作品。爵士音乐对以后出现的“摇滚乐”、“迪斯科”音乐等产生了深刻影响。

㈣ 什么是现代艺术啊。

1、现代艺术，又称现代派艺术，很难有一个准确的定义。大致来说，被称为“现代主义”或“现代派”的艺术，是指20世纪以来，区别于传统的，带有前卫和先锋色彩的各种艺术思潮和流派的总称。
2、现代艺术的瓦解起源于古代地中海沿岸（埃及、希腊、西亚）的西方艺术到19世纪后期，出现了转变的苗头，这个苗头进入20世纪后，成为西方艺术的主流，这就是西方的现代艺术。
3、现代艺术主要包括了野兽主义、立体主义、未来主义、表现主义、俄国的至上主义与构成主义、荷兰的风格派、达达主义、超现实主义、抽象主义、波普艺术等。
4、现代艺术的特点在于打破艺术家、作品和观众之间的区别。主张艺术干预人类生活。深受现代社会文化影响又立足批判现实社会对人性的压抑。

㈤ 中国的现代美学是如何建立和发展的

20世纪中国美学的创立与启蒙思想相伴随。面对落后挨打的衰弱国势，出于救亡图存的社会理想，王国维、蔡元培、梁启超等在强调向西方学习先进技术的同时，还必须对广大民众进行思想启蒙。在他们看来，美学承担着改造与拯救国人麻木的精神状态和僵化的思维方式的使命。20 世纪初，王国维最先把美学理论从西方介绍到中国时，自觉地把中国传统哲学与西方美学思想加以融汇贯通，加以传播和发挥，实现了中国美学理论从自发到自觉状态的转型，中国人开始有意识地建设美学学科。这样，伴随着新文化运动，美学被纳入现代化的思想文化启蒙的轨道，尤其是蔡元培对于美学学科的研究与介绍，与当时救亡图存的社会实践紧密结合。为此，美学承担起思想解放与文化启蒙的历史任务。

这一时期，由于美学家的启蒙、倡导和影响，以及他们对西方美学的引进、译介和传播，20 世纪20 年代，迎来了美学研究的一次热潮。美学学科知识从最初的翻译、介绍到专业教材的翻译与编写，美学课程从教育体系的设置到最终落实进课堂，美学学科从自发地引进到自觉地确立，美学和美育在中国的传播与发展已经具备一定的基础，得到了相当程度的普及，相继出版了一批有关的学术论著，构建起初具规模的美学理论体系。
20世纪20年代末至40年代末，对西方哲学与美学的大量翻译为中国美学体系的建构准备了理论资源。而具有民族特色的中国现代美学理论体系的确立，以中国传统美学资源为根基，融汇西方美学思想和方法，汲取和发展马克思主义美学的核心内核。
这一阶段，在大量介绍西方美学思想的同时，中国美学家也开始着手寻求某种理论的新建构。首先，在美和美感研究方面，他们试图超越以往那种单纯的艺术思维方式，代之以典型的西方式的、富于哲学思辨的“纯美学”研究。对各种美学、艺术问题的理论探索，基本上都围绕着美、美感等诸多理论问题而展开，有着极为明显的哲学抽象性。舒新城、华林、范寿康、铁庐等人的许多文章，以及李安宅的《美学》、邓以蛰的《艺术家的难关》、陈望道的《美学概论》等著作，都着重从哲学分析、逻辑推演的角度，研究了美与美感问题，其中不乏精彩见解。其次，美学研究自觉地探入到艺术世界之中，使诸如艺术起源、艺术创造与欣赏、艺术发展等问题的研究，上升到审美判断的高度，形成初步的文艺美学、艺术心理学理论构架。代表性的成果有唐隽《艺术独立论和艺术人生论底批判》、胡秋原《文艺起源论》、熊佛西《论悲剧》等文章，及洪毅然《艺术家修养论》、梁宗岱《诗与真》等著作。
这一时期美学研究方面的代表人物是朱光潜、宗白华，他们致力于中国传统美学的现代转型，为现代中国美学学科的建设奠定了坚实的基础。朱光潜通过对西方近现代美学思想研究，建构了中国现代美学史上第一个具有自身特色的以美感经验论为核心的审美心理学体系。宗白华在中西比较的基础上，以中国传统美学为根基、西方现代哲学为参照，创造性地诠释了中国传统哲学的宇宙观念和生命意识，初步建立起了其生命美学观，并由此构建起中国艺术境界论、审美时空论及“空灵”、“充实”等范畴。傅抱石《中国绘画思想之进展》、许君远《论意境》、李长之《中国画论体系及其批评》等，也都于中国传统美学研究有新的建树。
由于对西方美学理论的大量介绍和接受，美学家开始比较集中地进行中西美学的比较，确立了比较美学研究的初步系统。同时，马克思主义美学思想的介绍、研究和运用蔚为可观。此前鲁迅、瞿秋白等人已有初步的努力，而到了这一阶段，随着马克思主义学说由中国革命的推进而日益传播，比较全面、系统而有目的地介绍、运用马克思主义唯物论美学，成为一种理论现实。蔡仪的《新美学》，标志着中国学者运用马克思主义的立场、观点、方法对前人学术思想进行批判继承的基础上构建美学体系的开端~

㈥ 现代艺术设计是如何产生的

作为“新艺术”发源地的法国，在开始之初不久就形成了两个中心：一是首都巴黎；另一个是南斯市（Nancy）。其中巴黎的设计范围包括家具、建筑、室内、公共设施装饰、海报及其他平面设计，而后者则集中在家具设计上。1889年由桥梁工程师居斯塔夫•艾菲尔（Guistave Eiffel 1832—1923）设计的艾菲尔铁塔堪称法国“新艺术”运动的经典设计作品。这一纪念碑性质的建筑座落于塞纳河畔，是法国政府为了显示法国革命以来的成就而建造的。在700多个设计方案中，艾菲尔大胆采用金属构造设计的方案一举中标。塔高328米，由4根与地面成75度角的巨大支撑足支持着高耸入云的塔体，成抛物线形跃上蓝天。全塔共用巨型梁架1500多根、铆钉250万颗，总重量达8000吨，这一建筑象征现代科学文明和机械威力，预示着纲铁时代和新设计时代的来临。
法国“新艺术”运动时期，在巴黎和南斯，不仅出现了三个设计组织——新艺术之家、现代之家和六人集团；而且涌现了一批著名的设计家。新艺术之家由萨穆尔宾于1895年在巴黎普罗旺斯路22号开设称为新艺术之家的工作室与设计事务所而得名：“现代之家”由朱利斯迈耶一格拉斐（Julius Meier-Graefe）于1898年在巴黎开设称为“现代之家”的设计事务所和展览中心而得名。而“六人集团”则成立于1898年，是由六个设计家组成的松散设计团体。在这三个组织及周围有名的设计师还有爱米勒•加雷（Emile Galle 1846—1904）、路易•马若雷尔（Louis Major Elle，1859—1926）、勒内•拉里克（Rane Laliqua 1860～1945）欧仁•格拉塞（Eugene Grasset 1841—1917）、儒勒•舍雷（Jules chéret）、土鲁斯•劳特累克（Toulouse Lautrec 1864～1901）皮埃尔•波那尔（Pierre Bonnard 1867—1947）和埃克多•基马（Hector Guimard 1867—1942）。
爱米勒•加雷是南斯派的创始人，他在设计艺术方面的成就主要表现在玻璃设计上。他大胆探索与材料相应的各种装饰，形成了一系列流畅和不对称的造型，以及色彩丰富的精致的表面装饰。他的玻璃设计显示了对圆形的偏爱，对线条运用的娴熟技能和对花卉图案处理的高超技能。常用的图案是映现在乳色肌理上的大自然的花朵、叶子、植物枝茎、蝴蝶和其他带翼的昆虫。此外，他设计的家具也与他的玻璃设计作品一样，其装饰题材以异乡植物和昆虫形状为主，鲜花怒放和花叶缠绕构成了这些作品独特的表面装饰效果，具有象征主义的特征。他常使用细木镶嵌工艺进行装饰，使其设计的家具精美而雅致。他在家具方面最有名的设计是1904年设计的“睡蝶床”，蝴蝶身体和翅膀所使用的玻璃和珍珠母传达了薄皮肌肤，木头黑白交替图纹则再现了翅翼的斑纹。
路易•马若雷尔是南斯派的另一位代表人物。他在设计上的成就主要表现在家具铁器上。和爱米勒•加雷一样，路易•马若雷尔的作品融合了异国和传统的成分，包括新罗可可图案、日本风格和有机体形状，以及受自然启发的形状和装饰。其作品的构造和装饰表现了流畅的节奏，圆形轮廓和倾斜线条赋予作品雕塑感。在他的设计中，功能从属装饰的特点十分明显。由于马若雷尔在家具设计方面成就卓著，所以有“马若雷尔式”家具的美称。
勒内•拉里克的设计成就主要体现在珠宝方面。他的作品是娇柔豪华的法国新艺术风格的最好见证。在他的珠宝设计中，大量运用来自自然的图案装饰，其中植物和昆虫图案最为常见，并且被处理成怪异的形式。此外，他对材料的选择也极富想象，包括仿宝石、彩金、搪瓷、不规则珍珠和半透明角。女人体是拉里克设计中爱用的另一个主题。珠宝上的女人体刻划细腻，栩栩如生。如1895年他向法国艺术家沙龙送交的展品中，有一件特别迷人的蜻蜓珠宝。拉里克在这件异乎寻常的胸针中加入了一个全裸女人体作为装饰。这是第一件采用女裸体装饰的新艺术珠宝，很快成为欧洲其他国家设计师模仿的对象。
继拉里克之后，在新艺术珠宝设计方面卓有成就的当推欧仁•格拉塞。他设计的珠宝奇特，具有独创性，充满了激情、想象和梦幻。其中最有名的作品是“西尔维亚”坠饰。它采用植物图案，用无金属底珐琅和淡水珍珠制成。
新艺术运动时期，法国的海报及其他平面设计也非常出色，被设计界公认为是现代商业广告的发源地。图形大师儒勒•舍雷因在1866年把从英国学来的色彩石版技法运用到广告印刷上，使此法风靡一时而被称为现代“广告之义”。他一生设计了几百幅罗可可线条和亮色块为特征的招贴。
继舍雷之后，招贴设计迅猛发展，名家辈出，其中土鲁斯•劳特累克招贴的平块亮色，皮埃尔•波那尔招贴的粗犷字母和粗浓线条节奏，至今给人深刻的印象。土鲁斯•劳特累克设计的《快乐王后》、《简•阿伏勒》和《红磨坊》歌舞演出海报等堪称新艺术图形作品的代表。他的招贴用线条来勾勒物体与人物，选取日常生活的题材，令人感到亲切。最具独创性的，是他对人物性格的夸张，文字与图形的巧妙安排，有力的对比等。而阿尔丰斯•穆沙设计的招贴、海报因其具有强烈的新艺术运动特点：曲线、自然形式、高度装饰化、平面效果等，被誉为新艺术运动最杰出的平面设计师。据不完全统计，穆沙一生设计了近百张招贴，风格融合了多种影响，含有鲜明色块的日本高雅轮廓与来自拜占庭和摩尔人艺术的几何装饰糅合在一起。这些流露着拜占庭风格，以天使、棕榈叶和马赛克围绕的理想化女性形象为特征的招贴，将广告招贴提升到了美术品的高度（图3-9）。如他在1893年为“《JANE AVRIL》”设计的海报，就是这种风格最典型的例子。
至于埃克多•基马的作品，则体现了法国新艺术建筑的最高成就。他最重要的设计是为巴黎地下铁道系统设计的一系列入口，他在20世纪初受巴黎市政府委托，设计地铁入口，一共有100多个，这些建筑结构基本上是采用青铜和其它金属铸造成的。他充分发挥了自然主义的特点，模仿植物的结构来设计，这些入口的顶棚和栏杆都模仿植物的形状，特别是扭曲的树木枝干，缠绕的藤蔓，顶棚有意地采用海贝的形状来处理，令人叫绝！入口、栏杆、标牌、支柱和电灯构成了一幅和谐的有机体和抽象形状混合景观。

㈦ 现代艺术如何走进生活

“艺术本来自于生活，所以生活也就是一种艺术”我是这样理解的。
现代艺术如何走进生活？那首先得知道“现代艺术”的定义吧！
如下：

现代艺术
现代艺术的瓦解起源于古代地中海沿岸（埃及、希腊、西亚）的西方艺术到19世纪后期，出现了转变的苗头，这个苗头进入20世纪后，成为西方艺术的主流，这就是西方的现代艺术。
可以把西方现代艺术看成是一座大厦。由各种不同类型的视觉风格组合而成，建造这所大厦的原理，是科学和理性。这是西方数百年来的思想文化核心，也是我们这里比较缺乏的东西，西方人凭借这些在技术和社会管理方面取得飞速进步；但也带来局限，是抑制生命的部分活力，比如男女相悦离不开自然的吸引力，如果只从职位、收入、门第角度考虑和计算，理性态度是有了，但感情会受影响。所以，在涉及人类情感和性灵的地方，不能只听科学的。
现代艺术的创作，与科学思想密不可分，结构主义与立体派，工业技术思想与未来派、风格派，机械制造形式与达达派的机械图纸绘画，弗洛伊德的释梦学说与超现实主义，还有以理性手法表达非理性的抽象表现主义，等等，都是科学和艺术联手的结果，人们把艺术创作看成是一种有规律可循的造物过程，这样，艺术家出图纸，工厂按照图纸生产艺术品，就成了合情合理的艺术创作程序，1960年后的美国就是这个样子。那时，许多艺术家从事各种各样的工业与材料试验，发明新的合成材料，使用机械装置成为作品的动力系统，声光电磁成为新的艺术资源，下面几项艺术活动能说明当时的情况：
（1）光效应艺术（OPArt），这是一种基于光学知识的心理试验艺术，创作者通过精确校正的色彩和几何形制造出有动感的光色效果，代表艺术家是布里奇特·里列（Bridgei Riley）和瓦萨雷里（Vasa-relev）。
（2）极少艺术（nIlnlnlallsn1），突出特征是以工业方式生产艺术品，追求数学的精确性，代表人物是贾德（Donald Judd）,作品通常是相同单元的重复。
（3)“动态雕塑”（Kinetic Art），有许多代表人物，如瑞士人廷古莱(Jean Tit-ian），制作了变体绘画机器，为首届巴黎双年展制作了一台“有香味有声音的变体汽车”；莱里（Len Iye）制作了有微妙平衡的活动雕塑，等等。
(4）灯光雕塑（Lighi Ari）是雕塑的另一发展方向，其形式类似霓虹灯广告。代表人物是青年艺术家弗莱温（Dan Fla-vin)。
（5）1966年纽约军械库举办《艺术和工程》试验展览，展出许多高科技手段设计的艺术品，并由此带动艺术家和科技工作者的紧密合作。随后成立的’艺术和技术试验”组织，有3000人参加。
还有更多的类似活动，频繁地出现在世界各地，形成风潮。如纽约现代美术馆有“机械”展，惠特尼美术馆有“光”展，伦敦有机械“动力”艺术展，洛杉矾有“工业”展，等等。科技力量由介人艺术发展到支配艺术，西方现代艺术在借助科学力量创造新成果的同时，也把自己送上了不归路。
下面这些艺术家是1960年代艺术与工业结合的代表：
（1）色面抽象画家纽曼（Barnetr-man），以近乎不断重复的方式，制作单一色块。
(2）金属雕刻家大卫·史密斯（David SITiith，1906～65），早年在军事坦克工厂做焊接工人，后来就发展出一种钢雕刻，这种雕刻提供给观众的是它的没有实际功能的机械性品质。
（3)行动艺术与色百抽象结合的画家弗兰肯塔拉（Ftankenthaler,1928-）对抽象表现主义资源的再利用,把艺术变成某种物理信息的表达.(4)黑条画家吏泰拉（Frank：tLixlla，1936-），使用铜和铝探讨不同形状的画布造里，以矩形和棱形为多，创作大、规模的色快分割作品。
二、现代艺术的性质有学者把西方美术的历史概括为三个阶段，即：前现代一现代…后现代。这个分期法中，一切艺术都是围绕着“现代”来确定其时段的，“现代”成了划分历史的坐标，这个分期法狠简单，也容易记，我们不妨惜来一用。
旅美日本文学理论家洒井直木（NaOki SakiIJi）在一篇谈日本后现代文化的文章中说："前现代一现代一后现代的序列暗示了一种时间顺序，我们必须记住、这个秩序从来都是同现代世界的地缘政治构造结合在一起的，现在众所周知的是。这种秩序基本上是十九世纪的历史框架,人们通过这个框架来理解民族、文化、传统和种族在这个系统里的位置."历史阶段的划分不是纯然时间性的，而是和空间纠葛在一起的。这意思是说，在同一时间里，不同地域可能分别处在不同的文明阶段；比如同处19世纪，中国是封建帝制国家，而西方早已进入资本主义，因此，有人说凡是当代出现的艺术都是当代艺术：是不对的，现在我们国家展览会中出现的许多美术作品就不具有当代艺术的特征，甚至不具有现代艺术的特征，这正是东西方地域差别的结果。
无论是“前现代”还是“后现代”，都是与“现代”进行比较后才可能产生的看法，弄清什么是“现代”，是进行这种比较的前提。我们可以从两个角度体察“现代艺术”发生转变的原因。
一种是风格和形式的角度，这是一种数量的概念。从理论上说，我们可以计算出西方现代主义阶段创造的视觉形式和风格的数量，这个数量很多，以倍数超出已往任何时代，也是中国已有美术形式和风格的总和也无法比拟的数量。
另一种是价值的角度，所谓价值，是断什么好，什么不好的标准，价值是质的概念，关系重大。不同价值观导致不同的评价结果，比如，用明清文人的价值观看今天的中国画，就会认为今不如昔。
从数量角度看现代艺术，我们会发现西方艺术家们在短短半个多世纪里，以多角度。全方位的探索精神，实践了艺术形式（架上艺术）变革的各种可能性，乃至没给后人留下多少有待探索的空间。革命已经成功，同志无须努力，后来的艺术家只好另辟踝径。
从价值角度看现代艺术，我们会发现它基本上属于精英文化范畴，能坚守高雅艺术的节操，不屑于与凡俗为伍，这种观念就其本性来说，是历史上贵族文化的衍生物，但社会变化了，精神贵族们失去了世袭领地，也只好去尘世中摸爬滚打。
具体说，现代艺术的价值观表现在下列凡个方面：
(1)追求纯粹。现代艺术追求视觉产品的纯粹性，在创作中只考虑形式要素，忽略其他因素，如历史、宗教，文学等内容的介人，因而促成抽象艺术的发展。一般说，追求纯粹是精英化和专家化的思想，有局限性，等于画地为牢。
(2)提倡原创，这是把体育竞技的标准用到艺术上，把艺术创作看成是艺术史上的破纪录竞争，但体育是优胜劣汰，艺术可不是这样，艺术的发展不是进步，是改变。比如不能因为有了毕加索就说伦勃朗差。
(3)引形式至上，重视形式不是现代艺术特有的习性，古典艺术也非常讲究形式感，但古典艺术的形式服从内容表现，或者说，形式隐藏在形象的后边，而现代艺术是为形式而形式，赋予形式以独立价值和功能。
(4)叫自我中心。现代艺术家多闭门造车，表现自我，不考虑观众，还经常通过怪异行为和奇装异服而显示与众不同，因而作品也十分个人化，不容易理解，也因此帮助美术批评家获得了解释此类作品的特权。
（5）整体单调。这是指在现代艺术流行时期，一切非现代的作品，如传统写实手法的、有民族地域特征的、非发达国家的作品，均被排斥，弄得全球艺术家都要使用“跨国界语言”，因而造成了一定程度的全球性艺术语言贫乏症。
从以上几个方面看，我们就能理解，有反对它的力量出现，是件自然而然的事情。
三、后现代艺术的出现反对现代艺术的力量是在1960年代未出现的。
就在科技强权席卷一切，精英化，纯粹化的艺术山穷水尽的时候，新的艺术活动出现了，这些活动与当时的潮流是那么不同，竟然使西方艺术峰回路转，另开局面。下面就是当时新出现的几项艺术活动：
（1）大地艺术（LandArt或Earth Art），可以看成是室内装置作品向户外发展的结果，最早的样式可以追溯到古埃及的金字塔和英国的斯通亨治圆形石柱，而美洲的广阔土地为当代艺术家提供了展示才能的舞台。以沙漠、高山和草原为原始材料，修整出或附加上巨大的几何形式，是大地艺术的早期特色。最有名的作品是罗怕特·斯迈森（Robert Smithson）的《螺旋形防波堤》，这个堤坝宽15英尺，观众可以沿着堤坝走几圈，除此而外没有任何实用功能。
（2）装置艺术（InstallatiOn），是一种由非艺木材料构成。可在室内短暂陈列的立体展品，其中极少部分也会被博物馆收藏，它是一种布置展品的方法而非艺术特色或风格，所以它可以为许多艺术流派服务。最初的装置由弃置传统雕塑材料而来，其主要定义是：“（1）它们是装配起来的，而不是画。描、塑或雕出来的；（2）它们的全部或部分组成要素，是预先形成的天然或人造材料、物体或碎片，而不打算用艺术材料”。早期装置艺术的代表是德国的达达艺术家施威特（Kllrt schw-Itter），他在1920年代用各种材料将自己的住宅堆满。
（3）身体艺术（BodV art），是创作者将自己的身体作为艺术表达的材料，并结合绘画、摄影、录像或其他现场记录手段。形成的一种非戏剧化的表演艺术，“非戏剧化”是指无虚构、表演和做作成分。如勒瓦（Barry Le Va）的作品就是在相隔十几米的两堵墙之间跑来跑去，直到累倒为止。另一位维托·阿康西（Vito Acconci）曾经是个诗人，心理上有受虐倾向，比如他努力去咬自己身体上能咬到的部位，不咬出痕迹不罢休，还在公开场合手淫，并且架上扩音器将声音传播出去，迫使公众成为“窥淫”者，试图以此冲破社会禁忌，还有一位是克里斯·怕登（Chris Burden），这个人更是受虐狂，代表作《5天囚禁》是连续5天将自己关在一个铁箱子里；另一名作《枪击》是让他的朋友在匕英尺外向他的左臂开枪，这种惊世骇俗手法，使他立刻获得了世界声誉。
（4）概念艺术（ConceptuaI Art），来源于1920年代早期的达达艺术，认为艺术没什么神圣和持久的价值，它的本质是思想或者概念，物理形态的具体作品并不重要，所以也叫思想艺术（Ideaart），后物体艺术（Post Object art）或无物体艺术（De-materialized art），用来记录思想的文字材料，或者对一个事件的照相实录，是概念艺术的常见形态。概念主义艺术家探询艺术与思想或者艺术与知识的关系，这种探询的终点是文字的、数学的或美学与哲学的，从道理上说，这种作品实际上不是用来观赏的，传统的展出形式不适用。但既要展示内在思想又要避免外在形式，仍是长久的难题，那些被看成是观念艺术的作品，多是在美术馆和其他公众场合展出一些临时性的装置，例如随便堆放一些木头、砖块或其他杂物，有一个例子是在美术馆中展出一个巨大的鸟笼，里边有些活的鸟和其他物品，另有一个概念艺术团体则是一些从事随笔写作的人。代表人物有约瑟夫·库苏斯（Joseph Kosuth）、迈尔·波施纳（MeI Bochner）和汉纳·道波温（Hanne DarbOven）等人。
（5）过程艺术（Process art），认为艺术的制作过程比事先的构思重要，体验时间流逝胜于观看静止和持久的物体，力图表达瞬间即逝的短暂存在，此种艺术多使用易于体现时间变化的软性材料，最初的来源是波洛克和德库宁在创作中随意滴溅颜料的偶然性，创作过程多是作者对展出材料的任意改变。代表人物是罗伯特·莫里斯（Robert Morris），他的一件作品是在展厅里堆放一些没有任何价值的混杂材料。他每天去改变这些材料的放置状态，到展览结束时就将这些东西收起来扔掉。
有了上面一些活动，此后的西方艺术就出现两种相反的发展趋势，一种是纯艺术，就是让艺术保持独立品性，以区别其池事物。在纯艺术里，什么是绘画，什么是雕塑，有着明确的质的界定，另一种趋势则是混淆艺术与非艺术的界限，尤其是混淆艺术与生活的区别。前一种艺术的所谓“纯”，恰好是后一种艺术所竭力排斥的东西。而排斥的理由则是认为艺术的本质是启发创造性，人为地划分艺术范围是对刨造力的束缚，只有当艺术与生活融为一体时，艺术的创造力才能在最广泛的程度上得以体现。
新的艺术思想传播迅速，到川的年前后，美国的艺术杂志中就不再是满篇塑胶钢和几何型了，天然材料，行动的过程，环境和观众的介人，语义解析，摄影实录，逐渐成为艺术传媒的主要报道内容。至此，现人艺术的观念、方法和形式有了重大改变，人们说的后现代艺术，就是从这个时候开始的，下过，艺术吏的更迭不是军事交接。下会形成截然两端的局面，所谓新与旧，尾声与开场，往往同时存在，只是论述者为了叙述方便，习惯将纠缠在一起的事实分开来说，囚此，我们常会看到学者们对许多所谓流派运动的开端有众多说法，本文论述后现代艺术，因为要刻意寻找时间推移的秩序，就无法同时兼顾空间的划分,这是要请读者注意的。
促成西方现代艺术在1960年代未转变形态的原因很多，通常认为与下列社会背景有关：
（1）美国在越战的失败，导致反对战争的情绪增长，再加上冷成格局下的国际环境，陵人们对于人类社会和现实生活不抱有大多希望，并进一步开始蔑视已有的人类生活准贝1。在文化领域出现反主流和否定永恒价值的倾向。
（2）工业发展的副咋用。工业的进步曾给人类社会展示了美好的前景，但副作用也越来越明显，环境污染，能源紧缺，有毒废料，核武器危险，陵人们认识到，科学技术在解决一些问题的同时，叉带来了新的问题，人们开始清醒地看待工业进步的利弊得失，对科学方法产生了怀疑。
（3）社会问题突出，丰富的物质生活解决不了精神的问题，战后“垮掉的一代”出现。1968年，欧洲和美国都出现了学生运动热潮。
（4）新思想的出现。欧洲j午多哲学家们对当代文化提出了新看法，从而对艺术界产生影响，这些哲学家包括罗兰巴特、福科、德里达、拉康，利奥塔等人，他们对已有的社会抖学理论提出吠疑，关任多种文化形态，引导人们怀疑任何单一的理论框架和终极判断，在艺术领域则是重新肯定具象的价值，从而导致对追求形而上的现代艺术的脱离。
除了上述外在因素，过分理性儿和科技化是促使艺术方向发生转变的内在原因。需知人类的精神世界和自然生态一样，既变化万端又相互平衡，如果其中某仲囚幸过分发展，就会有相反的力量来克服它。如果科学对艺术干预大多，就会有反科学的力量出现。
四、后现代艺术的价值观1980年代以后，以美国为中心，后现代艺术已经风起云涌，成为新的世界性的艺术潮流。综合地看这些艺术现象，可以明显感知新的价值现在成长，它主要表现在以下几个方面：
（1）不求纯粹，当代艺术不局限于视觉形式，语言文字、音乐戏剧、大众传媒。数码影降、声光电化，只要能传达特定信息，就无所不用，绘画超越平面限制，雕塑结台风景和建筑，展出场地也不局限在画廊扣博物馆，在当代西方，所谓视觉艺术已经与其他门类艺术难分准解。
（2）善侍传统。人类有丰富的传统文化资源，弃之如蔑很可惜，当代艺术家不反对传统，而是利用过去以更新自我。在时间和环境改变后，旧符号可能产生新意义，分冰的“天书”，蔡国强的“草船惜箭”。都是这样。
（3）非个人化，在艺术之上，除了19世纪后期到J）世纪中期这段时间，“个人表现”都不是创炸的主要目标，后现代艺术强调社会功能，使艺术走出象牙塔，贴近大众生活，艺术家以天下任为己任，关心社会问题，积极参与社会活动，不再是特立浊行的另类人物。
（4）多种标准，“多元”是当代艺术的核心观念，虽然国际上仍有主流艺术趋势的存在，但却不再用统一的标准判断优劣，比如承认不同国家，民族，地域的艺术的价值，女性艺术、土著艺术，非发达国家艺术受到重视，等等。但也因此出现繁杂混乱的局面，难以系统化。
综合以上的论述，也许我们可以对后现代艺术有个粗浅的认识：它起源于对现代艺术的反叛，发展出表达思想和传递信息的新方法，观念的更迭，技术的转换，以及它所代表的公众意识、多元价值观和自由创造精神，体现了西方当代文化中的发展趋势，但由于地域，文化和体制的不同，中国美术界还不能在短时期内以整体面貌融入这一全球范围的艺术运动，但这并不妨碍新艺术因素的增长，也不妨碍我们从常识的角度去获得西方当代艺术的知识。
五、杜尚的启发在涉及西方后现代艺术的话题时，不能不提到法国画家杜尚（MarceI Du-champ）调池被人们描述成西方后现代艺术之父，理解他的艺术和生活，对理解西方后现代艺术的诸多奇妙现象大有帮助，但理解杜尚是个难题）因为他的作品与生活都与常人相去太远；难以合理解释。
虽然杜尚的艺术实践止于1930年代。而且在1968年去世，但他旱期的短暂艺术活动却在后来产生了持续的影响力。1913年他完成了第一件现成品艺术《自行车轮》表达对传统作品中注重结构的轻视。并暗示艺术创作中最重要的因素是观念而非制作技巧。《巧克力研磨机八号》差不多是杜尚最后一件架上作品，是对学院派油画的嘲弄。1915年后杜尚定居纽约， 1917年完成《泉》是一只小便器；另一件作品是L.II.O.O.Q,（1919），是给印刷品《蒙娜丽莎》添上小胡子。杜尚最重要的作品是《大玻璃》又名《新娘被她的汉子剥得精光》，该作品从1915年开始制作，至1923年仍未完成。192O年后，杜尚对光学和电影的兴趣与日俱增，川年代后他又将兴趣转到国际象棋上。
杜尚最重要的贡献是“现成品”艺术。虽然从世俗的角度看，把现成的工业产品或是其他物品摆到美术展览会上是荒诞不经的，但事实上这却改变了人类对艺术乃至对世界的整个看法，人们开始质疑传统价值观念和艺术创作模式的必要性，至少。在西方后现代艺术中，“现成品”的影响无处不在，并从以下几个方面给人们以启发：
（1）形式与美都不重要。自古以来，艺术家以创造美的形式为天职，并赋予此类工作以崇高的地位和价值。但杜尚认为美并不存在，艺术和创造艺术的人也没什么特别崇高的地方，他告诉人们，普通物品与艺术品没什么区别，果艺术是美的；那普通物品也是美的，如果普通物品不美，那艺术也好不到哪儿去，所谓艺术的审美价值只不过是人们的成见而已。他把那个“小便池”送进展览会，对打破这个成见起了很大作用。
（2）环境和时间比作品更重要，变现成品为艺术品的决定因素是环境和时间。与作品本身无关。这说明，在一定条件下。任何东西乃至行为都可以是艺术；也可以反过来说，当条件改变时，任何东西乃至行为都可以不是艺术，按中国话说，就是此亦一是非，彼亦一是非，由于环境和时间永远在流动扣变化中，所以文艺复兴的经典“蒙娜丽莎”到了20世纪，就可以被画上小胡于，成为笑料；囱行车轮和凳子放进美术馆里，就等于结构主义的雕塑。
（3）引艺术回到自发和天然的状态，人类最初的艺术活动是自发和天然的，无须专门训练，更没有艺术家和非艺术家之别。但后来就有了分工，艺术成了一项专门的工作，也因此有了专门的关于艺术的标准。显然，这种分工和标准是以往制度的产物。有碍于健全的人性发展。如果在社会条件改变的情况下，仍然把这些已有的标准当成至高无上的法则要人们遵守，就太不合理，“现成品艺术”就是完全不把已有的艺术标准乃至文化尺度放在眼里，以一种看似搞笑而实际上相当深刻的思想，嘲笑了人类在文化领域的拘谨和匠气，从而呼唤一个新的富有自由创造精神的时代的到来。
（4）叫取消技术的限制，人们久已习惯将艺术创作看成是一种专门的技术操作这程，所以才有美术学院和专业画家，“现成品”艺术却与作者的个人技术无关，它只需要一种选择的眼光，而选择是一种思考过程，与物质产品的制作技术毫无关系。杜尚在这里告诉人们，艺术的价值在于思想。有思想，任何物质产品都可以成为艺术品。这种将艺术等同于思想的做法，客观上取消了传统意义上的艺术学科，暗含了艺术与艺术史即将终结的理论判断。
美国画家德库宁（De Koonig）说：“杜尚一个人发起了一场运动一一这是一个真正的现代运动，其中暗示了一切：每个艺术家都可以从他那里得到灵感”，以似乎是随手拈出的“现成品”，轻松地扭转了西方艺术发展的方向，是杜尚留给后人的先驱者形象。杜尚之后，反对一切既定的艺术模式和评判标准，以毫无挂碍的自由精神为艺术创作目标，成了西方艺术界的共识。

定义理解了，大概对你问的问题也有所帮助吧！

㈧ 现代艺术的发展历史和发展趋势

现代艺术的瓦解起源于古代地中海沿岸（埃及、希腊、西亚）的西方艺术到19世纪后期，出现了转变的苗头，这个苗头进入20世纪后，成为西方艺术的主流，这就是西方的现代艺术。
可以把西方现代艺术看成是一座大厦。由各种不同类型的视觉风格组合而成，建造这所大厦的原理，是科学和理性。这是西方数百年来的思想文化核心，也是我们这里比较缺乏的东西，西方人凭借这些在技术和社会管理方面取得飞速进步；但也带来局限，是抑制生命的部分活力，比如男女相悦离不开自然的吸引力，如果只从职位、收入、门第角度考虑和计算，理性态度是有了，但感情会受影响。所以，在涉及人类情感和性灵的地方，不能只听科学的。
现代艺术的创作，与科学思想密不可分，结构主义与立体派，工业技术思想与未来派、风格派，机械制造形式与达达派的机械图纸绘画，弗洛伊德的释梦学说与超现实主义，还有以理性手法表达非理性的抽象表现主义，等等，都是科学和艺术联手的结果，人们把艺术创作看成是一种有规律可循的造物过程，这样，艺术家出图纸，工厂按照图纸生产艺术品，就成了合情合理的艺术创作程序，1960年后的美国就是这个样子。那时，许多艺术家从事各种各样的工业与材料试验，发明新的合成材料，使用机械装置成为作品的动力系统，声光电磁成为新的艺术资源，下面几项艺术活动能说明当时的情况：
（1）光效应艺术（OPArt），这是一种基于光学知识的心理试验艺术，创作者通过精确校正的色彩和几何形制造出有动感的光色效果，代表艺术家是布里奇特·里列（Bridgei Riley）和瓦萨雷里（Vasa-relev）。
（2）极少艺术（nIlnlnlallsn1），突出特征是以工业方式生产艺术品，追求数学的精确性，代表人物是贾德（Donald Judd）,作品通常是相同单元的重复。
（3)“动态雕塑”（Kinetic Art），有许多代表人物，如瑞士人廷古莱(Jean Tit-ian），制作了变体绘画机器，为首届巴黎双年展制作了一台“有香味有声音的变体汽车”；莱里（Len Iye）制作了有微妙平衡的活动雕塑，等等。
(4）灯光雕塑（Lighi Ari）是雕塑的另一发展方向，其形式类似霓虹灯广告。代表人物是青年艺术家弗莱温（Dan Fla-vin)。
（5）1966年纽约军械库举办《艺术和工程》试验展览，展出许多高科技手段设计的艺术品，并由此带动艺术家和科技工作者的紧密合作。随后成立的’艺术和技术试验”组织，有3000人参加。
还有更多的类似活动，频繁地出现在世界各地，形成风潮。如纽约现代美术馆有“机械”展，惠特尼美术馆有“光”展，伦敦有机械“动力”艺术展，洛杉矾有“工业”展，等等。科技力量由介人艺术发展到支配艺术，西方现代艺术在借助科学力量创造新成果的同时，也把自己送上了不归路。
下面这些艺术家是1960年代艺术与工业结合的代表：
（1）色面抽象画家纽曼（Barnetr-man），以近乎不断重复的方式，制作单一色块。
(2）金属雕刻家大卫·史密斯（David SITiith，1906～65），早年在军事坦克工厂做焊接工人，后来就发展出一种钢雕刻，这种雕刻提供给观众的是它的没有实际功能的机械性品质。
（3)行动艺术与色百抽象结合的画家弗兰肯塔拉（Ftankenthaler,1928-）对抽象表现主义资源的再利用,把艺术变成某种物理信息的表达.(4)黑条画家吏泰拉（Frank：tLixlla，1936-），使用铜和铝探讨不同形状的画布造里，以矩形和棱形为多，创作大、规模的色快分割作品。
二、现代艺术的性质有学者把西方美术的历史概括为三个阶段，即：前现代一现代…后现代。这个分期法中，一切艺术都是围绕着“现代”来确定其时段的，“现代”成了划分历史的坐标，这个分期法狠简单，也容易记，我们不妨惜来一用。
旅美日本文学理论家洒井直木（NaOki SakiIJi）在一篇谈日本后现代文化的文章中说："前现代一现代一后现代的序列暗示了一种时间顺序，我们必须记住、这个秩序从来都是同现代世界的地缘政治构造结合在一起的，现在众所周知的是。这种秩序基本上是十九世纪的历史框架,人们通过这个框架来理解民族、文化、传统和种族在这个系统里的位置."历史阶段的划分不是纯然时间性的，而是和空间纠葛在一起的。这意思是说，在同一时间里，不同地域可能分别处在不同的文明阶段；比如同处19世纪，中国是封建帝制国家，而西方早已进入资本主义，因此，有人说凡是当代出现的艺术都是当代艺术：是不对的，现在我们国家展览会中出现的许多美术作品就不具有当代艺术的特征，甚至不具有现代艺术的特征，这正是东西方地域差别的结果。
无论是“前现代”还是“后现代”，都是与“现代”进行比较后才可能产生的看法，弄清什么是“现代”，是进行这种比较的前提。我们可以从两个角度体察“现代艺术”发生转变的原因。
一种是风格和形式的角度，这是一种数量的概念。从理论上说，我们可以计算出西方现代主义阶段创造的视觉形式和风格的数量，这个数量很多，以倍数超出已往任何时代，也是中国已有美术形式和风格的总和也无法比拟的数量。
另一种是价值的角度，所谓价值，是断什么好，什么不好的标准，价值是质的概念，关系重大。不同价值观导致不同的评价结果，比如，用明清文人的价值观看今天的中国画，就会认为今不如昔。
从数量角度看现代艺术，我们会发现西方艺术家们在短短半个多世纪里，以多角度。全方位的探索精神，实践了艺术形式（架上艺术）变革的各种可能性，乃至没给后人留下多少有待探索的空间。革命已经成功，同志无须努力，后来的艺术家只好另辟踝径。
从价值角度看现代艺术，我们会发现它基本上属于精英文化范畴，能坚守高雅艺术的节操，不屑于与凡俗为伍，这种观念就其本性来说，是历史上贵族文化的衍生物，但社会变化了，精神贵族们失去了世袭领地，也只好去尘世中摸爬滚打。
具体说，现代艺术的价值观表现在下列凡个方面：
(1)追求纯粹。现代艺术追求视觉产品的纯粹性，在创作中只考虑形式要素，忽略其他因素，如历史、宗教，文学等内容的介人，因而促成抽象艺术的发展。一般说，追求纯粹是精英化和专家化的思想，有局限性，等于画地为牢。
(2)提倡原创，这是把体育竞技的标准用到艺术上，把艺术创作看成是艺术史上的破纪录竞争，但体育是优胜劣汰，艺术可不是这样，艺术的发展不是进步，是改变。比如不能因为有了毕加索就说伦勃朗差。
(3)引形式至上，重视形式不是现代艺术特有的习性，古典艺术也非常讲究形式感，但古典艺术的形式服从内容表现，或者说，形式隐藏在形象的后边，而现代艺术是为形式而形式，赋予形式以独立价值和功能。
(4)叫自我中心。现代艺术家多闭门造车，表现自我，不考虑观众，还经常通过怪异行为和奇装异服而显示与众不同，因而作品也十分个人化，不容易理解，也因此帮助美术批评家获得了解释此类作品的特权。
（5）整体单调。这是指在现代艺术流行时期，一切非现代的作品，如传统写实手法的、有民族地域特征的、非发达国家的作品，均被排斥，弄得全球艺术家都要使用“跨国界语言”，因而造成了一定程度的全球性艺术语言贫乏症。
从以上几个方面看，我们就能理解，有反对它的力量出现，是件自然而然的事情。
三、后现代艺术的出现反对现代艺术的力量是在1960年代未出现的。
就在科技强权席卷一切，精英化，纯粹化的艺术山穷水尽的时候，新的艺术活动出现了，这些活动与当时的潮流是那么不同，竟然使西方艺术峰回路转，另开局面。下面就是当时新出现的几项艺术活动：
（1）大地艺术（LandArt或Earth Art），可以看成是室内装置作品向户外发展的结果，最早的样式可以追溯到古埃及的金字塔和英国的斯通亨治圆形石柱，而美洲的广阔土地为当代艺术家提供了展示才能的舞台。以沙漠、高山和草原为原始材料，修整出或附加上巨大的几何形式，是大地艺术的早期特色。最有名的作品是罗怕特·斯迈森（Robert Smithson）的《螺旋形防波堤》，这个堤坝宽15英尺，观众可以沿着堤坝走几圈，除此而外没有任何实用功能。
（2）装置艺术（InstallatiOn），是一种由非艺木材料构成。可在室内短暂陈列的立体展品，其中极少部分也会被博物馆收藏，它是一种布置展品的方法而非艺术特色或风格，所以它可以为许多艺术流派服务。最初的装置由弃置传统雕塑材料而来，其主要定义是：“（1）它们是装配起来的，而不是画。描、塑或雕出来的；（2）它们的全部或部分组成要素，是预先形成的天然或人造材料、物体或碎片，而不打算用艺术材料”。早期装置艺术的代表是德国的达达艺术家施威特（Kllrt schw-Itter），他在1920年代用各种材料将自己的住宅堆满。
（3）身体艺术（BodV art），是创作者将自己的身体作为艺术表达的材料，并结合绘画、摄影、录像或其他现场记录手段。形成的一种非戏剧化的表演艺术，“非戏剧化”是指无虚构、表演和做作成分。如勒瓦（Barry Le Va）的作品就是在相隔十几米的两堵墙之间跑来跑去，直到累倒为止。另一位维托·阿康西（Vito Acconci）曾经是个诗人，心理上有受虐倾向，比如他努力去咬自己身体上能咬到的部位，不咬出痕迹不罢休，还在公开场合手淫，并且架上扩音器将声音传播出去，迫使公众成为“窥淫”者，试图以此冲破社会禁忌，还有一位是克里斯·怕登（Chris Burden），这个人更是受虐狂，代表作《5天囚禁》是连续5天将自己关在一个铁箱子里；另一名作《枪击》是让他的朋友在匕英尺外向他的左臂开枪，这种惊世骇俗手法，使他立刻获得了世界声誉。
（4）概念艺术（ConceptuaI Art），来源于1920年代早期的达达艺术，认为艺术没什么神圣和持久的价值，它的本质是思想或者概念，物理形态的具体作品并不重要，所以也叫思想艺术（Ideaart），后物体艺术（Post Object art）或无物体艺术（De-materialized art），用来记录思想的文字材料，或者对一个事件的照相实录，是概念艺术的常见形态。概念主义艺术家探询艺术与思想或者艺术与知识的关系，这种探询的终点是文字的、数学的或美学与哲学的，从道理上说，这种作品实际上不是用来观赏的，传统的展出形式不适用。但既要展示内在思想又要避免外在形式，仍是长久的难题，那些被看成是观念艺术的作品，多是在美术馆和其他公众场合展出一些临时性的装置，例如随便堆放一些木头、砖块或其他杂物，有一个例子是在美术馆中展出一个巨大的鸟笼，里边有些活的鸟和其他物品，另有一个概念艺术团体则是一些从事随笔写作的人。代表人物有约瑟夫·库苏斯（Joseph Kosuth）、迈尔·波施纳（MeI Bochner）和汉纳·道波温（Hanne DarbOven）等人。
（5）过程艺术（Process art），认为艺术的制作过程比事先的构思重要，体验时间流逝胜于观看静止和持久的物体，力图表达瞬间即逝的短暂存在，此种艺术多使用易于体现时间变化的软性材料，最初的来源是波洛克和德库宁在创作中随意滴溅颜料的偶然性，创作过程多是作者对展出材料的任意改变。代表人物是罗伯特·莫里斯（Robert Morris），他的一件作品是在展厅里堆放一些没有任何价值的混杂材料。他每天去改变这些材料的放置状态，到展览结束时就将这些东西收起来扔掉。
有了上面一些活动，此后的西方艺术就出现两种相反的发展趋势，一种是纯艺术，就是让艺术保持独立品性，以区别其池事物。在纯艺术里，什么是绘画，什么是雕塑，有着明确的质的界定，另一种趋势则是混淆艺术与非艺术的界限，尤其是混淆艺术与生活的区别。前一种艺术的所谓“纯”，恰好是后一种艺术所竭力排斥的东西。而排斥的理由则是认为艺术的本质是启发创造性，人为地划分艺术范围是对刨造力的束缚，只有当艺术与生活融为一体时，艺术的创造力才能在最广泛的程度上得以体现。
新的艺术思想传播迅速，到川的年前后，美国的艺术杂志中就不再是满篇塑胶钢和几何型了，天然材料，行动的过程，环境和观众的介人，语义解析，摄影实录，逐渐成为艺术传媒的主要报道内容。至此，现人艺术的观念、方法和形式有了重大改变，人们说的后现代艺术，就是从这个时候开始的，下过，艺术吏的更迭不是军事交接。下会形成截然两端的局面，所谓新与旧，尾声与开场，往往同时存在，只是论述者为了叙述方便，习惯将纠缠在一起的事实分开来说，囚此，我们常会看到学者们对许多所谓流派运动的开端有众多说法，本文论述后现代艺术，因为要刻意寻找时间推移的秩序，就无法同时兼顾空间的划分,这是要请读者注意的。
促成西方现代艺术在1960年代未转变形态的原因很多，通常认为与下列社会背景有关：
（1）美国在越战的失败，导致反对战争的情绪增长，再加上冷成格局下的国际环境，陵人们对于人类社会和现实生活不抱有大多希望，并进一步开始蔑视已有的人类生活准贝1。在文化领域出现反主流和否定永恒价值的倾向。
（2）工业发展的副咋用。工业的进步曾给人类社会展示了美好的前景，但副作用也越来越明显，环境污染，能源紧缺，有毒废料，核武器危险，陵人们认识到，科学技术在解决一些问题的同时，叉带来了新的问题，人们开始清醒地看待工业进步的利弊得失，对科学方法产生了怀疑。
（3）社会问题突出，丰富的物质生活解决不了精神的问题，战后“垮掉的一代”出现。1968年，欧洲和美国都出现了学生运动热潮。
（4）新思想的出现。欧洲j午多哲学家们对当代文化提出了新看法，从而对艺术界产生影响，这些哲学家包括罗兰巴特、福科、德里达、拉康，利奥塔等人，他们对已有的社会抖学理论提出吠疑，关任多种文化形态，引导人们怀疑任何单一的理论框架和终极判断，在艺术领域则是重新肯定具象的价值，从而导致对追求形而上的现代艺术的脱离。
除了上述外在因素，过分理性儿和科技化是促使艺术方向发生转变的内在原因。需知人类的精神世界和自然生态一样，既变化万端又相互平衡，如果其中某仲囚幸过分发展，就会有相反的力量来克服它。如果科学对艺术干预大多，就会有反科学的力量出现。
四、后现代艺术的价值观1980年代以后，以美国为中心，后现代艺术已经风起云涌，成为新的世界性的艺术潮流。综合地看这些艺术现象，可以明显感知新的价值现在成长，它主要表现在以下几个方面：
（1）不求纯粹，当代艺术不局限于视觉形式，语言文字、音乐戏剧、大众传媒。数码影降、声光电化，只要能传达特定信息，就无所不用，绘画超越平面限制，雕塑结台风景和建筑，展出场地也不局限在画廊扣博物馆，在当代西方，所谓视觉艺术已经与其他门类艺术难分准解。
（2）善侍传统。人类有丰富的传统文化资源，弃之如蔑很可惜，当代艺术家不反对传统，而是利用过去以更新自我。在时间和环境改变后，旧符号可能产生新意义，分冰的“天书”，蔡国强的“草船惜箭”。都是这样。
（3）非个人化，在艺术之上，除了19世纪后期到J）世纪中期这段时间，“个人表现”都不是创炸的主要目标，后现代艺术强调社会功能，使艺术走出象牙塔，贴近大众生活，艺术家以天下任为己任，关心社会问题，积极参与社会活动，不再是特立浊行的另类人物。
（4）多种标准，“多元”是当代艺术的核心观念，虽然国际上仍有主流艺术趋势的存在，但却不再用统一的标准判断优劣，比如承认不同国家，民族，地域的艺术的价值，女性艺术、土著艺术，非发达国家艺术受到重视，等等。但也因此出现繁杂混乱的局面，难以系统化。
综合以上的论述，也许我们可以对后现代艺术有个粗浅的认识：它起源于对现代艺术的反叛，发展出表达思想和传递信息的新方法，观念的更迭，技术的转换，以及它所代表的公众意识、多元价值观和自由创造精神，体现了西方当代文化中的发展趋势，但由于地域，文化和体制的不同，中国美术界还不能在短时期内以整体面貌融入这一全球范围的艺术运动，但这并不妨碍新艺术因素的增长，也不妨碍我们从常识的角度去获得西方当代艺术的知识。
五、杜尚的启发在涉及西方后现代艺术的话题时，不能不提到法国画家杜尚（MarceI Du-champ）调池被人们描述成西方后现代艺术之父，理解他的艺术和生活，对理解西方后现代艺术的诸多奇妙现象大有帮助，但理解杜尚是个难题）因为他的作品与生活都与常人相去太远；难以合理解释。
虽然杜尚的艺术实践止于1930年代。而且在1968年去世，但他旱期的短暂艺术活动却在后来产生了持续的影响力。1913年他完成了第一件现成品艺术《自行车轮》表达对传统作品中注重结构的轻视。并暗示艺术创作中最重要的因素是观念而非制作技巧。《巧克力研磨机八号》差不多是杜尚最后一件架上作品，是对学院派油画的嘲弄。1915年后杜尚定居纽约， 1917年完成《泉》是一只小便器；另一件作品是L.II.O.O.Q,（1919），是给印刷品《蒙娜丽莎》添上小胡子。杜尚最重要的作品是《大玻璃》又名《新娘被她的汉子剥得精光》，该作品从1915年开始制作，至1923年仍未完成。192O年后，杜尚对光学和电影的兴趣与日俱增，川年代后他又将兴趣转到国际象棋上。
杜尚最重要的贡献是“现成品”艺术。虽然从世俗的角度看，把现成的工业产品或是其他物品摆到美术展览会上是荒诞不经的，但事实上这却改变了人类对艺术乃至对世界的整个看法，人们开始质疑传统价值观念和艺术创作模式的必要性，至少。在西方后现代艺术中，“现成品”的影响无处不在，并从以下几个方面给人们以启发：
（1）形式与美都不重要。自古以来，艺术家以创造美的形式为天职，并赋予此类工作以崇高的地位和价值。但杜尚认为美并不存在，艺术和创造艺术的人也没什么特别崇高的地方，他告诉人们，普通物品与艺术品没什么区别，果艺术是美的；那普通物品也是美的，如果普通物品不美，那艺术也好不到哪儿去，所谓艺术的审美价值只不过是人们的成见而已。他把那个“小便池”送进展览会，对打破这个成见起了很大作用。
（2）环境和时间比作品更重要，变现成品为艺术品的决定因素是环境和时间。与作品本身无关。这说明，在一定条件下。任何东西乃至行为都可以是艺术；也可以反过来说，当条件改变时，任何东西乃至行为都可以不是艺术，按中国话说，就是此亦一是非，彼亦一是非，由于环境和时间永远在流动扣变化中，所以文艺复兴的经典“蒙娜丽莎”到了20世纪，就可以被画上小胡于，成为笑料；囱行车轮和凳子放进美术馆里，就等于结构主义的雕塑。
（3）引艺术回到自发和天然的状态，人类最初的艺术活动是自发和天然的，无须专门训练，更没有艺术家和非艺术家之别。但后来就有了分工，艺术成了一项专门的工作，也因此有了专门的关于艺术的标准。显然，这种分工和标准是以往制度的产物。有碍于健全的人性发展。如果在社会条件改变的情况下，仍然把这些已有的标准当成至高无上的法则要人们遵守，就太不合理，“现成品艺术”就是完全不把已有的艺术标准乃至文化尺度放在眼里，以一种看似搞笑而实际上相当深刻的思想，嘲笑了人类在文化领域的拘谨和匠气，从而呼唤一个新的富有自由创造精神的时代的到来。
（4）叫取消技术的限制，人们久已习惯将艺术创作看成是一种专门的技术操作这程，所以才有美术学院和专业画家，“现成品”艺术却与作者的个人技术无关，它只需要一种选择的眼光，而选择是一种思考过程，与物质产品的制作技术毫无关系。杜尚在这里告诉人们，艺术的价值在于思想。有思想，任何物质产品都可以成为艺术品。这种将艺术等同于思想的做法，客观上取消了传统意义上的艺术学科，暗含了艺术与艺术史即将终结的理论判断。
美国画家德库宁（De Koonig）说：“杜尚一个人发起了一场运动一一这是一个真正的现代运动，其中暗示了一切：每个艺术家都可以从他那里得到灵感”，以似乎是随手拈出的“现成品”，轻松地扭转了西方艺术发展的方向，是杜尚留给后人的先驱者形象。杜尚之后，反对一切既定的艺术模式和评判标准，以毫无挂碍的自由精神为艺术创作目标，成了西方艺术界的共识。

㈨ 该怎么看待现代艺术

现代的艺术怎么看就要看自己个人的修为怎么样了。
怎么说，现代的艺术主要是一种自由 创新 个性化的倾向，也可以说是以它们为主题。
还有现代艺术包括的范围太大了哦，不知道你说的具体是什么现代艺术！

㈩ 近代艺术是如何发展的

17世纪以来，资本主义经济的繁荣发展，资产阶级革命带来的社会变革和近代的科学进步，对艺术的发展产生了重大影响，促进了艺术的不断推陈出新。各种艺术门类空前繁荣，出现了古典主义、浪漫主义、现实主义等流派，艺术作品硕果累累，永载史册的艺术大师不断涌现，给人类留下了宝贵的精神财富。

17、18世纪的欧洲美术在17、18世纪众多的欧洲艺术流派中，影响最大的是巴罗克与洛可可风格。

“巴罗克”一词源于葡萄牙文，意为“不圆的珍珠”，后来引申为“异常的”、“夸张的”、“怪诞的’等多种含义。它发源于16世纪末的意大利建筑，17世纪至18世纪初流行于欧洲，在门世纪中期的法国发展到了顶点。作为一种艺术风格，它首先表现在造型艺术上，使建筑、雕塑、绘画艺术出现了新的风格，后来影响到文学与音乐的创作。

巴罗克艺术风格一反文艺复兴盛期的严肃、含蓄、平衡，而倾向于宏伟壮丽、豪华浮夸，追求动势与起伏，显得自由活泼、情绪激动，充满活力，反映了专制君主、贵族的豪华富足和资产阶级的享乐情趣。

卡拉瓦乔（1573—1610年）被认为是巴罗克艺术的奠基者。他的创作手法以自然主义为主，作品大多是当时社会生活的风俗画。卡拉瓦乔作品中的人总是被一片阴影包围，以突出风景的戏剧化和画中人的悲苦。其艺术可用“无情的真实”来形容。作品《死去的圣母》因把圣母画得太粗俗而被教堂拒收。卡拉瓦乔侧重明暗鲜明对照的画风，对后来的美术创作产生了巨大的影响。

巴罗克艺术中影响最大的人物是意大利的贝尼尼（1598—1680年）。他集建筑家、雕塑家、画家于一身，打破了建筑、雕刻、绘画之间的界限，使三者相互渗透、融合，造成一种建筑、雕刻、绘画的混合物，这种“非驴非马”的艺术被古典传统艺术家讥为“巴罗克”（奇形怪状），巴罗克艺术因此而得名。

由贝尼尼增建的罗马圣彼得大教堂是巴罗克艺术风格的杰作。他注重装饰，强调运动感，大量运用波浪起伏的曲线，椭圆形列柱长廊、螺旋形圆柱和摇摇欲坠的雕塑，使这一宏伟建筑富丽堂皇，让人感觉整个建筑都在旋转，往上升腾，令人眼花缭乱，诱发人们的奇思遐想。现存其他著名的巴罗克建筑还有：法国的凡尔赛官、英国的圣保罗大教堂、俄罗斯的普希金村等。

巴罗克艺术在绘画方面的代表人物是被誉为欧洲画坛“无冕之王”的佛兰德斯人鲁本斯（1577—1640年）。他不但具有非凡的绘画才能，而且精通七国语言，善于办外交，曾担任过大使，自称为“业余大使”。鲁本斯是位多产的画家，他的作品色彩对比强烈，富丽堂皇，人物热情饱满，健壮有力，善于通过动感较强的结构来表达激动的场面。著名作品有《抢夺里西普的女儿》、《苏珊·芙尔曼》等。

《抢夺里西普的女儿》整个画都在动乱中，作品中两匹马、两男两女都交织在一起、马头马脚、人手人足像爆开的花朵一样向四面射出去，给人一种情绪激动的感染力。人物肖像画《苏珊·芙尔曼》中的芙尔曼体态丰满，大眼传神，洋溢着勃勃生机，同时借助飘动的发丝、帽子上装饰的羽毛和衣服的褶纹营造出巴罗克艺术特有的动势。

17世纪以伦勃朗（1606—1669年）为代表的荷兰画派独具风格。荷兰是西方第一个资产阶级共和国，在这里有较多的思想和创作自由，这使得荷兰画派具有较强的民主性和现实性。画家们多以民间生活为主题，以普通人的趣味为基准创作。欧洲的风景画、静物画。风俗画大致都从荷兰画派开始。其代表人物除伦勃朗之外，还有哈尔斯、弗美尔。

伦勃朗绘画的特点是善于使用光线的明暗对比突出主题，描绘人物内心世界，使整个造型具有厚实感。其肖像画代表作有《夜巡》、《杜耳普教授的解剖学课》。《自画像》等等。

佛兰斯·哈尔斯（1580—1666年）是一位肖像画家。他摆脱了前人的传统主题和形式，以中下层市民作为画面的主角。卖鱼妇、就餐的士兵、小酒店里微醉的人，这些不同于以往以气宇轩昂、容貌俊美形象出现的画中人，在他笔下却得到永恒的生命。简·弗美尔（1632—1675年）是一位风俗画家，其绘画题材非常窄小，都是一些日常琐碎的场面。但是，平凡当中见神奇，画家通过绝妙的色彩搭配对比，使得整个画面非常恬静和谐，尤其表现出画中人那种沉思的内心世界，这在艺术史上是较为突出的。其代表作有《读信的女人》、《厨妇》等。

进入18世纪以后，注重内部装饰的洛可可艺术开始取代强调外在美的巴罗克风格。洛可可一词源于法语，含有“贝壳形’。“七歪八扭”之意，最早用来形容17世纪末法国建筑装饰风格，18世纪法国贵族在追求享乐的欲望下把它推向极端。其特点是小巧玲拢，精美雅致，具有纤细、轻巧、华丽和繁琐的装饰性，喜用C形、S形或漩涡形的曲线以及轻淡柔和的色彩。这种艺术风格为路易十五所推崇，也叫“路易十五风格”，流行于欧洲各国，成为风靡一时的艺术风格。

洛可可艺术在建筑、绘画、工艺上的成就最为显著。法国画家华托（1684—1721年）擅长描绘贵族的宴饮游乐、谈情说爱、歌舞弹唱，被认为是洛可可风格的奠基人。华托的作品格调较为高雅。这一时期，最能体现洛可可艺术风格的建筑之一是法国巴黎苏俾士府邸的沙龙，由建筑师波伏朗设计。他着重室内的装饰，整个房间仿佛是想象出来的而不是建造出来的。

当时最受推崇的洛可可画家是布歇（1703—1770年），他是路易十五宫廷首席画家，有“巴黎之光荣”的头衔。他的作品主题浮华、色彩柔美精细、技法圆熟，他以希腊、罗马神话为题材画了许多裸身谈情说爱的画，以迎合王公贵族们享乐的需要。

在洛可可艺术风行欧洲的同时，遭到了启蒙思想家尤其是狄德罗的尖锐批判。在启蒙思想运动影响下，一批具有民主意识和现实主义倾向的艺术家相继出现。夏尔丹（1699—1779年）就是其中突出的代表。他笔下的人物朴素，画面构思的情节逼真，其代表作《午餐的祈祷》描绘了一个准备午餐的母亲，正关切地看孩子们作祈祷，反映了市民阶层日常生活。

19世纪的欧洲美术18世纪末到19世纪，欧洲政治形势多变，革命斗争风起云涌，各种艺术思潮此起彼伏。新古典主义、浪漫主义、现实主义相继出现，印象派迅速流行。从法国兴起的新古典艺术流派表面上是在恢复和保存古代希腊、罗马精神，实际上却是在追求一种理想主义。虽然他们的作品以古典的题材为主，但作品反映出的精神却极具时代感。路易·大卫（174—1845年）是新古典主义画家的主要代表。他同情并参与法国革命，用古典艺术手法表现革命的主题，取得积极成果。他的《荷拉斯兄弟之誓》是法国大革命前夕鼓吹英雄主义的名作。《网球厅宣誓》、《马拉之死》等是直接反映当时重大历史事件的杰作。

《荷拉斯兄弟之誓》描绘荷拉斯三兄弟为保卫罗马甘愿献出生命的宣誓场面。画家明显是在颂扬爱国主义，展示一种与时代同步的革命精神。画面风格简洁持重，但却表达了大家必须联合起来反对暴政的简单明了的革命思想。《马拉之死》笔法凝重，形象悲壮，具有古典主义所追求的“静穆和单纯的美”。这幅画上半部分是空间，下半部表现马拉被刺的情景，死者面部表情崇高、庄严。

大卫之后最具影响力的古典主义画家是安格尔。他擅长肖像画，画法工致，注意形式完美，重视线条的清晰和严整。代表作是《泉》。

以反对古典主义的姿态出现的浪漫主义，其艺术特点是注意个性的表现，强调夸张和虚幻，情绪热烈而奔放。它的代表人物有西班牙的哥雅（1746—1828年）和法国的德拉克洛瓦（1798—1863年）。哥雅的《枪杀马德里市民》和德拉克洛瓦的《自由引导人民》是人们公认的浪漫主义的好作品。

《枪杀》是描写西班牙义勇军反抗拿破仑而被枪杀的场面。整个画面充满着枪杀瞬间的残忍、恐怖的感情。《裸体的玛哈》、《着衣的玛哈》及铜版画《狂想曲》也是哥雅的代表作。这些作品不仅对浪漫主义，而且对以后的现实主义也起到了启发和滋养作用。

法国的浪漫派绘画以青年画家席里柯（1791—1824年）的名作《梅杜萨之筏》为先导。这幅作品取材于1818年震惊法国“梅杜萨号”远洋舰遇难事件。在这幅名画中，随波涌起的木筏是斜的，斜面上突起两个对抗的三角形——前倾的人群和后仰的帆桅，两股力量的矛盾造成了一股紧张感。在这里，人们看不到古典派的文雅、平静、秀美，它所表现出来的是骚动、激情、挣扎和生死的搏斗。

继席里柯之后，德拉克洛瓦把浪漫主义绘画艺术推向高峰，他思想倾向民主自由，艺术修养较高，有“浪漫主义狮子”之称。《自由引导人民》取材于法国人民1830年为推翻波旁王朝进行的“七月革命”。画面突出了高举三色旗，象征法国资产阶级革命和政体的自由女神形象。手法上，德拉克洛瓦吸收了“巴罗克”艺术善于表现动荡场面的构图经验，借鉴了哥雅《枪杀》中的明暗对比效果，以及席里柯《梅杜萨之筏》里突现阴影的造型手法，使画面具有激荡人心的力量。整个画面只有七八个人物，但由于相互掩映，有虚有实，因而产生了遍地烽烟的宏大气魄。

19世纪中期，现实主义绘画兴起，著名画家有法国的米勒、柯罗、库尔贝，以及俄国的列宾等。米勒（1814—1875年）被称为伟大的农民画家，他生于农民家庭，在成为一名画家后还过着农民生活，从事劳动。代表作《拾穗者》、《播种者》、《樵夫》等，描绘了劳苦大众同贫穷和大自然的严酷斗争。列宾的《伏尔加河纤夫》等，表现了俄国人民的苦难生活和对美好生活的渴望。

柯罗（1796—1875年）和巴比松派画家是现实主义风景画的代表，19世纪三十到五十年代，一批具有创新精神的画家，以巴黎南郊枫丹白露森林区附近的巴比松村作为创作基地，从事农村风景画和农村风俗画的创作，从而使法国风景画进入了一个空前繁荣的时期。这批画家被称为巴比松画派，柯罗是其突出的代表。柯罗的风景画和人物画不仅具有现实主义本质，而且富有浪漫主义色彩，被称为画坛的“抒情诗人”。《春天树下的小道》、《孟特芳丹的回忆》等是其代表作。

居斯塔夫·库尔贝（1819—1877年）也是19世纪法国一位伟大的现实主义画家。他的代表作《奥南的葬礼》、《石工》、《画室》等真实地表现了劳动人民生活的情景，具有深刻的社会意义。

印象派的出现始于19世纪六十年代的法国，随即影响到整个欧洲。由于受到当时自然科学成就的启发，印象派美术在以现实为基本题材的基础上，尤为注重光和色的创新。根据当时物理学的实验，印象派主张以太阳光谱所呈显的赤、橙、黄、绿。青、蓝、紫七色作为原色，表现自然界的瞬间印象。他们用一笔笔色块组成画面，表现自然中的“外光”，企图在画面中造成一种“光”和“色”的生动的跳跃感觉。印象派一般可分为前后两个时期。前期以马奈和莫奈为代表，后期以塞尚为代表。

爱德华·马奈（1832—1883年）被认为是前期印象派的先驱。他率先在绘画的表现手法上进行了大胆革新，使自己的作品达到了一种色彩明快、运笔流畅和新颖生动的效果。其代表作是《草地上的午餐》。

克洛德·莫奈（1840——1926年）的代表作是《日出·印象》。这幅画画的是美丽的日出：辉煌的太阳冲破重雾，在空中升起，河面上波光闪烁，对岸有一排模糊的房屋。有位评论家根据此画嘲讽他们为“印象派”，“印象派”因此得名。

保尔·塞尚（1839—1906年）是后期印象派中的杰出代表。除了光以外，他更注意表现物体的重量感、体积感、稳定感和宏伟感。用色块表现物体的主体和深度。由于塞尚在艺术语言方面的创新，后人称他为“现代艺术之父”。在后期印象派中，还有两位在世界美术史上占有一席之地的著名画家：荷兰的凡·高和法国的高更。

古典主义音乐西方近代音乐产生于16、17世纪之交的意大利。18世纪时，音乐中心转移到奥地利，维也纳成为欧洲的音乐城，出现了许多世界著名的古典主义音乐大师。

17世纪时，在音乐领域先后形成了威尼斯乐派和那波利乐派。威尼斯乐派率先尝试器乐合奏，首次使用了“奏鸣曲”、“交响乐”等概念。那波利乐派则以生气勃勃的抒情歌剧影响了整个欧洲。在法国，有“歌剧之父”之称的吕里（1633—1687年）将意大利情趣和法国古典悲剧相结合，创造了法国歌剧的特色。在德国，作曲家巴赫（1685—1750年）将他对宗教的信仰和对音乐的热爱融为一体，使宗教音乐达到完善的境地，巴赫也因此被誉为“德国音乐之父”。

18世纪后期形成了维也纳古典乐派。其奠基人和主要代表是海顿（1732—1810年）和莫扎特（1756—1791年）。

海顿被称为“交响乐之父”，他一生创作了大量作品，为古典交响乐风格的形成奠定了基础。莫扎特是一个天才的音乐家，在他短暂的一生中，共创作了600多部作品。他的音乐作品突出表现了对专制主义的控诉与反抗，表达了极为深刻与宽广的音乐语言和思想感情。

继海顿和莫扎特之后，德国的贝多芬（1770—1827年）集古典主义音乐之大成，成为世界上最伟大的音乐家。他一生共创作了九部交响曲，大量的钢琴曲和弦乐曲。贝多芬不仅代表了古典主义音乐的最高成就，同时也开创了浪漫主义音乐的先河，对西方音乐文化的发展产生了巨大影响。

贝多芬的《第五交响曲》，又称《命运交响曲》，以特有的气势表现了人类与厄运的抗争，生动体现了人类对命运的不屈精神和最后的胜利。他的《第九交响曲》，多方面运用高难度和精湛的音乐技巧，抒发了人民对未来的憧憬，在最后乐章中以席勒《欢乐颂》的歌词合唱为结尾，打破了交响乐的传统，以增加人声来丰富管弦乐的表现色彩。

浪漫主义音乐19世纪初，浪漫主义音乐兴起。浪漫主义音乐注重表现个人情感、幻想和主观感受，着力挖掘音乐的多种表现性能，突出音乐的抒情性，从体裁形式到具体表现手段都进行了许多创新，产生了一大批杰出的音乐家。

德国的威柏（1776—1826年）和奥地利的舒伯特（1797—1828年）是与贝多芬同时代的浪漫主义音乐家。

威柏于1812年创作的歌剧《自由射手》被称为“第一部浪漫主义歌剧，标志着德国民族歌剧的诞生”。舒伯特是一位伟大的歌曲作家，共创作了600多首歌曲，其音乐风格既有古典的清新、纯朴，又有浪漫的和声处理和自我表现，感情炽热，想象丰富，使歌曲达到了比较完美的境界。因此舒伯特有“歌曲之王”之称。

19世纪三十年代，浪漫主义音乐思潮进入一个新阶段，德国音乐家门德尔松（1809—1847年）和舒曼（1810—1856年）是主要代表。

门德尔松最杰出的作品是《仲夏夜之梦》。这是为莎士比亚同名喜剧的配乐，它通过浪漫主义的诗意幻想，把听众带到莎剧中梦幻、戏谑的气氛之中。舒曼是舒伯特浪漫主义音乐最杰出的继承者，其主要作品有《狂欢节》、《蝴蝶》等。

19世纪中期，浪漫主义音乐达到鼎盛阶段，在欧洲各国涌现出一大批优秀的音乐家，著名的有波兰的肖邦、匈牙利的李斯特、法国的柏辽兹、德国的瓦格纳和勃拉姆斯等。

肖邦（1810—1849年）被称为“钢琴诗人”，一生专事钢琴创作。李斯特曾以钢琴演奏闻名于世，代表作有《匈牙利狂想曲》等。

将19世纪音乐的浪漫主义精神表达得最充分的是歌剧。歌剧的创作和活动中心在意大利，以罗西尼和威尔第为代表。

罗西尼的作品旋律优美，技艺精巧，成为美声唱法的创造者。威尔第把意大利的浪漫主义歌剧创作推上了顶峰，他先后创作了27部歌剧，《茶花女》《奥赛罗》等都是他的不朽之作。法国比才的歌剧创作成就也很高，他最出色的作品是《卡门》。

19世纪下半期，轻音乐首先在奥地利音乐生活中兴起，其主要代表人物是以创作“维也纳圆舞曲”著称的约翰·施特劳斯一家。

维也纳圆舞曲的奠基人是老约翰。施特劳斯（180—1849年），而成就最高的当属小约翰·施特劳斯（1825—1899年）。小施特劳斯的圆舞曲节奏鲜明有弹性，旋律悠扬流畅，显得轻快华丽而富有生活气息。他一生共创作了400多部作品，代表作有《蓝色的多瑙河》、《春之声》、《维也纳森林的故事》、《美丽的五月》等圆舞曲。小施特劳斯被誉为“圆舞曲之王”。

19世纪中后期，随着东欧各国民族民主意识的觉醒，进步的文学艺术家产生了摆脱外国文化统治，创建本国民族文化的强烈要求。其中许多音乐家致力于民族音乐的复兴，形成了民族乐派。民族乐派音乐创作成就最高的是俄国。柴可夫斯基（1840—1893年）则是俄国民族乐派最杰出的作曲家。

柴可夫斯基代表作品有《罗米欧与朱丽叶》幻想序曲，舞剧《天鹅湖》、《睡美人》，歌剧《黑桃皇后》等。这些作品所塑造的鲜明、深刻而生动的旋律形象，具有无与伦比的感染力，成为俄罗斯和世界音乐文化的瑰宝。柴可夫斯基被誉为“旋律大师”。民族乐派著名的音乐家还有捷克的什克劳普、斯美塔那和德沃夏克，匈牙利的艾凯支，波兰的泽林斯基等。