1. 怎样理解音乐是再创造的艺术 急！！！！
音乐通常是由复作者本人首先创作出来的制，但同时也是被作者以及作者以外的其他人所演奏的，尤其是那些不灭的名曲，演奏的大部分都是后人。
“初学者”就是简单地从技巧等方面尽量模仿和切合作品。
严肃的“演奏者”通常首先遵循作者的一切，严格按照作者的规定还原作品。
能够将作者的神韵读懂读通，理解作者的创作意图、心境、情感表达，并将其淋漓尽致表现出来的，叫“演奏家”。
不单读懂作者的一切，而且将作品用自己的理解来诠释演绎，用的还是那个谱子那些音符，却完全在表现演奏者自己的情感意图，就像在演奏全新的作品一样，那叫“演奏大师”。
至少演奏家、演奏大师干的，就是艺术的再创作。
2. 如何对歌曲进行艺术表现
音乐教学在幼儿园教育中是不可缺少的重要组成部分。它陶冶幼儿的思想情操，提高幼儿的情趣，使幼儿树立美妙的理想，在幼儿园五大领域中有着不可代替的特殊作用，是实施美育教育的重要途径。
一、要激发幼儿学习音乐的兴趣，培养感受音乐能力
在教学过程中只有让幼儿对音乐产生情感，对教师产生好感，才能使幼儿在音乐活动中获得丰富的情感体验，创造一个平等、互爱、轻松、愉快直至教师与孩子间相互需要得到满足的和谐气氛，达到开发情商的作用。
二、在感受、理解音乐的同时，培养幼儿的表现力
在音乐活动中注意培养幼儿自信的演唱、演奏能力及综合性艺术表演能力，发展幼儿的表演潜能，使他们能用音乐的形式表达个人的情感并与他人沟通、融洽感情，在音乐实践中使幼儿享受到美的愉悦，感受到情感的陶冶。
三、发展幼儿丰富的想象与联想能力，培养幼儿的创造力
用自己的心去感受、理解各种音乐所表达的形象、意义，最终用自己认为最适合的动作和声音表达出内心的感受，同时进行即兴创造和创作实践活动（音乐律动，舞蹈），创造出属于孩子们自己新的音乐过程.
关键词 音乐教学；感受；表现；创造
“音乐是人类文化绝不可少的部分，对于一个缺少了音乐的人来讲，他的文化是不完善的。没有音乐的人是不完全的人”。这就清楚地表明，在任何教育活动中一定要包括有音乐教育”。音乐活动在幼儿园五大领域中是不可缺少的重要组成部分。它陶冶学生的思想情操，提高学生的审美情趣，使人树立崇高的审美理想，在幼儿园教育中起着其他领域不可代替的特殊作用，是实施美育教育的重要途径。
拿音乐艺术来说，它以婉转悠扬的旋律、变幻无穷的节奏、丰富多采的音色、醇厚明亮的和声、巧妙精致的结构织体，严密完美的交织在一起，以它特有的方式撼动人们的心灵，对幼儿内心世界产生直接的感应作用。从而培养幼儿的审美意识，让他们树立正确的审美观，懂得创造美、表现美、欣赏美的重要意义，并积极主动的参与实践、创造美，进而提高幼儿的综合素质。下面是我在音乐教学中的几点体会。
一、要激发幼儿学习音乐的兴趣，培养感受音乐能力
音乐是情感的艺术，在教学过程中只有让幼儿对音乐产生情感，对教师产生好感，才能使幼儿在音乐活动中获得丰富的情感体验，如果教师只是对歌曲内容的情感投入，而缺少对幼儿的热爱之情，同样是不会取得良好的效果的。教师与幼儿音乐活动接触的机会很少，一周内可能只有2-3次音乐活动时间。怎样充分利用音乐教学活动这个客体达到情感交流呢？所以我充分利用更多时间让孩子多听，为幼儿创造尽可能多的音乐空间。例如：在午睡前放音乐，在过渡环节的时候放些音乐，使幼儿的心灵与音乐沟通。平时和孩子们多接触、聊天使得孩子把我当做身边的朋友，没有距离感 从而对老师产生亲近感，创造一个平等、互爱、轻松、愉快直至教师与幼儿间相互需要得到满足的和谐气氛，才能使幼儿喜欢老师更喜欢音乐，喜欢上我的音乐活动最后达到开发情商的作用。
（一）对于小班孩子来说
小班的孩子年龄特点就是活泼好动，兴趣广泛，好奇心强，对简单具体的事物易于接受，易被生动有趣的故事情节和色彩鲜艳的活动的教具所吸引，以机械记忆为主，思维主要是根据直观形象的外在属性进行概括，注意力集中的时间短。所以在音乐教学中我注重创设情境，充分利用幼儿的无意注意和有意注意，让他们在游戏与娱乐中感受音乐。
如歌曲《小雨沙沙》我给孩子们自制打击乐。幼儿拿空矿泉水瓶，里面装上沙子、豆子、大米等东西，只要一摇动，就会发出不同的声音。我先请装了黄豆的幼儿演示一下，孩子们都说这是大雨'哗啦啦'的声音，我又让装小米的孩子也来演示一下，孩子们说这回才是'小雨沙沙'的声音……然后分别带着情绪演唱歌词，幼儿的学习兴趣非常浓厚。
又如我在音乐活动的歌曲《小宝宝睡着了》这一课时，为了激发幼儿学习音乐的兴趣，创设歌曲的意境，让幼儿体会到夜晚的安静，许多动物都进入了梦乡，小宝宝也要在悠荡的摇蓝里，听着妈妈甜美的歌声渐渐入睡的情景。先拉上教室的窗帘，使教室的光线相对变暗，营造夜晚的氛围，放《摇篮曲》音乐，然后柔声地说：'夜深了，天上的星星、月亮都困得闭上了眼睛；地上的鸟儿、虫儿累了嗓子，也停止了歌唱。我们的小宝宝也一定想好好地休息了。而我扮演爸爸角色，一边关爱地看着孩子们，走到孩子们跟前轻轻抚摸他们的头，一边在多媒体上出示星星、月亮、鸟儿、虫儿……都闭上眼睛安静睡觉的画，然后深情地对大家说：孩子们，请闭上你们的眼睛，让美妙的歌声伴随你快快进入甜美的梦乡。由于老师角色的变换，话语中时时透露出真挚的情感，给幼儿以温馨与关怀，孩子们渐渐进入情境，这时，老师弹起了歌曲《小宝宝睡着了》的旋律，并轻轻哼唱歌曲，在舒缓、柔和的意境中，随着老师深情的演唱，孩子们情不自禁地当起了听话的小宝宝。一起随着琴声轻声唱起了歌曲。通过教师对音乐的理解，幼儿在音乐和教师创设的意境中，使孩子的情感世界受到感染和熏陶，在潜移默化中懂得了人间的真爱。
（二）对于中班幼儿来说
中班幼儿是从小班末期进入中班的阶段，在音乐教学方法的运用上，既不可完全沿用小班的那种情景带入方法，也不可全盘舍弃在小班中运用的一些教学方法。要根据中班幼儿的年龄特点，围绕着学生的兴趣，选择有利于调动他们的积极性并能强化其参与意识的教学方法。
如在《春天多美好》音乐活动的教学中，我挖掘教歌词中描绘大自然美丽风光的内涵。为幼儿创设了感受这首歌曲所表达的意境和环境：用一些图画挂片展示，布满了鲜花绿草。利用电教媒体，投影出森林画面。墙壁上张贴布置一些深浅不一的绿色彩条，使教室的光线适度，柔和。当让幼儿聆听音乐的时候，同时播放大自然风光的录像片断：巍峨的群山、壮观的瀑布、静静的山谷、缓缓的小溪、山间的野花、林中的小兔子……这首歌曲的形象有静、有动，随之动感不断加强，高潮后力度渐弱到最弱。在这音与像完美结合的教学氛围中，孩子们的情感为之感动，感受着美丽的春天是如此的美妙。加上老师形象生动的教学语言，配以流畅而富于表现的钢琴伴奏等。使他们准确地捕捉到歌曲的艺术形象，并把自己听觉和视觉的感受，融汇到那有控制的、柔美和谐的发音中，那起伏的歌声，描绘出春天美丽的风景，在孩子的演唱中也表现出幼儿对春天来了的美好感情。同时培养了幼儿的综合审美素质。
（三）对于大班孩子来说
到了大班，由于年龄增长和身体发育，幼儿在心理上有了较大的变化。就认识过程而言，有意注意逐渐上升到主导方面，他们从语言和认知上都有了逐步的发展。理解记忆能力越来越强，思维方式由以具体思维为主的形式逐渐向以抽象逻辑思维为主的形式过渡。情感和意志方面也都有所发展。在这一时期的音乐教学中，教师要注意幼儿的情绪，可适当讲一些能够引起幼儿兴趣的故事，如带有情节的音乐《好孩子要诚实》《有礼貌》等。还可多安排一些器乐教学和欣赏教学以及能够调动幼儿内心活动的音乐活动，激发幼儿感受音乐的兴趣，调动他们的参与意识和创作欲望等。
在上大班音乐活动时，每次活动的导入语言是我精心设计的，经常是用一些鼓励的语言、如：“今天你们听音乐进教室的时候，脚下的节奏非常棒，比如刚才听到狐狸的来了的时候你们就能用轻轻的脚步学着狐狸的样子进入”，使幼儿听到老师对他们的夸奖后，认识到刚才我做的是正确的，下回我还要用这样的脚步来模仿狐狸，我认为这样的鼓励对孩子热爱音乐喜欢上音乐有很大的帮助。
二、在感受音乐的同时，培养幼儿的表现力
表现是实践性很强的音乐学习领域，是学习音乐的基础性内容，是培养幼儿音乐表现能力和审美能力的重要途径。在音乐活动中注意培养学生自信的演唱、演奏能力及综合性艺术表演能力，激发幼儿的表演潜能，使幼儿能用音乐的形式表达个人的情感并与他人沟通、融洽感情，在音乐实践中使幼儿享受到美的愉悦，受到情感的陶冶。
（一）唱歌最大的目的是给人以美的享受和感染。
我们不能只满足于教孩子唱会一首歌，如何把一首歌（曲）正确而完美地唱出来，重要的是要启发幼儿准确地表达出歌曲的感情和艺术形象，进入歌曲的意境，用自己的真情去演唱和体味，而且并不是大声唱完歌曲。如正确的呼吸、准确的咬字吐字、准确的音高和节奏、恰到好处的力度、自然而美好的声音、真切的感情等等，只有这样，孩子才能进入表现音乐的最佳状态，唱出的歌声真挚动听，从而具有强烈的感染力和生命力。
要做到这一点，首先要使幼儿充分理解歌曲的内容。对于小班中班幼儿来说，如果教师仅用抽象的语言去引导幼儿理解歌曲是远远不够的，结合他们生活中熟悉的事物和词语，作形象的比喻和讲解，把歌曲蕴涵的丰富情感和艺术美挖掘出来，激发幼儿对理解歌词的兴趣，引导他们将自己投入到唱歌中去，正确地、创造性地表达出歌曲的情感和艺术美。
如我在音乐活动《火车开啦》时，因为歌曲的节奏性不叫分明，一会快一会慢，按节奏读了两遍歌词，他们就会唱了。但由于幼儿想象不到歌中小朋友乘坐火车时的激动心情，部分学生唱起来很不好听，面无表情。对此，我便启发幼儿：“你们谁见过、坐过火车，能说一下自己坐火车时的心情吗？”这一问，孩子们可来情绪了，纷纷举手回答。接着我又问：“假如你就是歌曲中的小朋友，现在就要坐火车去到你非常向往的地方去。当火车‘咔嚓、咔嚓’启动的时候，你的心情怎么样？”这下，气氛异常活跃，孩子们争着举手回答，他们说着，笑着，沉浸在美好想象的欢乐之中。我又说：“现在咱们就开着火车去‘旅游’，你们想到哪儿去呢？”孩子们高兴地喊起来：“青岛”、“上海”、“广州”。“好！咱们现在就出发吧！老师来当播音员。”于是我当起了列车播音员，音乐一起，孩子们便高兴地唱起来，好象自己真的坐上了火车，他们有的高兴地摇晃着小脑袋，甜甜地笑着；有的兴奋地交流着感情，那眼睛活象是在说话；有的合着音乐节奏愉快地拍着手；还有的竟情不自禁地跳起舞来。歌声中充满了真挚的情感，歌声中浸染着美的色彩。
（二）乐器教学最大的价值在于增强了音乐活动对幼儿的吸引力，促进幼儿对音乐的感受、理解、表现和创造能力的发展。
音乐活动加入了乐器演奏后，幼儿能较好的获得节奏感、音高感、和声感等音乐能力，从而更深刻、准确地感受和表现音乐。
当某件乐器第一次作为教学工具摆放在幼儿面前时，他们对这个新玩意儿定会充满好奇，总按捺不住地想玩弄乐器以发出声音，为了不让活动出现混乱，我会先要告诉幼儿怎么正确的拿放乐器，怎么样让乐器发出好听的声音达到正确演奏，老师说什么，孩子做什么，给幼儿画一个框。虽然活动是井井有序，可是幼儿的学习是被动的，削弱了他们的学习积极性。想到这里我又利用平时户外活动剩余的时间带领幼儿去音乐大教室感受乐器，在这里也让他们'乱一乱'，让幼儿自己去发现，以保护幼儿对新玩意儿产生的好奇。
正如著名的音乐教育家铃木镇一先生说：“学习必须在快乐的心情下反复做下去，学生只要是自己愿意去做的，就会快乐的去做。只要他们能做的很好，就称赞他们，这样孩子就会有强烈的意念去做的更好”。
（三）律动教学的目的在于通过律动培养与发展幼儿对音乐的感受力和表现能力，而不在于律动的动作本身，它是一种让幼儿全身心投入到音乐之中的审美体验活动。
瑞士音乐教育家达尔克罗兹认为：在音乐上，凡声音的强弱、速度的快慢、节奏的长短、声音的高低等各种变化的动感，均可以身体的动作予以表现，特别是节奏。凡有节奏，就有律动；凡律动均有节奏。个体对音乐的身体反应是直觉的、自然的、即兴的。
教律动时，以往总是“教师编，孩子学”这种机械式模仿，束缚了幼儿的手脚和大脑。我在音乐活动中打破这个常规，让幼儿自己听音乐、自己去感受、自己去理解、自己去想象，把听到的音乐用自己的手、脚做动作去自行发挥、自我表现。在音乐活动中，我总是鼓励孩子们根据自己对音乐的理解大胆地去表现自我，这既有利于自信心的树立，也利于良好个性的培养。每次的音乐活动最后我都会让全班孩子起立自己找一个空地，尽情的跳舞，全班几十个人编了几十个小舞蹈，尽管有的大同小异，有的动作也欠优美，但我还是表扬和鼓励了大家，因为这毕竟是他们的心血，他们自己的“作品”。
（四）音乐基础知识的教学并不是枯燥无味，利用卡通故事情境导入让孩子们更加感兴趣，学得更快。
我认为音乐基础知识的教学并不是纯知识点的讲译，在教学中还应特别注重讲练结合、学用一致，帮助幼儿把知识转化为技能，逐步具有识谱的能力，并把识谱能力贯穿到整个音乐教学中。因为幼儿园的音乐教学不想小学中学那样,教师讲一点，练一点，在音乐知识上我吧每一次的小知识变成一个小故事，把音符变成一个个生动的小人物，这样在孩子的理解中学到了知识，也增加了他们的兴趣，
三、激发幼儿丰富的想象与联想能力，培养幼儿的创造力
我认为创造力培养的过程就是让幼儿在音乐活动中自由自在，心情愉快，精神放松地用自己的耳朵对各种少年声音的性质等进行判断，然后用自己的心去感受、理解各种音乐所表达的形象、意义、最终用自己认为最适合的声音表达出内心的感受，同时进行即兴创造和创作实践活动，创造出属于孩子们自己的新的音乐过程。
（一）在教学中培养幼儿良好的节奏感
我在音乐活动中为了培养幼儿良好的节奏感，正确的表现节奏特点和与他人合作的意识，在活动区和孩子们一起自制了打击乐器，如：可乐瓶装米做的沙锤；自行车铃铛盖串起来做的撞钟；铁丝将酒瓶盖儿串在一起当串铃；用两个易拉罐压扁对击做小镲，用小棍敲纸盒当小鼓等等。在音乐活动中幼儿拿着自己制作的乐器，配上钢琴的伴奏，一边演唱一边为歌曲打节奏，我能看出他们的内心充满了愉悦。
（二）联想与即兴的应用
在音乐活动中有一部分为世界名曲的欣赏，在反复欣赏的过程中，我带领孩子们们展开丰富的联想进行即兴创编故事和故事接龙。比如在维瓦尔第四季的《春》的音乐活动中，先告诉孩子们什么时候是农民叔叔下地在干活，什么时候暴风雨快来了，就这样，幼儿自愿结组根据音乐的发展进行即兴创编故事，虽然他们的故事情节不一，有的甚至很离奇，但从故事的整体发展可看出孩子们床边的故事情节，捕捉到了音乐曲式结构的变化，并体验了音乐的美妙。
（三）创造性的音乐表现
对于大班孩子来说不光是学好一个歌曲，更重要的是结合大班孩子的年龄特点，培养他们合作意识以及创编故事的要求。我记得有一次上音乐活动表演《狮王进行曲》活动时，音乐中明显的威武鲜明的音乐特点，展现了狮子大王自信的心理和小动物们见到狮子都是又怕有敬的样子，我让幼儿反复来听这一段音乐，然后在这这段音乐中让幼儿插上想象的翅膀，让他们大胆地去表现音乐、描绘音乐。有的孩子这时就说：狮子来了，狐狸和老虎都躲到了大树底下；有的孩子用词语来表达说：狮子真是威武；还有的孩子说，狮子眼睛瞪得大大的，他的眼神告诉别的小动物，我是森林之王，我知道孩子此时已产生了身临其境的感受，充分进入在音乐的情景中。音乐使他们置身在大森林中，仿佛看小动物们都在看着森林里发生的一切。
又如在在音乐活动《这事什么》中，有一个附点节奏。内容是：他会告诉我们，什么时候睡，什么时候起。
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她会 告诉我 们 什么时候起
孩子们一开始摸不着头绪,唱出这个附点节奏,这时需要老师的提示,我说我们大家把这句话一起一边拍手一边读一读吧?孩子们大声模仿我说的节奏:她\会\告诉我们，她\会\告诉我们，什\么\时候起\什\么\时候睡。就这样说了几遍节奏后，孩子们很容易就掌握了附点节奏的知识要点。
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以上是我在这工作叫教学实践中的一点感受，通过音乐活动使幼儿从整体上感受音乐，喜欢音乐，在轻松愉快的教学活动中，激发了幼儿对音乐产生浓厚的的兴趣，获得美好的享受，将幼儿的心理活动及情感因素融入音乐中，使其处于音乐美的境界之中，让音乐的美感作用于人的心灵并与之产生共鸣，使他们的精神世界得到净化和升华，我想这就是音乐无穷的魅力吧。
3. 怎样理解音乐是再创造的艺术
音乐艺术既生动、鲜明，又飘渺、抽象；既无需借助诠释、译述而能给人以直接的感受，又往往令人觉得深邃高远、扑朔迷离、难以言状。因而这种具有广泛群众性的艺术，又常常被人说"听不懂"，尤其是一些器乐作品。音乐何以这样感人？它怎样表情达意？繁复的品类样式有哪些分辨的线索？解决这些问题，既需要感性的积累，也需要理性的把握。正是：感受到的东西不一定能够很好地认识；只有认识了的东西才能更好地感受它。
音乐--作曲家精心谱写的作品，经过表演家精心唱、奏而呈现在听众面前，并被听众感受到的音乐，实际上是一个特定的音响过程，一个多种要素结合一道，涵载着一定生活内容、思想感情的，活跃、流动、组织有序的音响过程，它续续扬扬，作用于人们的听觉，引发人们种种相应的生活、情感的体验和联想，使人随之步入艺术审美境地，并从中获得某种精神享受和满足。由这段概述引申开去，我们从四个方面对音乐的主要艺术特征，加以简要剖析。
一、音乐是声音的艺术；作为音乐艺术物质材料的声音，是一个超脱了自然原型的特殊的音响体系
这一点是音乐具有与其它艺术不同的种种特殊性的根源所在，也是音乐诸多艺术特征生成的根源所在。音乐不同于口技，不同于戏剧、影视中的"音响效果"，音乐是一种表现力极强的、独特的艺术品种。这首先由于它赖以存在的物质材料，不是一般意义的声音；是人在漫长的历史实践中，经过反反复复的选择而留取下来的，经过多方面加工组织起来的一些特殊的声音，它们源于自然界和社会生活，但又超脱了"自然客体"的属性。譬如，从高低方面讲：太高太低的、不易清晰听辨和不便准确控制的声音，都被陆续淘汰，留下来在音乐中使用的，大体上就是现在的钢琴上所能奏出的那88个音。这88个音各有自己固定的音高；由低至高依次排列起来，成为"音列"。音列中的音根据振动频率的倍数关系，被划分成若干"组"。每组--即每一个"八度"之中，按高低相等的距离，分设12个半音，其中有7个音被称为"基本音级"（如钢琴上的白键音），另5个音被称为"变化音级"（如钢琴上的黑键音，7个基本音级分别命以固定的名称--C、D、E、F、G、A、B，这就是"音名"。变化音级的名称，按基本音级加注"升""降"来称谓。如"升C"（＃C）、"降D"（b D），"升D"（＃D）、"降E"（bE）等等。
为了歌唱方便，各音还命有"唱名"，这便是："Do、Re、Mi、Fa、Sol、La、Si"。构成"音列"等等还只是音在高低方面的初步组织。音列中各个音间距离相等，每个音都有等同的意义，而这种相互等同、各自孤立的音是不能表达音乐思想、感情的。因此需要进一步组织：以某一个音为稳定音，其它若干音依不同的倾向关系与稳定音联结成一个体系--调式。
调式种类很多，现在广泛使用的调式有：西洋大、小调式；中国汉族五声调式，其它民族调式等。调式体系中的音叫做"调式音级"。
调式音级除了按各自级数称谓--二级音、三级音、四级音、五级音……--之外，还分别命有专用的名称，如大小调式各组音分别称为："主音、上主音、中音、下属音、属音、下中音、导音"。
调式体系中的各个音级之间，已不再仅仅是单纯的音高关系，同时还构成了旋律和音程的关系。在调式音级稳定与不稳定的基础上，进而将旋律、音程在纵向与横向方面相结合，形成多声部--和声、复调……以上是对音在高低方面的一些选择和加工。同时，在长短方面进行加工，组成节奏、节拍体系；在音质、音色等方面进行选择加工，形成"乐种"、"声种"、"声部"、"乐器组"等等不同意义上的各种分体系。经过这诸多方面的选择、加工而构成的"音乐音响"总体系，其声音的优化程度、美化程度、可操作程度；运动中的稳定与不稳定、平衡与不平衡、紧张与舒缓等内在的动力和逻辑、色彩、力度等等--一整套表现性能，不仅具备了，而且完善、强化起来。对它的掌握和运用，愈益能够体现人的自觉的意愿和要求。这样的声音，也只有这样的声音才成为了音乐艺术的物质材料。
二、音乐是时间的艺术；音乐艺术的展现要在一定的过程中完成
音乐艺术特别生动活跃，特别具有"动人也切""入人也深"的感染力量。为什么？古希腊哲学家、美学家亚里士多德就曾这样思考：为什么音乐的表现力比色彩大如许之多？结论是--因为它是时间性的。事物在运动中存在，人在运动中生活，人对事物的感受和认识有一个过程，人的思想感情的深化、发展也在过程中实现，因此，通过声音运动过程来展现的音乐艺术，对反映运动着的事物，表达发展、深化的思想感情，有着特殊的适应性。调转过来，在欣赏过程中音乐的这种"特殊的适应性"，便转化为特殊的感染力。例如：欣赏一幅摄影或绘画作品《晨曦》：广阔的近景、遥远的天际，金黄与绯红的光芒涂抹着朝霞、铺洒向大地。构图简洁、明快，形象活泼、爽丽。从建筑物的轮廓、路面的净洁以及道旁的花草、人物的眉宇之间，都可以看到脉脉生机、欣欣向荣。然而，这晨曦中的大地怎样地在醒来，勃勃生机又怎样地在涌动……要进一步真切地感受这些，则需欣赏者发挥想像力，将自己身置其境，并使画面上的一切活跃起来去体味。可是欣赏音乐作品情况便不同了。譬如听挪威作曲家格里格《培尔·金特》第一组曲（作品第46号）中的第一曲《朝景》：长笛在中高音区奏出一个四小节的乐句，柔和的68节拍，明亮的E大调，清滢流动的旋律线……明彻的音色、委婉的曲调，在木管组长音的衬托之下，显得格外甘美，令人心旷神怡。接着，这一旋律由双簧管降低8度在中音区奏出，衬景长音改由弦乐组担任。随后，这两句音乐上移大三度，在＃G大调上重复。经过在B大调短暂停留过渡，这一旋律又由整个弦乐组在E大调上奏响。曲调引伸，音区扩展，织体绵延，和声、调性的转换等等，这一切融成一体，注入人们的心田。于是，人们感受到的不是一个静止的"朝霞满天"的画面，而是个有变化的过程，"光线"在变，"色彩"在变，"温度"在变，由太阳"吐露微明"到"喷薄欲出"到"冉冉升起"，勃勃生机也由萌动、积蕴到习习涌动……这些感受获得于一个过程，这一过程也正是音乐展现的过程，二者同步。
音乐艺术有一种引人"介入其中"的力量。这是因为音乐的律动和起伏，会自然诱发人体运动机制产生变化、与之相应。一支队伍集合起来出发行进，没有人喊"一二一"，众人的脚步自然走不齐。倘若此时，有一支军乐曲奏响，它节奏鲜明、雄壮有力：过一会儿请看，人们的脚步随着这乐曲的进行，已经整齐划一。人们都有这样的体验：在聆听音乐的过程中，不仅注意力集中于它，而且肌肉、肢体、喉咙、牙关以至循环系统、呼吸系统都会随着它而张弛。身体运动机制的活动、变化，又直接作用于情绪使之兴奋、波动。所以，没有任何一种艺术能够像音乐这样：可以在一个短暂的时间内，使众多的人按照同一意向感奋起来，而且可以达到那样强烈的程度。正因如此，任何一个国家、一个军队，都要搞军乐、军歌、进行曲和其它能够统一步调、鼓舞士气的音乐。近几年，我国社会音乐生活中突出的问题之一便是品类失衡。希望有更多更好的反映人民奋发进取、建设"四化"的内容，明快嘹亮、催人振奋、鼓壮威风的音乐作品和表演。这是群众的呼唤，人民的呼唤，也是时代的呼唤。
三、音乐是表现的艺术；所谓"音乐形象"是形成于头脑中的形象，是感情化、性格化的形象
表现艺术是相对于再现艺术而言的。这两类艺术都反映生活、表达思想感情，不同的是：再现艺术反映生活要模仿、复现客观生活的形态，创造"看得见摸得着"的艺术形象，通过具体的形象来达意抒情。表现艺术则是将来源于客观生活的思想感情，直接地披露出来。音乐是典型的表现艺术。音乐的音响是感情的直接载体。涵载着感情内容的音乐，给人的感受是直接的，或者也可以称为是"直观的"。人们在从音乐音响中直接获得相应感受的同时，会生发种种想象，这想象可能浮现为具体的"画面"、"图景"、"情境"……生动、活跃的想象，反过来可以强化自己的音乐感受，但音乐自身却没有也不可能提供任何实实在在的可视的形象。例如，欣赏伟大的波兰作曲家肖邦的钢琴作品《C小调练习曲》（作品第10号之12）时，你可以听到：八小节强烈、激愤的引子过后，左手奏出急速上下奔腾、持续不断的音流，有如狂风咆哮；右手奏出带有附点节奏、急促有力的旋律，传递着激越奔放的情绪，气势恢弘。随着音乐发展，情绪愈加高涨，一泻千里，强劲的艺术感染力撼动着人们的心弦。如果，聆听这音乐的听众，对作曲家肖邦崇高的爱国主义品格、炽热的民族情感有所了解，又知道这首乐曲写于1831年波兰起义失败之后，那么他的欣赏活动会更加主动积极，进而捕捉到更多的东西，碰击出更多的"火花"。当然，对作品中艺术主人公的英雄性格，痛苦、不安、愤怒、激昂，对其为祖国的悲剧而感发的慷慨的斗争精神，也会有更加深切的感受。然而，不论听众欣赏过程怎样积极，艺术主人公却不因此而真的呈现在舞台上。演奏这一乐曲的钢琴家也不是英雄"角色"的扮演者，他只在演奏，把作者的、作品中的情感，化为自己的情感，直接、倾心地表现给听众。
四、音乐是再创造的艺术；音乐的表现有稳定性的一面，又有演绎性的一面
歌谱、乐谱是记载音乐的符号。把用符号记载的音乐变为实际音响的音乐，需要通过演唱、演奏，这唱、奏表演即被称之为"二度创作"。二度创作可以无数次地进行，而每次唱、奏，无论对于谱面的原作来讲，还是对于前次的表演来说，都不是"复述"或"重播"，而是对作品的一种再创造。再创造是积极的，包含着演奏、演唱者对作品的再理解；对作者艺术表现意图的再领会和技术、艺术上的再处理、再发挥。因此，音乐表演被看作是"对作品的解释"、"对作品的表现"；也因此优秀的演唱、演奏者被称为"表演艺术家"。
艺术贵在独创，二度创作同样贵在有独到的处理。同是贝多芬《D大调小提琴协奏曲》（作品第61号），海菲兹和大卫·奥依斯特拉赫两位世界著名的小提琴家的演奏，在音色、力度和若干细部的处理上，有很大差别，反映着两位演奏家对作品表现的不同，演奏风格的不同。不论是更加酣畅明丽（前者），或是更加浓郁深情（后者），都使人获得很高的艺术享受和满足。因而，人们绝不缘于他们演奏的各有不同而取此舍彼或厚彼薄此，相反人们会把它们视为同样珍贵的两种版本、两种范例。
乐队演奏也是这样，同是德沃夏克的《e小调第九交响曲》（"新世界"，作品第95号）由托斯卡尼尼指挥演奏的，与卡拉扬指挥演奏的，与小泽征尔或李德伦指挥演奏的，各有艺术表现上的明显差异，各有独到的意趣和价值。于是人们可以发现一种现象：美术鉴赏家、收藏家以持有原作、原件为显贵，而不以握有多种临摹品为荣；相反，音乐鉴赏家、收藏家则以藏有诸多名乐队、名指挥、名演奏演唱家的音响品为富有。其原因就在于临摹是复制；而后者，作品虽是一个，但每人、每次的表演都是一种再创造；各有独到之处的（音响）版本，都别有自己的艺术价值。从音乐这一特点的角度来看，广泛流传下来的音乐作品，大都已不是或者根本就不曾是严格意义上的"原件""原版"。
音乐艺术得以在人们不断进行二度创作的过程中，不断有新的智慧、才华、创造性注入其间，因而具有永不凋谢的生机。音乐艺术之所以特别鲜活，也得益于它流传在不断的再创造、再丰富的基础之上、过程之中
以上所述是音乐艺术的四个基本特征。沿此线索，深入进去、体味开来，可以领会到音乐与姊妹艺术之间是怎样相互通联、又怎样相互区别的。音乐所特有的表现手段、技法、规则、方式等等，也无不根植于此
4. 音乐创作的基本特征
1，音乐创作是听觉艺术品的创造活动2，音乐创作是人类最重要的表现活动3，音乐创作活动的结果具有“待实现性”、“开放性”总之音乐创作活动是以音乐音响为载体的审美主体，创造性的表现活动，该活动完成的是一个想象中的音响结构样式及其符号化的标记，他有待于表演者将其实现为具体可感的音响 。
5. 求问如何理解音乐感知、欣赏、表现、创造等能力目标
一、音乐感知能力
感知包括感觉和知觉，感觉是人脑对直接作用于感觉器官的客观事物个别属性的反映，是认识的初级阶段；知觉是在感觉的基础上对事物的综合性、整体性把握，是一种更加积极主动的心理活动。感觉是知觉的基础，知觉是感觉的深入，二者通常是交织在一起，共同发挥作用的。
音乐感知是学生音乐学习的基础。音乐感觉是音乐直接作用于人的感觉器官，在人脑中产生的对音乐及其相关事物的个别属性的反映。例如，学生在初次欣赏音乐时，尽管他们对音乐的音色、旋律、节奏、力度、速度、调式等音乐语言很难一下子有较多的理解与体验，但他们能感受到音乐很动听，音乐给他们带来了愉悦，这种愉悦感受就是学生对音乐及其相关事物个别属性的反映，这种反映被称为音乐感觉。当学生在反映这些音乐及其相关事物个别属性的基础上有了一定音乐经验，能够辨别出这是一首完整而美妙的音乐作品时，这种对整体音乐及相关事物的认识即被称为音乐知觉。音乐感知作为音乐学习心理过程的起点，直接呈现于感官，具有整体形象性、情感表现性的特点。例如，听辨能力即是音乐感知能力的一部分，能够听辨歌唱中不同人声和声部的类别，能够辨别中外常见乐器的音色，能够听辨音乐力度、速度的变化，节奏、节拍的不同，旋律、和声、调式、织体等音乐表现要素的特点等；能区分音乐所表现的不同情绪情感，并能运用音乐表情术语进行描述；能够区别和分辨基本的音乐表演形式与常见的音乐体裁，能够聆听中外音乐史中代表性作品主题后确认曲名等。音乐学习是复杂而多样的，它是听觉、视觉、运动觉的综合运用，不同的音乐信息在大脑中形成的知觉映象是不同的，如听知觉映象、视知觉映象、运动知觉映象等，因此，要尽可能使多种感官进行感知学习。如感知一首乐曲，不仅要看谱，听音乐，而且要能演唱、演奏、能分析、评价，所感知的乐曲就较为完整。
音乐感知能力的形成还同音乐记忆能力有着密切的关系。音乐记忆指以往感知过的音乐现象在当前没有作用于感觉器官的情况下，在脑中再现出来的印象。它是音乐信息的储存，是音乐学习心理过程中承前起后的中间环节。由于音乐有瞬间即逝的流动性，因此，音乐记忆是音乐意向形成的必要条件。音乐学习的记忆活动中，视觉、听觉、运动觉三种表象往往是融合在一起的，它们互相补充，构成三位一体的统一的音乐记忆表象。音乐记忆是一种能力，泛指能记忆所听过的音乐的能力，包括对绝对音高、相对音高的记忆，对节奏、旋律、和声、复调、音色，甚至整部乐曲的记忆能力。因此，分析音乐记忆的过程，找出培养和加强音乐记忆的规律和方法，十分必要。音乐记忆也是反复感知的过程，包括识记、保持、回忆和再认等活动，也就是信息加工理论中的接受、储存、编码和提取等内容。
二、音乐欣赏能力
音乐是听觉艺术，敏锐的听觉体验能力是音乐最基本的能力之一。音乐欣赏是音乐教学的重要内容，是培养学生音乐审美能力的有效途径，从具体的能力要求来说，音乐欣赏能力主要是指个体能够在良好审美心境的基础上，对音乐进行听赏与评析，能够感悟和理解音乐内在的情感，能够体验音乐作品的内涵，能够悟到音乐作品的精神真谛，理解其审美价值和社会价值。从一定意义上说，音乐欣赏能力的高低往往决定着一个人音乐文化的水平。
从心理学的角度来说，音乐欣赏能力与音乐思维和音乐想象密切相关，音乐思维是形象的、情感的、审美的思维，是以审美感知为起点，经联想、想象形成审美意象，从中获得审美愉悦或以外化动作展现内心体验的心理过程；音乐想象是以原有的或现实的音乐意象为媒介，聆听、回忆和创造新的音乐的心理过程。由于中小学生基本上处于形象思维和初步的抽象思维阶段，因此，中小学生的音乐想象主要是音乐再造想象。通过音乐形象性的表现，与生活中的事情产生联想，如听到模拟鸟的鸣叫想象鸟的形象；听到奔马的节奏联想到马的形象等。对以表情性为主的音乐进行创造性的想象，就有一定的困难。因此，中小学音乐教学要以形象性的音乐为主，主要是培养学生再造想象的能力。想象是音乐欣赏的源泉，是音乐情感的升华，想象给音乐学习带来了活力。正如捷普洛夫所说：“人从声音里听到的东西越多，则音乐感越丰富。”
音乐欣赏能力还体现在具有听赏音乐的良好习惯方面，比如具有比较宽阔的音乐视野，能够经常聆听中外民族民间音乐和在中外音乐史上具有代表性的音乐作品，能够对其时代风格、民族风格、地域风格和个人风格进行适当的评析，知道世界主要音乐流派的代表人物。良好的欣赏习惯对于发展学生的音乐审美能力至关重要，有利于学生积极参与音乐体验，引发联想和想象，形成独立感受与见解并勇于表述自己的音乐体验。这些音乐经验的积累过程，也就是学生音乐欣赏能力形成的过程。
三、音乐表现能力
音乐表现能力对于中小学生来说主要是指唱歌、演奏乐器和综合性艺术表演的能力。
唱歌是中小学音乐教学的基本内容，也是学生最易于接受和乐于参与的音乐表现形式，因此，自然流畅、富有音乐表现力的演唱是中小学学生的音乐基本能力之一。它主要包括：具有良好的唱歌习惯，能够用正确的演唱姿势和呼吸方法，自然的声音、准确的节奏和音调，自信地、有感情地演唱歌曲，或参与齐唱、轮唱、合唱，并能对指挥动作做出恰当的反应。能够简单分析歌曲的特点与风格，表现歌曲的音乐情绪与意境。了解变声期嗓音保护的知识，懂得嗓音保护的方法。能够对自己、他人和集体的演唱作简单评价。概括起来，唱歌能力涵盖了唱歌习惯、技能、方法、表演、评价，以及嗓音保护等多方面内容。
乐器演奏也是中小学音乐教学的基本内容之一，同样是学生比较喜欢和乐于学习的音乐表现形式。在中小学音乐新课程教学领域中，明确提出“学习常见的打击乐器，学习竖笛、口琴、口风琴或其他课堂乐器的演奏方法，参与歌曲、乐曲的表现”的教学要求。把这些要求理解成能力的话，那就是：具有良好的演奏习惯，乐于参与各种演奏活动；能够演奏竖笛、口琴、口风琴（其中的一种）或其他课堂乐器，或能够选择某种乐器、运用适当的演奏方法表现乐曲的情绪，参与歌曲、乐曲的表现；能够对自己、他人或集体的演奏作简单评价。
综合性艺术表演能力是音乐表现能力的组成部分，主要指：能够配合歌曲、乐曲用身体做动作；能够与他人合作，进行律动、集体舞、音乐游戏、儿童歌舞表演等活动；能够在有情节的音乐表演活动中（如儿童歌舞剧）担当一个角色；能够结合所学的歌曲、乐曲创设简单的表演情境或做形体动作；能够表演简单的歌剧、音乐剧、京剧或其他戏曲、曲艺片段，并能对自己与他人的表演做出评价。
四、音乐创造能力
音乐创造能力是个相对宏观的概念，这里只是针对中小学音乐新课程进行理解。课标修订稿指出：“创造是发挥学生想象力和思维潜能的音乐学习领域，是学生进行音乐创作实践和发掘创造性思维能力的过程和手段，对于培养创新人才具有十分重要的意义。音乐创造包括两类学习内容：一是以开发学生潜能为目的的即兴音乐编创活动；二是运用音乐材料进行音乐创作尝试与练习。”
从音乐能力的角度来理解，中小学生的音乐创造能力应该包括下列内容：能够运用人声、乐器声及其他声音材料，表现自然界或生活中的声音，表现一定的情境；能够以各种声音材料及不同的音乐表现形式，即兴编创生活短语、诗词短句、音乐故事、音乐游戏并参与表演；能够运用线条、色块、图形、图谱或乐谱记录声音和音乐；能够运用人声、乐器或其他声音材料编创节奏音型；能够利用教师或教材提供的材料和方法，独立地或与他人合作编创节奏、旋律短句或短曲，并能用乐谱记录下来。
如果从音乐新课程“鼓励音乐创造”理念上进一步思考，那么对创造能力的理解，就不应仅仅局限在“创作”方面，而是将创造力的培养贯穿于各个教学领域，体现为多种形式的音乐创造能力，如：同一个练习，可能有多种答案；同一首歌曲，可能有多种处理方式；同一首乐曲，可能有多种理解等。对音乐作品的改编也是音乐创造能力之一，通过采风活动采集优秀的民间音乐，利用民间音乐资源作为改编的素材，或通过对原作品各种形式的加工处理，形成该作品的新的艺术风格等等。
6. 请将下面几个词组翻译成英文:音乐教学;视唱练耳;感知理解;表现创造
音乐教学：Music teaching
视唱练耳：Aural training ear
感知理Perception understand
表现创造：Performance create
7. 音乐的创作方式有
不同类型的音乐创作：
①器乐曲。通过不同的体裁，将对现实的反映归纳为表现与造型，按照形式美的规律将主观对现实的情感体验纳入一定形式之中，以求表现出处于深处的思想内涵。对于标题音乐，可强调通过标题的启示，使现实与感情思想更易结合起来。
②歌曲。将歌词的形式规律加以定型，使其所表现的感情相对固定，并将其各种思想内涵转化为自己的体验及解释。③戏剧性音乐。包括与其他艺术的结合如舞剧、歌剧等，主要是对剧中人物性格、活动、反应作出创作者的主观评价,转化为感情表现及体验,并将其运动过程固定为具体的形式。这时，音乐是另一艺术的感情体现,而该艺术就成为音乐的具体形象表现,至于其主次关系则因情况而有不同，其思想性内涵往往由该艺术直接反映出来。
tip:
塑形 在使内容物化（音乐化）的过程中，主要的问题是使基本乐思逐步展开以产生具体形式，并符合形式美的要求。这就需要按照音乐艺术本身的规律，根据一定的音乐逻辑，用适当的音乐语言来创作生动、鲜明、感人并富有独创性的作品。熟练的写作技巧、丰富多样的表现手法是至为重要的,在形象的塑造时,既须根据内容的需要来确定形式，也会由于形式美的要求对内容作适当的调整，两者存在互相制约、互为因果的关系。在创作中，最初的构思常常有被多次修改、变易、丰富、润饰等反复推敲过程。
音乐形象的塑造，从形式美的要求来说，就是具有合于逻辑的、不断发展的运动感，使音乐通过重复、变化、平衡、对比、层递等表现手段以取得多样的统一。这个基本原则随着时代、民族、社会发展的不同，在历史上呈现为不同的音乐结构，多种的风格样式和各种变体。如何创造出具有时代风格、民族风格而又带有个性的乐曲，在形式与内容两方面都具有新意，这常是作曲家为之奋斗终身的目标。
乐曲的形式定型以后，通常就可算是创作的完成。但在实际上，这个成品还需经演出的检验。演奏家、听众会对它提出各种不同的意见和反应，作曲家也会进行一些修改、变动。
8. 音乐创造作为课程基本理念，其具体涵义是什么
音乐是一种非语义的信息，音乐的这种自由性、模糊性和不确定性特征给人们对音乐的理解与表现提供了想像、联想的广阔空间。音乐艺术的创作、表演、欣赏等各个环节均体现了鲜明的创造意识并伴随着独特的创造行为，因此，音乐是创造性最强的艺术之一。音乐艺术的这一特质，使音乐教育在发展孩子们的创造力方面表现出了极大的优势，这无疑为学生发散性思维和创新能力的培养提供了良好的心理基础。 创造，对于基础音乐教育的价值，已引起包括课程专家和学科专家在内的众多音乐教育界人士的广泛关注，越来越成为广大基础音乐教育工作者的共识。因此，如果仅仅把音乐创造融在其他音乐教学内容之中，就不可能充分发挥音乐教育的审美育人作用。只有把音乐创作作为中小学音乐教学的一项重要内容独立出来加以强调，中小学音乐教学才能够获得最大的教育效益。而且就世界范围而言，音乐教育比较发达的国家、世界上著名的音乐教学法以及音乐教育家，也都十分重视音乐创造教学。在具体的创造教学中，要特别注意以下几个问题：第一，正确处理模仿与创造的关系。中小学生的音乐创造活动常常是从模仿入手的，模仿是音乐创造的必经之路。通过模仿，可能由易到难、循序渐进地进行创造学习。 第二，分清即兴创造与创作的异同。即兴创造是指学生根据当时的感受而产生的一种音乐创造行为，是事先不必做准备的临时创作，它往往与即兴表演联系在一起。而创作或改编乐曲则需要经过准备孕育，在酝酿创意之后再进行的加工塑形，最终成为一部音乐作品。即兴创造与创作是音乐创造教学领域的有机组成部分，在教学中缺一不可，不能偏废。 第三，注意在音乐创造活动中培养学生的内心听觉，启发学生想像自己的创造效果，先描述，再与实际音响对照，如此反复练习，使学生的内心听觉与创造能力同时得到发展。 特别需要指出的是，在关注对学生创造力培养的同时，更要关注音乐教育方式的创新。学生创新精神的培养，首先需要一种创造性的音乐学习。虽然，作为一个学科，音乐某些规律性东西需要向学生传授，但音乐“只可意会，不可言传”的特殊性质只能靠想像力去再创造。那种传统的我教你学、我讲你听的师徒式教学方式同创造性思维的培养背道而驰、大相径庭。而音乐教育方式的创新，则追求一种无权威的学习机制，追求一种自由、和谐、双向交流的教学氛围。要建立平等互助的师生关系，教师与学生凭借音乐交流审美信息，这里没有智力教育和道德教育的那种权威性和强迫性，教学双方完全是一种平等的关系。音乐教师要勇于从传统的角色中跳出来，“教书匠”为“教学设计师”、“指导者”、“合作伙伴”，为学生的音乐学习创造宽松、融洽的人际环境。音乐课堂上，学生可以说不，强化学生的“问题”意识，允许质疑，鼓励探索，尊重学生对音乐的不同体验与独立思考。如果从更深的层面上来说，那么音乐教育方式的创新则应体现较强的民主意识，要充分尊重学生的人格，维护学生在音乐学习方面的自尊心与自信心。基础音乐教育是义务教育，无论学生是否具有音乐天赋，都有接受音乐教育的权利，使每一个学生的音乐潜能得到开发并终生享有音乐乐趣，是基础音乐教育的崇高责任。 四、 如何理解“倡学科综合”？ 综合，是基础教育的一种基本理念。它体现了现代教育的一种发展趋势，是学科体系向学习领域的伸展，是精英文化向大众文化的回归。以审美教育为主旨的基础音乐教育，之所以倡导“综合”的理念，根本的要义在于“综合”有益于改变人格的片面化生成而向人格的完整化和谐发展。 音乐课程的综合，是以音乐为本的综合。实践证明，中小学接受音乐教育的途径是多种多样的，他们所接受的音乐教育的广度与深度较大地影响着其他素养的提高与音乐能力的发展。因此，音乐教育必须具有宽阔的视野，必须保持开放的态势，对音乐教育的各种影响因素给予高度重视。从艺术的本质上讲，一切艺术都是心灵的艺术，只是各自所有的感性材料不同而已。不同的艺术形式或同一艺术形式的不同方面在审美意蕴、表现手法等方面本来就有许多相通之处。从发生学的角度看，各艺术门类本是源于一家的，是高度融合在一起的。与此同时，这种艺术之间或同一艺术形式的不同内容之间所固有的融合趋势与人的身心发展规律也存在着某种同构关系。从心理学的角度而言“通感”这一心理现象，也使得艺术之间或同一艺术形式的不同内容之间的相互融合成为必要和可能。在另一方面，作为艺术的一个最主要的门类，音乐也同广泛的文化领域有着天然的密切联系，这也使得音乐课程同其他非艺术课程之间的相互融合成为可能。如在中小学各门课程中，语文、历史、地理、生物、数学、体育等都或多或少与音乐有着一定的联系，这也使得音乐教学与这些课程之间的联系成为可能。此外，只要音乐教学能保持一种开放的态势，具有较宽的视野，那么，课外音乐活动、社会音乐教育环境便都能成为音乐教学的有机组成部分。 在音乐课程中贯彻综合原则，可以有以下具体做法：其一，把包括感受与鉴赏、表现、创造、音乐文化等在内的音乐教学的各方面内容充分结合起来进行教学。如音乐文化知识可以在学生参与的创作、演唱、演奏、欣赏等音乐实践活动中结合着讲解；许多音乐欣赏内容可以通过演唱、演奏来加深体验，加深理解；可以结合唱歌与演奏来进行创作教学，并通过唱歌与演奏来展示学生的创作成果。其二，把音乐与包括舞蹈、戏剧、美术等在内的其他艺术形式结合起来进行教学。如让学生通过舞蹈、律动来表现音乐。音乐与美术融合即是听觉与视觉的结合，可使学生更形象地理解音乐。其三，把音乐课程与包括语文、历史等在内的与音乐艺术有关的其他非艺术课程适当结合起来进行教学。音乐与文学关系密切，音乐教学可与语文教学（诗词、戏剧段落等）沟通；音值、节奏等内容可与数学课中的数量概念结合讲解；节奏与自然界现象、与人的生理现象以及人的运动方式有关，教学时可与自然常识课沟通；体育课的广播操、韵律操等与音乐节奏感、旋律感的联系很紧，也能够有效结合；一定的音乐与这种文化产生的民族、地理、环境、历史条件、语言语音特点、生活习俗、文体交流等有着密切联系，故音乐课与历史课、地理课的结合也并非困难。
9. 如何理解对音乐的感悟,表现,创造是人类基本素质和能力的一种反应
音乐可以算是人们交流的第二种语言。所以说对音乐的任何反应都是每个人必有的，只是谁强谁弱一些。
10. 音乐是谁创造的
我们的生活离不开音乐，但到底是谁发明了音乐？关于这个问题的答案，几千年来，有许多种说法。
有人说，音乐是神创造的。古希腊有个哲学家拉柏图认为，音乐家“只是神的代言人”。天上有个主管音乐与诗词的缪斯女神，她附在音乐家的身上，给音乐家以灵感，召唤音乐家去创作，于是人间才有了音乐。中国古书《山海经·大荒西经》说，夏禹的儿子夏后启是个半人半神的英雄，天帝非常敬重他，经常邀他上天赴宴，而每次宴请时都要演天乐助兴。天乐极其美妙动听，夏后启把它偷偷记下带回人间，于是，人间就有了音乐。
有人说音乐起源于摹仿。古希腊哲学家德谟克利特说：“从蜘蛛那里我们学会了织布和缝针；从燕子那里学会了造房子；从天鹅和黄莺等歌唱鸟那里学会了唱歌。”我国古代也有这种说法，《吕氏春秋·古乐》一书中说，音乐起源于“听凤凰之鸣”，“效八风之音”。
有人说音乐起源与游戏。英国哲学家斯宾塞认为，人是高等动物，不同于一般低等动物。低等动物要把全部精力用于维持和延续生命，而人类则在维持和延续生命之外，还有过剩精力，于是在游戏中便创造了音乐。
那么到底是谁创造了音乐艺术呢？我国著名音乐家扬荫浏所著中国古代音乐史稿》一书中说：“音乐起源于劳动。”这个回答完全符合马克思提出的“劳动创造了美”这一美学论断。恩格斯说：“只是由于劳动……人的手才达到这样高度的完善，在这基础上，它仿佛凭着魔力似的产生了拉斐尔的绘画，托尔瓦德森的雕刻以及帕格尼尼的音乐。”
早在两千多年前，我国就有人注意到，歌曲是出于劳动的呼声。刘安在《淮南子》一书中说：抬大木的人，前面的人喊出“邪许、邪许”的声音，后面的人也跟上去喊着，这就是在抬重物的劳动中所产生的歌曲。我国伟大的文学家鲁迅在《门外文谈》中说：“我们的祖先原始人，原是连话也不会说的，为了共同劳动，必须发表意见，才渐渐地练出复杂的声音来，假如大家抬木头，都觉得吃力了，其中有一个叫道‘杭育杭育’，那么，这就是创造……”
总的来说，音乐不是神创造的，而是人类创造的，是人类在劳动中创造并发展起来的。